"MA" RAINEY: La Mama del Blues.

Gertrude "Ma" Rainey nació el 26 de abril de 1886 en Columbus, Georgia, con el nombre de Gertrude Pridgett.

La reconocida "Madre del Blues" (reconocida así, en parte, por su labor de mentora de Bessie Smith) no pudo entrar en los estudios de grabación hasta 1923, pero ya a los 14 años actuaba en público.

En 1904 se casó con elactor y bailarín, Will Pa Rainey, montando juntos un espectáculo de danza y canto bajo la denominación de Rainey & Rainey: "The Assassinators of the Blues". Con su marido trabajó incesantemente en espectáculos itinerantes como "Rabbit Foot Minstrel" o el "Toliver´s Circus Ma Rainey" conquistando por donde actuaba un enorme prestigio como cantante de blues entre la población. En una de esas actuaciones conoció a la gran Bessie Smith, que era diez años menor que ella.

A partir de 1909, un empresario blanco, Anselmo Barrasso, había organizado el circuito TOBA (Theater Owners Booking Association), una extensa red por todo el país de teatros, salas de fiestas, carpas de circo y lugares diversos destinados a la diversión del público de color, dado que la segregación racial en América prohibía a los negros asistir a cualquier tipo de espectáculo junto a los blancos. Precisamente la dureza de ese circuito para los artistas y las humillantes condiciones de trabajo y salario en la que se desenvolvían, hizo que el pueblo alterase sabiamente el significado de esas siglas racistas. Y así para elmúsico de color, TOBA, significaba; "Tough On Black Ases", o sea, "Duro con los culos negros".

Ya próxima a la cuarentena, y probablemente cuando ya no se encontraba en su mejor momento, Ma Rainey tuvo su primera oportunidad de entrar en un estudio de grabación, en 1923, donde la cantante pudo durante cinco años (1923-1928) grabar más de 90 blues, la mayoría propios, utilizando todo tipo de acompañamientos, generalmente bajo el nombre de "Georgia Jazz Band".

En la sesión inaugural de 1923, grabaría sin procedimientos eléctricos dada la actitud de la casa Paramount, que no los utulizó hasta bien entrado 1927, cantó con la pianista Lovie Austin y sus Blues Serenaders, y con el cornetista Tommy Ladnier, particularmente inspirado en "Southern Blues", típico del doble sentido sexual de muchas de sus composiciones. En 1924, graba el celebérrimo, "See See Rider" y "Jelly Bean Blues", dos de sus blues más conseguidos con el pianista Fletcher Henderson y su orquesta, entre los que se encontraba un joven cornetista llamado Louis Armstrong. Su ciclo de grabaciones conocidas, se cerraba a finales de 1928 con sus duetos con Papa Charlie Jackson, y aunque siguió trabajando y cantando hasta 1935 en algunos pequeños clubs, teatros y salas de espectáculos en Georgia, falleció el 22 de diciembre de 1939 a causa de problemas cardiacos.
Gertrude "Ma" Rainey, era menos variada, tanto en expresión como en repertorio, que Bessie Smith, y su canto está reflejado por la tonalidad pesada y trágica de su voz, la unidad entre el sonido, las palabras y su significado, el blues primitivo en toda su autenticidad y belleza.

Por desgracia, sólo podemos escuchar estos primitivos temas de los años `20. Aquí os dejo un par de grabaciones.

Larga Vida al Blues.

CHUCK BERRY: El Rey negro del Rock`n`Roll.

Charles Edwards Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en St.Louis, estado de Missouri (otras fuentes citan como su lugar de nacimiento a San José, en California). Hijo de una maestra y de un constructor, que a su vez hacía de párroco, la primero década de su infancia estuvo marcada por el bienestar económico que le permitió ir a la escuela, e ir a la Simmons Grade School a sacarse el título de secundaria. Este colegio era el único que había para personas de raza negra en el centro de EEUU. Se destacó como estudiante, además de desarrollar el amor por la poesía y el blues que le valieron un premio en la secundaria cuando interpretó una pieza de big band únicamente con su voz y la guitarra. Junto por su pasión por la música, estaba la que tenía por la fotografía, que cultivaba con su primo Harry Davis.

Justo antes de su graduación de la secundaria, Berry se encontró con su primer problema con la ley.En 1944, en un paseo con un par de amigos en Kansas City fueron arrestados por robo a mano armada, se los encontró culpables y fueron sentenciados a 10 años en un reformatorio juvenil. Durante su encierro Berry se unió a un grupo de gospel e inició una breve carrera como boxeador. Su libertad llegó tres años después (1947) cuando alcanzó los 21 años.
Un año después se casó con Themetta Suggs y empezó a trabajar en una gran variedad de empleos que iban desde ensamblador de autos hasta músico, pasando por peluquero, obrero y fotógrafo.
En un local llamado Cosmopolitan Club fundó su primera banda, The Chuck Berry Trio (antes de la llegada de Berry se llamó Sir John Trio), compuesta por Berry a la guitarra, Ebby Hard a la batería y Johnny Johnson al piano, este último era el primer líder de la banda antes de la llegada de Chuck Berry.

A comienzos de la década de los `50, las actuaciones del terceto resultaron todo un éxito entre la comunidad negra, los primeros en admirar su capacidad de trasladar los fraseos del country al rythm&blues, creando unas composiciones de ritmo jovial y alma juvenil caracterizados por unos infecciosos y pegadizos riffs.
La única banda que les disputa el título de “Mejor Grupo” es la de Ike Turner, que toca al otro lado de la ciudad.
En 1955 Chuck Berry se trasladó a Chicago, donde conoció a Muddy Waters, quién lo recomendó a Leonard Chess para que escuchara una canción que Berry había compuesto. Su titulo era “Maybelline”, una canción que en principio iba a llamarse “Ida Red”.
El éxito del sencillo, abrazado por una gran parte de la población blanca y espoleado por el mítico disc-jockey Alan Freed, alcanzó expuesto número cinco en las listas estadounidenses.
Curiosamente el apoyo promocional de Freed provocó que, en su época, el single fuese acreditado también a este.
El genial Chuck Berry comenzó a escribir para Chess Records un gran número de temas que con el tiempo se convirtieron en grandes clásicos del rock.
Todos ellos sirvieron para que gente tan decisiva para el progreso sonoro del género musical como los Beatles (que lo versionearon en varias ocasiones) o Rolling Stones (que comenzaron su carrera con “Come On”,una canción de Berry) se decidieran a adoptar las pautas ideadas por el gran maestro. “Roll Over Beethoven”, “Johnny B. Goode”, “Rock and Roll Music”, “School Day”, “Carol”, “Sweet Little Sixteen”, “Memphis Tennesse”, “Reelin´and Rockin”, “Around and Around”, “Little Queenie” o “Too Much Monkey Business” fueron y son algunas de las canciones más populares que grabó entre finales de los `50 y la primera mitad de los `60. Junto a ello, su baile del pato causo furor entre sus admiradores que rebosaban las actuaciones que el astro realizaba en tierras americanas, como por ejemplo en el Newport Jazz Festival o en sus apariciones televisivas y cinematográficas (Chuck Berry aparece en unas cuantas películas, entre ellas “Rock, Rock, Rock” (1957) y “Go, Johnny, Go” (1959).

Su fuerte personalidad, su carácter poco sociable y su gusto por la buena vida le ocasionaron algunos importantes problemas con la justícia. A comienzos de los años `60 fue arrestado por trasladar desde México a una menor de edad “para propósitos inmorales”, aunque Berry siempre afirmó que lo único que hacía esa chica de 14 años en su club Bandstand era trabajar en el guardarropa. Por esta acusación tuvo que pasar encerrado en prisión casi dos años, entre 1961 y 1963.

Tras salir de la cárcel, Chuck Berry continuó cosechando triunfos con canciones como “You Never Can Tell” o “Nadine” y fue reivindicado con tesón por los componentes de la invasión británica que estaban dominando las listas de todo el mundo.

En 1966 cambió la Chess por Mercury Records, pero los resultados no fueron buenos ni artística ni comercialmente, y regresó de nuevo a su primer sello a finales del decenio, consiguiendo su último gran éxito en 1972 con el single “My Ding-a-ling”, una canción que llegó número uno tanto en EEUU como en Gran Bretaña.

De nuevo los problemas legales le llevaron a la cárcel en 1979, cuando fue acusado por el gobierno estadounidense de evasión de impuestos.

En los años `80 y `90 siguió girando, pero sus actuaciones no estaban a la altura de su prestigio debido a una dejadez general del compositor que implicaba que no contara con una banda de acompañamiento fija si no que contrataba a músicos locales de las poblaciones a donde acudía, lo que provocaba una discordancia sonora entre Berry y sus acompañantes de escena.

Sin embargo, el respeto a su magna obra y su incalculable influencia en el mundo del rock, hacen de cualquiera de sus apariciones en vivo todo un acontecimiento histórico para el devoto musical.

Chuck Berry está entre los primeros músicos en ser incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame, en su apertura en 1986. Recibió el Kennedy Center Honors en el 2000, junto a Mikhail Baryshnikov, Plácido Domingo, Angela Lansbury y Clint Eastwood. En el 2004, la revista Rolling Stone le puso en su lista de los inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. También ocupó el puesto número 6 en la lista de Rolling Stone de los 100 Mejores Guitarristas de Todos los Tiempos.

Como sabiamente dijo John Lennon, si alguna vez el rock and roll tuviese que cambiar de nombre, se rebautizaría Chuck Berry, porque seguramente, si Elvis Presley es el rey, este espigado cantante, guitarrista y compositor negro es el padre del rock.

Tres videos que os harán sentir el rock and roll en estado puro.

Larga Vida al Rock & Roll.

CHARLIE PATTON: El Pionero del Delta.

Charlie Patton, en muchos aspectos, resume los modelos musicales y sociales que conformaban el blues del Delta de la época. Su papel como precursor del blues del Delta es fundamental. De ascendencia europea, era un pequeño y simpático hombre de fuerte voz.
Charlie Patton nació en una granja situada entre Edwards y Bolton, en pleno corazón del Delta del Mississippi. Su fecha de nacimiento es algo incierta, ya que no existe un registro claro de la misma; se especula que ocurrió entre 1881 y 1891, probablemente en 1887. Su padre biológico posiblemente fue Lonnie Chatmon, violinista de los Mississippi Sheiks, quién fuera viejo pretendiente de su madre. De hecho, su relación con la familia Chatmon fue siempre tan estrecha que lo llamaban hermano. Además, se cree que Sam Chatmon (guitarrista sobreviviente de los Mississippi Sheiks, redescubierto en el folk blues revival de los ´60) era su hermanastro.
Hacia 1905, el padre de Charlie, Bill Patton, llevó a su familia a la enorme plantación Dockery del Delta. Allí se dedicaron al cultivo y al negocio maderero. Oficialmente, los primeros contactos que el joven Patton tuvo con la música fueron a través de Henry Sloan, bluesman misterioso que se convertiría en su mentor, y que posteriormente le enseñaría un tema que se convertiría en su mayor éxito, “Pony Blues”.
Intentó predicar con la iglesia para conseguir un status social y mayor libertad de movimientos ante una situación de racismo galopante en el Delta. Se dedicó a esto intermitentemente a lo largo de su vida. Grabó algunos espirituales y un breve sermón en medio de sus grabaciones de blues. Incorporó en muchos temas la guitarra slide, tocando con el cuello de una botella.
Sufrió un disparo por culpa de sus escarceos amorosos a los que era muy aficionado y al poco tuvo que abandonar Dockery (aunque seguía siendo su hogar principal), iniciando así su carrera como músico. Recorrió el Delta durante unos veinte años actuando en todos los lugares concebibles y para todos los públicos de todas clases. Ganó mucho dinero, se casó al menos ocho veces, tuvo incontables novias y, por lo general, vivió bastante bien.

Entre 1929 y 1934, Patton grabó más de cincuenta títulos entre los que se incluyen espirituales, baladas tradicionales, melodías bailables de ragtime y versiones de canciones populares de éxito, aunque la mayoría de las piezas eran blues del Delta. Fue más allá de los temas habituales del blues sobre relaciones amorosas y llegó a cantar sobre acontecimientos de los que había sido testigo o en los que había participado. Por ejemplo, cantó en dos ocasiones sobre el arresto y el encarcelamiento en "Tom Rushen Blues" y "High Sheriff Blues". También cantó sobre una huelga de ferroviarios en Chicago, los efectos de la sequía en la ciudad de Lula o el desbordamiento del río Mississippi y sus afluentes en 1927 ("High water everywhere").
Durante algunos años Charlie Patton tubo un compañero llamado Willie Brown, uno de sus discípulos, con el que realizó una de sus mejores grabaciones, "Moon Going Down", en el sello Paramount, donde tuvo su mayor éxito con "Pony Blues". La fama creciente de Patton hizo que muchos bluesmen de la época acudieran a escucharle y aprender a Dockery, como Howlin' Wolf y Roebuck Stamples. En este aspecto destaca sobre todo su principal sucesor, con el que tocó y grabó en varias ocasiones, Son House.
La demanda de sus servicios musicales y el duro ritmo de su agitado modo de vida, junto con una posterior afección cardíaca crónica y las secuelas de las fiebres reumáticas que sufrió en su niñez, pusieron fin a su vida el 28 de abril de 1934.

Podeís escuchar, pero no ver, (ya que el único documento gráfico que existe de Charlie Patton es una fotografía) a este pionero del Delta Blues, en un par de temas en los que se refleja el crudo sonido de este estilo.

http://www.youtube.com/watch?v=yGsAh2jx6JA

http://www.youtube.com/watch?v=JZ1zOarIoEA

Larga Vida al Blues.

DINA WASHINGTON: Miss "D".

Dinah Washington nació con el nombre de Ruth Lee Jones el 29 de agosto de 1924 en Tuscaloosa, Alabama, en el seno de una familia con ciertos intereses musicales, su madre tocaba el piano en una iglesia baptista.
Dinah, se acercó a la música profana después de haber sido pianista y corista en una iglesia baptista del South Side de Chicago, donde se mudó con su familia cuando tenía tres o cuatro años. Aun adolescente, ganó un concurso para aficionados en el "Chicago Regal Teathre", iniciando entonces un recorrido por los garitos de blues de la ciudad y diferentes locales de música negra. En 1940 actuó con Sallie Martin, una de las figuras mas representativas del sonido gospel afroamericano, y fundadora del primer grupo femenino de gospel.
En 1943, tuvo la fortuna de que la escuchara cantando en el "Garrick's bar", un club de Chicago, el director de bigband, Joe Glaser quien tras escucharla se la presentó al tambien líder de orquesta, Lionel Hampton, que no dudo en contratarla nada mas oírla. Con Hampton, Dinah Washington, estuvo hasta 1946 y fue en el seno de la formación del vibrafonista, cuando decidió cambiar de nombre artístico. Tras un fructífero periodo de madurez con la bigband de Lionel Hampton, la casa discográfica "Apollo" le ofreció la posibilidad de actuar y grabar en solitario. Con un repertorio cercano al Rhythm and Blues, y con temas escasamente originales,Dinah Washington no tardó en salir de Apollo, donde a pesar de todo, cantó unos cuantos blues memorables recogidos en el disco: "Mellow Mama" (Delmark, 1992).Aprovechó la ocasión para salir de Apollo, cuando el sello Mercury le ofreció un sustancioso contrato y la posibilidad de grabar los temas que ella quisiera. En 1959 llegó su mayor éxito popular con el celebérrimo: "What a Difference a Day Makes", versionada posteriormente por Sarah Vaughan y Esther Philips, y recientemente sacada del cajón del olvido para servir de banda sonora en un anuncio publicitario televisivo.
A partir de los años cincuenta se ganó a pulso el apodo de "Reina del Blues" que le pusieron sus admiradores, aunque también era conocida como "Queen D" o "Miss D", y sus discos se colocaban uno tras otro en las lista de los mas vendidos de Norteamérica. Entre 1950 y 1960, grabó para Mercury y para su filial, Emarcy lo mas granado de su discografía con alguna que otra obra maestra indiscutible como el disco grabado en 1954 titulado: "Dinah Jams!" o el homenaje, sincero, emotivo y lleno de swing al maestro Fats Waller en 1957. Su personalidad, su fuerza en los escenarios y su canto, a mitad de camino entre la fuerza de Bessie Smith y el fraseo de Billie Holiday, enganchó de tal manera a los aficionados a su música que las ventas de sus discos no tenían frontera de estilo. Era tan conocida fuera de los ambientes jazzisticos o bluseros como fuera de ellos, y tuvo la capacidad para vender sus discos fuera de los confines raciales del mercado.

En sus últimos años, Dinah Washington, fichó por el sello Roulette, donde prolongó acertadamente su trayectoria jazzistica sin apenas cambio de conceptos: orquestaciones sinuosas, repertorio variado, baladas tristes y alguna que otra concesión a las modas comerciales. Un exceso de somníferos ingeridos en estado de embriaguez acabó con su vida en Detroit, donde residía, el 14 de diciembre de 1963.

Aquí teneis un par de videos de los años `50, notareis que no tienen buena calidad, pero esto es lo que hay...

http://www.youtube.com/watch?v=-FsqEG_3p5g

http://www.youtube.com/watch?v=_iMXs9ELfcs

Larga Vida al Rythm and Blues.

SONNY BOY WILLIAMSON: El Sonido del Viento I y II

SONNY BOY WILLIAMSON I

John Lee Williamson era hijo de granjeros de Tennessee y aprendió solo a tocar la armónica, actuando en un medecine show, donde se ganó el apodo de Sonny Boy. Admirador profundo de Sleepy John Estes y, sobre todo, de su armonicista Hammie Nixon, al que imitaba en sus comienzos. Incorporado finalmente a la banda de Estes, Sonny Boy modeló su estilo a partir del sonido de ambos. En 1934, se trasladó a Saint Louis, donde tabajó con Big Joe Williams, Walter Davis y otros. Después, emigró a Chicago, donde recorrió todos los clubs y logró convertirse en el armonicista favorito del público local.
A partir de 1937 comenzó a realizar grabaciones de gran éxito, en un estilo muy parecido a Estes, entre las que destaca "Good morning, little schoolgirl". En los diez años siguientes, grabaría más de 120 temas para el sello Bluebird, y se convirtió en una de las grandes estrellas de Chicago. Su éxito fue tal, que surgieron muchos imitadores que, incluso, se hacían pasar por él, siendo el más conocido Rice Miller (Sonny Boy Williamson II) al que, por cierto, John Lee estuvo buscando con una pistola en el bolsillo para arreglar cuentas con el impostor.[1]
Ejerció una indudable influencia sobre los jóvenes armonicistas como Little Walter, Snooky Pryor, Junior Wells o Billy Boy Arnold, a quienes dio lecciones y consejos, además de apoyar a bluesmen como Muddy Waters.
Su carácter y sus excesos con el alcohol, y con las mujeres que acudían a verlo a los clubs, causaron su muerte: El 1 de junio de 1948, volvía muy borracho a casa, tras una actuación, cuando el marido de una mujer a la que había cortejado durante la misma, le atacó con un punzón de hielo, y le atravesó la cabeza.

SONNY BOY WILLIAMSON II

Nació con el nombre de Rice Miller alrededor de 1897 cerca de Glendora, en el condado de Tallaharchie, Mississippi. No se sabe mucho acerca de sus primeras influencias, aunque se dice que solamente tocaba canciones religiosas cuando cogió por primera vez una armónica. También se dice que trabajó como granjero con su madre y su padrastro hasta los 30 años, momento en que una discusión con su padrastro le arrojó a la carretera. Miller aprendió a vivir sin trabajar y a tocar la armónica lo suficientemente bien como para ganar algunas monedas para los gastos de sus viajes. Fue entonces cuando se cruzó con una serie de prometedores guitarristas entre los que se incluyen, Robert Johnson, Elmore James y Robert Lockwood Jr.. En 1941, Miller y Lockwood tocaban en las calles de Helena, Arkansas, y se enteraron de que se inauguraba una emisora de radio en esa ciudad, la KFFA, y le propusieron a su propietario, Sam Anderson, tocar gratis cada día con la condición de que pudieran hacer publicidad de sus conciertos en la zona. Anderson llamó a Max S. Moore, ya que sabía que estaba buscando un medio para promocionar su harina King Biscuit. La KFFA emitió por primera vez el 19 de Noviembre de 1941, y “King Biscuit Time”, con una duración de quince minutos, se convirtió rápidamente en un hit. Moore, afirmaba que le había puesto a Miller el apodo de Sonny Boy, para que diera la impresión de que era una estrella discográfica nacional la que hacía publicidad de su harina. A raíz del éxito del King Biscuit, la firma Interstate resolvió lanzar al mercado otro alimento, el Sonny Boy Corn Meal, con la foto de un sonriente Rice Miller en la bolsa.
A partir de este momento, se le conocería como Sonny Boy Williamson II, que no hay que confundir con John Lee Williams, (1914-1948) otro armonicista de la escena blues de Chicago al que se conoció como Sonny Boy Williamson I.

A pesar de la seguridad que le proporcionaba el programa en la radio y del éxito que obtuvieron sus actuaciones en directo, Sonny Boy era inquieto y, en 1944, ya estaba otra vez en la carretera. Le vieron en todas partes de Florida a Texas, aunque se quedó algún tiempo en Belzoni con su amigo Elmore James (Sonny Boy anunciaba un elixir con alcohol llamado Talaho, en las emisoras de radio de la zona) y luego se trasladó a West Memphis, donde estuvo seis meses haciendo publicidad de otro remedio, Hadacol, en la KWEM. No paró de moverse entre 1949 y 1951, cuando Lilian McMurry, por fin, pudo tranquilizarle lo suficiente como para que grabara en su sello Trumpet, con base en Jackson. Cuando hizo esa grabación tenía más de cincuenta años. Su excéntrica e insinuante voz y su destreza con la armónica eran muy maduras por aquel entonces, rasgos palpables en “Nine Below Zero” y “Eyesight to the Blind” o “Every Time She Start to Lovin’, the Deaf and Clumb Begin to Talk”. Siempre inquieto, Sonny Boy siguió viajando, aunque ahora más al norte, hasta Detroit, donde trabajó durante algún tiempo con la banda de Baby Boy Warren. En 1955, Chess compró la parte del contrato de Sonny Boy con Trumpet, y este se vio inmerso, con retraso, en la floreciente escena del blues de Chicago. “Don’t Start Me to Talkin’” de 1955, fue el mayor éxito de Sonny Boy, escalando hasta el puesto número tres de las listas de R&B, pero su mayor triunfo le sobrevino en 1963, cuando hizo una gira por Europa en la que recibió una entusiasta aclamación, sobre todo por parte del público inglés. Los Animals y los Yardbirds fueron los más famosos de los jóvenes grupos beat que actuaron y grabaron con el astuto sexagenario. En Copenhague, hizo algunas personales y conmovedoras grabaciones para el sello Storyville (reeditadas en EEUU por Alligator) con el pianista Memphis Slim y Matt “Guitar” Murphy como únicos acompañantes. Y hasta estos se mantenían en silencio en “When the Lights Went Out”, donde sólo se escucha a Sonny Boy cantando y tocando la armónica.
Rice Miller murió el 25 de Mayo de 1965, no mucho después de que retomara la dirección de los King Biscuit Entertaimens.

Solo he podido encontrar videos de Sonny Boy Williamson II, que en realidad, es el que más méritos ha obtenido en su carrera musical. Si se tuviese que nombrar algún rey de la harmónica, creo que la corona sería para el, y si no, echarle un vistazo a estas grabaciones, sencillamente alucinante...

http://www.youtube.com/watch?v=DFRMBWgyH-M

http://www.youtube.com/watch?v=3Y7FWT5V4wM

Larga Vida al Blues...

CHARLIE PARKER: El Pájaro Indomable.

Charles Christopher Parker Jr. había nacido en Kansas City el 29 de agosto de 1920. Su madre, Addie, enfermera en el hospital en el que nació, esperaba que su hijo fuese médico, pero no parece que Bird llegara ni a considerar esa opción. Su padre, un cantante y bailarín de medio pelo que dejó la vida artística para trabajar de cocinero, les abandonó cuando el niño tenía 11 años. Al cuidado de su madre, Parker creció altamente consentido, y comenzó a estudiar el saxo baritono a los 13 años pero, dado el peso y el volumen del instrumento, pronto lo cambió por el más ligero saxo alto. Con ese instrumento comenzó a los 15 años a tocar en diversas orquestas de la zona por un dólar y cuarto la noche. Parker había dejado ya la escuela secundaria, vivía alejado de su familia y había comenzado a utilizar estupefacientes y heroína.
Bird ya tenía ideas propias, pero todavía no poseía la técnica para ponerlas en práctica. Muchas anécdotas se relatan de esos primeros años de aprendizaje en Kansas City, en especial sus fracasos en las jam sessions o el ostracismo al que le sometían sus colegas de más edad. La más repetida de esas histórias esta protagonizada por un joven Bird que quiso añadirse a una jam realizada tras un concierto de Count Basie en el club Reno. El saxofonista perdió el compás a la mitad de su interpretación y se quedó totalmente cortado. El batería Jo Jones desenroscó uno de los platos y se lo tiró en señal de repudio. Sin duda, aquella noche Parker no estuvo acertado, pero resulta proverbial la escasa sensibilidad de Jo Jones en ese campo ya que años después repetiría el mismo número con Cecil Taylor; ciertamente Papa Jones no sabía captar el genio al primer golpe de vista.
Al salir del Reno, Parker comentó que acabaría ajustandoles las cuentas a todos ellos; “Ahora todos se ríen de mí, pero que esperen y verán”. Esa espera la utilizó el joven saxofonista para mejorar su técnica y buscar un sonido original. Dominado ya notablemente su instrumento, ingresó en la big band de Jay McShann, la más importante de la zona. Con ella visitaría por primera vez Nueva York en 1939 y grabaría sus primeros discos tres años después.

En ese viaje a Nueva York se produjo uno de los encuentros más importantes de la historia del jazz, el de Bird con el trompetista Dizzy Gillespie. “Nuestro primer encuentro fue en el escenario del Savoy Ballroom. Era la primera vez que la orquesta de McShann actuaba en Nueva York. Una noche, Dizzy, que estaba actuando en la orquesta de Cab Calloway, vino y se sentó a tocar con nosotros. Me quedé inmediatamente fascinado por su manera de tocar, nos hicimos amigos al momento y, hasta hoy (la entrevista se realizó en 1953), seguimos siendo amigos intimos. Desde aquel día íbamos siempre juntos a todos los lugares y a las jam sessions”.
Tras ese primer encuentro, Parker regresó a Kansas con la orquesta de McShann, pero la atracción del ambiente musical neoyorquino era imparable y allí volvió tan pronto como pudo. “Estuve durante tres meses lavando platos en el Jimmy´s Chicken Shack de Harlem”, recordaba el músico en la revista Down Beat. “Era la época en la que Art Tatum hechizaba a los clientes de última hora en el Shack. Me daban nueve dólares por semana y la comida. Después, cuando Tatum se marchó, me fui yo también. Anduve sin rumbo un tiempo, durmiendo donde podía. No tuve ningún problema con la policía. Tuve suerte, creo que fue por que me veían muy joven”. Parker, en ese momento, era ya un consumidor habitual de heroína, y el ambiente musical de la Gran Manzana, el lugar idóneo para colmar todas sus necesidades.
Buscando trabajo, Parker llegó al Monroe´s, donde pasó a ganar medio dólar por toda una noche. “Nadie me prestaba mucha atención, excepto Bobby Moore, uno de los trompetistas de Count Basie. Me tenía afecto, pero todos los demás estaban empeñados en que tocara como Benny Carter”.
En una de esas jam sessions encontró el inicio de lo que iba buscando.”Sabía que tenía que hacer otra cosa y, a veces, hasta podía oirla, pero me resultaba imposible tocarla”, explicaba. Durante una interpretación de “Cherokee” descubrió que podía trabajar con los intervalos superiores de un acorde utilizándolos como línea melódica y, poco a poco, sus ideas comenzaron a materializarse. “Me di cuenta de que podía tocar lo que sentía en mi interior. Ese dia nací”, recordaba Parker. “Tienes que haber vivido cada cosa que quieres expresar o nunca saldrá de tu saxo”.
Otro de los clientes habituales del Monroe´s y del Minton´s era su amigo Dizzy Gillespie. “En 1941 él tocaba con Earl Hines y yo me uní a la banda. Estaban también Sarah Vaughan, Billy Ecsktine…, muchos nombres hoy reputados estaban en aquella banda”. Bird tuvo que alquilar un saxo tenor para poder tocar en la orquesta ya que había perdido el suyo (o lo había empeñado, según la versión de su leyenda que se prefiera). “La orquesta se deshizo en 1941 y en 1942 Dizzy regresó a Nueva York y formó su propio grupo en el club Three Deuces, en ese momento yo me unía a la banda”. La historia del jazz moderno estaba comenzando a escribirse.
El saxofonista Tony Scott recordaba;”Cuando Bird y Dizzy tocaban en la calle 52, todos se quedaban asombrados, nadie podía tocar ni de lejos como ellos. Finalmente grabaron discos, lo que sirvió para que los demás pudieran copiarlos utilizando las grabaciones como base. En esa época todos experimentábamos, pero nadie había encontrado un estilo, Bird, sí”.
La vida jazzística neoyorquina quedó altamente conmocionada pero, desgraciadamente, el quinteto de Bird y Dizzy tuvo una vida efímera. Aunque musicalmente estaban muy cercanos, los objetivos vitales de los dos músicos eran muy diferentes. Así, Gillespie decidió seguir su propio camino y su lugar en el grupo fue ocupado por un joven taciturno de 18 años: Miles Davies.
Una de las principales desavenencias entre Parker y Gillespie fueron las drogas. Mientras que el trompetista las eludía, el saxofonista se sumergía cada vez más en ellas, especialmente en la heroína. Sus cambios de carácter eran notables, su personalidad se venía abajo por momentos y su autoestima se desvanecía hasta el punto de impedirle tocar. A menudo faltaba a sus conciertos o llegaba con retrasos de varias horas. Gran parte de la jornada la empleaba en conseguir primero dinero, ya fuera prestado o robado, y después droga. “Me volvió amargo, duro, frio. Me dominaba siempre el pánico… de no poder comprar ropa o de no poder encontrar un lugar decente donde dormir”, explicó posteriormente el saxofonista a Leonard Feather.

La noche del 29 de Julio de 1946, en plena sesión de grabación, hoy mitificada, Parker sufrió un colapso nervioso, precedido de una crisis seudoepiléptica. Inmediatamente después incendió la habitación de su hotel californiano e irrumpió en el vestíbulo desnudo y gritando. Fue detenido y se le acusó, entre otras cosas, de posesión de drogas, por lo que fue internado en el Camarillo State Hospital durante seis meses.
Al abandonar el hospital mental, Parker parecía totalmente recuperado y comenzó nuevamente a tocar y a grabar con la fuerza de antaño. En 1948 se unió a las giras de Jazz at the Philharmonic (JATC) que dirigía Norman Granz. Ese encuentro fue sumamente importante ya que, a partir de aquel momento, Granz se convertiría en su productor discográfico impulsando la carrera de Bird hasta lo más alto. Finalmente, Charlie Parker pudo ver como su música no sólo era aceptada por el público, sino que comenzaban a considerarle como la gran figura del jazz que en realidad era. A partir de 1950 y hasta su fallecimiento, ganó todas las encuestas, de lectores y de críticos, de la revista Down Beat.
En el seno del JATP, Parker pudo codearse con los mejores músicos de jazz, tanto colegas de su generación como rutilantes estrellas del pasado inmediato. También visitó Europa en diversas ocasiones y pudo actuar junto a músicos latinos como Machito u orquestas de cuerda como en las históricas sesiones Bird with Springs.
Mientras su vida musical ascendía, su vida privada hacía aguas nuevamente. En marzo de 1954, su hija Pree fallecería con sólo 3 años a consecuencia de las complicaciones de una neumonía. Parker se sintió culpable por no haber estado a su lado y esa misma noche intentó suicidarse. A partir de ahí ya nada fue igual. La heroína y otros estupefacientes y el alcohol marcaron su ley, y Parker se negó una vez tras otra a los distintos tratamientos que le proponían. Acosado también por la policía, Charlie Parker ya nunca volvió a tocar como antes, casi podría decirse que no volvió a tocar.
Uno de los episodios más repetidos de esos últimos días sucedió el 4 de marzo de 1955 en el Birdland neoyorquino. Parker iba a tocar dos noches con un banda de lujo que incluía al trompetista Kenny Dorham, al pianista Bud Powell, al contrabajista Charles Mingus y al batería Art Blackey. Powell, también hundido totalmente por el alcohol y las drogas, comenzó a interpretar una melodía distinta a la que tocaba el resto. Cuando Parker le llamó la atención se disparó una de las rondas de insultos más famosas de la historia del jazz. Powell abandonó el escenario y Parker se quedó llamandole a gritos y pidiéndole que regresara. Mingus se acercó al micrófono y dijo; “Señoras y señores, les ruego que no me asocien con todo esto. Esto no es jazz. Estos hombres están enfermos”. Y abandonó también el escenario. Una semana después Bird fallecía.
La tarde del 12 de marzo de 1955 notó fuertes dolores de estómago (padecía una úlcera gástrica crónica) y, no teniendo a donde ir, se refugió en la casa de su amiga la baronesa Pannonica de Koenigswarter, popular en los ambientes jazzísticos por socorrer siempre que podía a los músicos de jazz. Esa misma noche, un ataque al corazón acabó con la vida de Charlie Parker mientras veía la televisión. Como ya se ha dicho, el forense que acudió a firmar la defunción describió en su informe a un hombre negro de unos 60 años, Charlie Parker aún no había cumplido los 35.

Y para muestra..., un boton...,en este caso dos.

http://www.youtube.com/watch?v=j1bWqViY5F4

http://www.youtube.com/watch?v=wkvCDCOGzGc

Larga Vida al Jazz.

MAMIE SMITH: La 1ª Dama del Blues.

La cantante Mamie Smith nació el 26 de mayo de 1883 en Cincinnati, Ohio. Su nombre pasó a la historia por ser la primera cantante de blues en grabar un disco. Los pormenores de aquella historia forman parte de la leyenda. El 14 de febrero de 1920, Fred Hager, productor de discos del sello Okeh, alquiló un estudio neoyorquino para grabar a Sophie Tucker, una cantante de variedades blanca. Sin embargo, la cantante en cuestión no apareció. Entonces, el director de orquesta Perry Bradford, que estaba por allí con una de sus cantantes, una mujer negra llamada Mamie Smith, especialista en la interpretación de temas de vaudeville mezclados con algunos blues para conmover al público decidió proponer a Hager que lo hiciera con esta última. Ante esta situación crítica, y como último recurso, Hager aceptó la sugerencia de Bradford y, para no perder el día de alquiler del estudio, grabó a Mamie Smith. "Crazy Blues", uno de los diez temas de aquella histórica sesión, obtiene un extraordinario éxito al venderse en menos de un mes más de 50.000 copias, un número jamás alcanzado en aquella época.

Si bién desde el punto de vista histórico,el papel de Mamie Smith, es sumamente importante, desde el punto de vista artístico, su sítio es relegado a una segunda fila, tras ser claramente superada en calidad por sus sucesoras y coetáneas, Gertrude "Ma" Rainey y sobre todo por la gran Bessie Smith. Mamie debutó profesionalmente muy joven en dos espectáculos musicales, el "Four Dancing Mitchelles" y el "Smart Set" de Tutt Whitney. En 1913 llegó por primera vez a New York, donde frecuentó con asiduidad todos los locales musicales de Harlem, hasta que en 1920 conoció al director de orquesta Perry Bradford que la llevaría a grabar el primer disco de blues de la historia y la lanzaría a la fama entre el público negro. Los productores de Okeh sorprendidos por el extraordinario éxito de ventas, se percataron del filón que suponía llegar a las masas negras a través del disco y con Mamie Smith nacieron las conocidas "Race Records", grabaciones hechas por negros y para negros que en los primeros años del siglo XX tuvieron un éxito extraordinario en aquella sociedad americana racista.

Aquel éxito hizo que Mamie Smith frecuentara clubes,locales de música, estudios de grabación y hasta protagonizó algunas películas, siendo la más famosa de ellas, la realizada en 1939 "Paradise in Harlem". Mamie Smith no tenía una voz brillante, ni su personalidad en el escenario era arrolladora, pero tuvo la habilidad de hacer fortuna y ser una de las personalidades habituales de las crónicas frívolas de New York. La gran depresión de 1929 la sumió en la ruina y a pesar de algunos tímidos e infructuosos intentos para recuperar su carrera,murió en 1946 en el Harlem Hospital de New York olvidada por todos. Su discografía, abundante y desperdigada por numerosos sellos discográficos, esta suficientemente recopilada y editada por orden cronológico en varios volúmenes por el sello Document, bajo el genérico título de "Complete Recorded Works".

Aquí os dejo unos videos que forman parte de la historia del blues.

http://www.youtube.com/watch?v=jb4tyPjxHdE

http://www.youtube.com/watch?v=8AN3pxrRzMM

Larga Vida al Blues.

LITTLE RICHARD: El Arquitecto del Rock`n`Roll.

Quizás ningún otro artista, exceptuando a Elvis Presley, tuvo un papel tan importante en la construcción de los cimientos del rock and roll como Little Richard. Será tal vez por eso, que él se llamaba así mismo "El Arquitecto del Rock and Roll".

Little Richard nació con el nombre de Richard Wayne Penniman en Macon, Georgia, el 5 de diciembre de 1932 en el empobrecido hogar que compartía con 11 hermanos. Hijo de un predicador adventista, desde niño estuvo muy influido por el blues, country y gospel.

El piano lo aprendió a tocar junto a "Esquerita", un personaje que grabó algunos temas para el sello Capitol Records.

En sus inicios empezó como cantante de gospel. Su personalidad extrovertida, además de su homosexualidad, sirvieron para que se convirtiera en el centro de atención allí donde fuera, pero a la vez le provocaron tantos problemas que tuvo que abandonar su hogar.

En 1951, a los 18 años, ganó un concurso de talentos en Atlanta, hecho que se tradució en un contrato con RCA Victor y la grabación de cuatro discos que no tuvieron salida.

En 1955 mandó una cinta con sus temas a Speciality Records, quienes quedaron impresionados y prepararon una sesión de grabación en New Orleans.

La grabación empezó mal y parecía que no iba a dar frutos, hasta que en un descanso Richard empezó a hacer bromas algo obscenas con el piano. El resultado fue "Tutti Frutti", fue su primer número uno. Lo irónico es que la versión de Pat Boone se colocó mejor en el Hit Parade. Boone intentó hacer lo mismo con "Long Tall Sally", el siguiente éxito de Richard, pero se quedó en el camino porque la audiencia, independientemente de la raza, preferían el original.

Entre 1956 y 1957 grabó una racha de éxitos que además se convirtieron en clásicos. "Long Tall Sally", "Slippin´and Slidin", "Jenny, Jenny", "Keep a Knockin´", "Good Golly, Miss Molly" y "The Girl Can´t Help It", se convirtieron en su sello distintivo y en el del rock and roll. En sus actuaciones tocaba el piano con una energía que desbordaba y daba la nota por lo exéntrico de su vestimenta y maquillaje.

James Brown, junto con otros artistas, sostienen que los Upsetters, la banda que acompañaba a Richard, fue la primera en marcar el ritmo del rock and roll.

Sus apariciones en las películas de rock and roll ayudaron a cultivar su imagen como un icono musical.

Estando en la cima del éxito comercial, dijo haber recibido la llamada de dios y abandona el rock and roll por la religión, causando un fuerte shock a la discográfica y su audiencia. Pero como la cabra siempre tira al monte, en 1962 reaparece marchando de gira por Inglaterra, donde fue recibido con los brazos abiertos. En sus actuaciones le acompañaban algunos grupos noveles como The Beatles o los Rolling Stones.

En la segunda mitad de los ´60 grabó algunos éxitos modestos como "Bama Lama Bama Loo", pero los gustos habían cambiado y deambuló de disquera en disquera sin obtener grandes éxitos. En una de sus sesiones le acompañó Jimi Hendrix.

A finales de los ´70 volvió a flirtear con la iglesia, de la que salió a mediados de los ´80. Desde entonces se ha mantenido vigente pero con un perfil propio de quién se ha convertido en un clásico. Aparece de invitado en discos, ha sacado sus recopilaciones y hasta grabó un disco de rock para niños. En 1997 recibe el premio American Music Awards por su contribición e influencia en el mundo musical.

Aquí podreis haceros una idea del espectáculo que montaba Little Richard.

http://www.youtube.com/watch?v=QFL047fmsgg

http://www.youtube.com/watch?v=kZ6h0kyqSRk

Larga Vida al Rock and Roll.

NACE EL BE BOP: El Arte de la Improvisación.

El jazz nunca habría llegado al lugar en el que hoy se encuentra si Charlie Parker no hubiese pasado fugazmente por esta vida.
En menos de quince años de trabajo profesional, Charlie Parker, al que amigos y seguidores llamaban Bird o Yardbird, revolucionó totalmente un mundo tan plagado de aparentes revoluciones como es el del jazz. A su trascendental aportación se le denominó be-bop. Nada volvió a sonar igual tras la irrupción del be-bop.

¿QUE ES EL BE-BOP?

A principios de la década de 1940, el jazz se había convertido en la música popular del momento en EEUU. Y popular ya significaba comercial, pues el imperio de la industria discográfica comenzaba a crecer sobre esa base. El swing, entendido como estilo musical, había llegado a todas las salas de baile y estaba en todas las emisiones radiofónicas. Las orquestas de Benny Goodman, Glenn Miller o Artie Shaw copaban las listas de popularidad, pero su público era eminentemente blanco.
Los jóvenes negros ya no se identificaban con aquella música, con la evolución que había sufrido el estilo swing. Ese mismo público negro comenzaba ya a tomar conciencia de su negritud en un mundo gobernado por leyes blancas, la revuelta negra que explotaría en décadas posteriores se estaba gestando. La igualdad de derechos estaba en boca de todos, pero se trataba de una intranquilidad colectiva que todavía no pensaba en el uso de la fuerza para conseguirlos, simplemente comenzaba a reclamarlos.
Muchos músicos negros que tocaban en las grandes orquestas de swing comenzaban, consciente o inconscientemente, a trasladar esa intranquilidad social a la música. El swing como estilo había entrado en un callejón sin salida provocado por su misma popularidad. Era imposible innovar. La música de las grandes orquestas estaba totalmente estancada y nada nuevo podía agregarse ya que ni el público, ni los directores de orquesta, ni las emisoras de radio, ni las discográficas lo hubieran aceptado. El swing estaba atrapado en su propio éxito.
La lucha por salir de aquella jaula de oro y diamantes (los rendimientos económicos eran notables), la lucha por romper sus cerradas estructuras y buscar aire fresco se convirtió, casi sin que sus artífices se dieran cuenta, en el be-bop.
Los jóvenes músicos del momento sólo tenían dos vías para aprender y evolucionar; una era aceptar la disciplina férrea de las grandes orquestas de baile e interpretar cada noche los mismos y manidos arreglos a la moda, y la otra eran las jam sessions, reuniones espontáneas e informales de músicos para tocar sin una idea predeterminada.El be-bop nació en esas jam sessions a principios de la década de los ´40, cuando algunos músicos de las grandes orquestas, al acabar su trabajo, se reunían en pequeños garitos para tocar la música que les salía del estómago y hacerlo para ellos mismos, sin pensar en agradar al público o vender discos. Puede afirmarse que el be-bop fue el primer estilo musical creado contra el show Business.
Para asistir al nacimiento del be-bop nos tendriamos que trasladar hasta un par de oscuros garitos del Harlem neoyorquino, el Monroe´s Uptown House y, sobre todo, el Minton´s Playhouse, donde un grupo de músicos tan jóvenes como inquietos se reunían alrededor de Charlie Christian, guitarrista que había alcanzado cierta notoriedad en la orquesta de Benny Goodman.
En esas jams improvisadas podían poner en práctica todas sus ideas, el nuevo estilo estaba tomando cuerpo sin que sus creadores prácticamente se dieran ni cuenta. Allí estaban Charlie Parker y Dizzy Gillespie, escoltados por un pequeño ejercito de iniciados, entre los que se encontraban, Dexter Gordon, Kenny Clarke, Thelonious Monk…

Cuál fue la aportación de cada músico al resultado final es una incognita que quedaré definitivamente sin resolver ya que en vida tampoco ninguno de estos creadores fue capaz de solucionarla. Posiblemente el be-bop fue una creación conjunta, pero lo cierto es que sin Charlie Parker explotando como un volcán en erupción y contagiándolo todo con la fuerza de su música, el nuevo estilo no hubiera pasado de ser el capricho de un grupo de jóvenes un poco excéntricos.
El be-bop estaba naciendo pero todavía no tenía nombre. Nadie sabe con certeza cuándo y cómo el nuevo estilo comenzó a denominarse así. La palabra be-bop que ha suscitado todo tipo de disparatadas teorías etimológicas entre los expertos, en realidad no significa nada. Simplemente era una onomatopeya utilizada al final de las improvisaciones cantadas. Kenny Clarke, el histórico batería que estuvo allí desde los primeros días, recordaba ; “La palabra be-bop es simplemente una etiqueta que algunos periodistas le colocaron a nuestra música. No fuimos nosotros. Para nosotros hubiera bastado con llamarle moderno, pero, en el fondo, tanto da como se llame; es música, y eso es todo”.
Parker y sus acólitos utilizaban ritmos infernales en nada parecidos a los suaves y danzantes de las orquestas en las que se ganaban el sustento, intercalaban todo tipo de innovaciones armónicas y, a menudo, se enzarzaban en auténticos duelos instrumentales en los que se llegaba allímite del virtuosismo. Todo estaba permitido, incluida la disonancia.
Realmente el be-bop abría las puertas de la libertad y mostraba un futuro en el que todo era posible (como asi ha sido). Por esta razón,los defensores de la pureza del jazz se opusieron frontalmente al nuevo estilo,afirmando que aquellas interpretaciones no eran jazz. Por suerte, la razón triunfó y las voces disconformes fueron acallándose en su propio ridículo, viendo cómo sus naves se hundían al estrellarse contra las rocas de la realidad.
Charlie Parker, su mayor impulsor, sólo al final de su vida, llegó a ver como el be-bop comenzaba a ser unánimemente aceptado y tampoco pudo saborear las mieles del éxito que realmente merecía. Su corta vida, no llegó a cumplir los 35 años, fue una carrera de obstáculos contra el alcohol, las drogas, las enfermedades mentales, la persecución policial…, pero, sobre todo, fue una carrera contra si mismo. Una auténtica novela negra (como mostró acertadamente Clint Eastwood en su memorable film “Bird”) plagada a partes iguales de grandes éxitos y grandes fracasos tanto en el aspecto musical como personal, probablemente mucho más en el personal, en el que las bajadas al infierno se repitieron una vez tras otra, a menudo sin intervalo entre ellas. Fueron 34 años vividos a tal ritmo que no extraña que el médico que firmó su defunción hablara en el informe de un hombre de unos 60 años.

Aquí teneís un pase de fotografías y una actuación con la música de este pájaro indomable.

http://www.youtube.com/watch?v=09BB1pci8_o

http://www.youtube.com/watch?v=XeHiYJQSs6A

Larga Vida al Jazz.

JANIS JOPLIN: Echo de Menos tu Voz Desgarradora.

Una de las mejores cantantes de rock y blues de todos los tiempos, de estremecedora y desgarradora voz, Janis Joplin, con su agitada vida y muerte la han llevado a ocupar un puesto de honor entre los grandes mártires de la música moderna.

Reconozco que me costo mucho el poder asimilar el estilo de Janis Joplin, quizás porque era más joven y mis gustos musicales tiraban en otra dirección, o porque la aguja de mi plato estaba muy desgastada y no acababa de encontrarle esa chispa que hace que algo te enganche. Lo único que sé, es que pasados uno años,esa chispa me llegó al corazón cuando alguien, no recuerdo quién, me "pinchó" el tema "Me and Bobby McGee", recuerdo que se me puso la piel de gallina y pedí escucharla por segunda y tercera vez consecutivas. A partir de ese momento, el repertorio de Janis se fué incluyendo en mi discografía y así fué como aprendí a amar a Janis Joplin.

Janis Lyn Joplin nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, una pequeña localidad del estado de Texas, en la cuál nunca terminó de encajar. Su forma de vestir y sus gustos musicales eran muy diferentes a sus compañeros de edad, quienes la insultaban y vejaban a menudo.

Ella, ante estas ofensas, se refugiaba mucho más en el mundo de la música, buscando un lugar casi místico en donde expulsar sus penas.

Amaba el rock, pero también amaba el blues y el folk, estilos que practicaba en su solitaria existencia, influenciada por las interpretes de blues Odetta y Bessie Smith, y por uno de los grandes del soul, Otis Redding.

Cuando tenía 15 años comenzó a actuar en clubs, se unió a los Waller Creek Boys y se marchó a la soleada California.

En San Francisco, conoció a una banda de psico-blues denominada Big Brother & The Holding Company, con los que actuó en el famoso festival de Monterrey en 1967, consiguiendo un extraordinario éxito con el tema "Ball and Chain".

Con los Big Brother grabó dos LP´s; "Big Brother & The Holding Company" (1967) y "Cheap Trills" (1968), este último, con portada de Robert Crumb resultó todo un éxito en ventas, éxito basado claramente en la fuerza vocal y escénica de su lider femenina.

Mientras tanto, la vida personal de Janis iba poco a poco sumergiendose en una espiral continua de drogas, alcohol y sexo muy própia de la época, y de la cuál Janis Joplin fué uno de sus grandes exponentes.

El éxito del grupo y varias disensiones internas hicieron que a finales de 1968 Janis Joplin saliera de la formación e intentara probar fortuna en solitario. Su primer trabajo sería " I Got Dem Ol´Kozmic Blues Again Mama !" (1969), un álbum producido por Gabriel Mekler, muy bien recibido, en el que la acompañaba una nueva banda llamada , The Kozmic Blues Band, que incluía al guitarrista de Big Brother, Sam Andrew.

Aunque la calidad de la grabación era buena, su siguiente y póstumo disco titulado; "Pearl" (1970), interpretado al lado del grupo Full Tilt Boogie (con varios componentes de Kozmic) y producido por Paul A. Rothchild (productor de grupos como Doors o Love) sería su gran obra en la que desplegaba su gusto por el soul, el folk, el blues y el rock, en temas como; "Me and Bobby McGee" (compuesto por Kris Kristofferson, del cuál se dijo que fué su amante), "Mercedes Benz" o "Move Over".

La canción de Kristofferson alcanzó el top en las listas americanas en 1971, pero tristemente Janis Joplin ya no estaba viva para disfrutar del triunfo. Había muerto de sobredosis de heroina el 4 de octubre de 1970 en un hotel de Hollywood. Tenía 27 años.

Aquí os dejo un par de videos para que disfruteís de la dulzura y potencia de este mito musical.

http://www.youtube.com/watch?v=MxdCWdaUv18

http://www.youtube.com/watch?v=5FMhnl0__Vo

Su Música sea con Nosotros.