Nació el 3 de Julio de 1893 en Teoc, Mississippi, pertenecía a la comunidad de Avalon, cerca de Greenwood, y empezó a grabar por recomendación de sus vecinos, un dúo blanco de guitarra y violín, Narmour y Smith, que ya eran artistas de éxito en el ámbito discográfico. Hurt, era un artista estrictamente local, y después de su breve carrera discográfica, en 1925, volvió a Avalon y se desvaneció en la oscuridad.
Sus canciones, acompañadas por un encantador rasgueo de guitarra con un estilo conciso y sincopado, demuestran el enorme grado de desarrollo del blues de Mississippi en este nivel local, y también proporcionan una nueva percepción de la completa gama de la música folk, de la que el blues es sólo una parte. Hurt grabó espirituales, como “Blessed Be the Name” y “Praying On The Old Camp Ground”, cantos de trabajo como, “Spike Driver Blues” y baladas populares como, “Frankie”, “Louis Collins” y “Stack O’Lee Blues”.
En 1963, fue redescubierto por Tom Hoskins y actuó en el “Newport Folk Festival” de 1963 a 1965. Apareció en televisión protagonizando el documental de blues “This Hour Has Seven Days” y grabó tres álbums para Vanguard Records. Hurt murió el 2 de Noviembre de 1966.
El hombre que inventó el saxo tenor y enseñó a tocar baladas al mundo del jazz, Coleman Randolph Hawkins, conocido también como Hawk o Bean, había nacido el 21 de noviembre de 1904 en el estado de Misuri.
Fue precisamente su madre, pianista aficionada, la que le inculcó su amor por la música y la que le regaló, al cumplir los nueve años, un saxofón en do (un instrumento que se popularizó antes que el saxo tenor gracias a que la cadena de grandes almacenes Sears Roebruck los vendía a bajo precio). En realidad toda su infancia transcurrió entre instrumentos musicales; piano, violonchelo, saxo.
A los 17 años comenzó a trabajar en teatros de variedades acompañando todo tipo de atracciones. En uno de esos teatros de segunda fila, la cantante Mamie Smith (muy popular en aquel momento) se fijó en él y le ofreció unirse a sus Jazz Hounds. Con Smith viajó por primera vez a Nueva York y también con ella grabó en 1922 su primer disco para la casa Okeh, especializada en race records (término utilizado para describir los discos destinados al público negro).
Cuando el contrato acabó, Hawk se quedó en Nueva York y entró en la orquesta de Fletcher Henderson, con el que actuaría a lo largo de los siguientes 12 años. En 1924 y durante doce meses, Hawkins compartió pupitre en esa orquesta con el joven Louis Armstrong. La big band de Henderson sufrió importantes altibajos económicos en esos años, lo que permitió a Coleman Hawkins colaborar y grabar esporádicamente con otras orquestas de tanto renombre, como los McKinney`s Cotton Pickers, en las que coincidió con otras luminarias de la época como Benny Goodman, Fats Waller, Eddie Condon, Glen Miller o Gene Krupa. Un aprendizaje que sólo puede calificarse como de auténtico lujo.
En 1934, cansado de la frenética vida neoyorquina, decide trasladarse a Europa enrolandose en la orquesta de baile del mediocre Jack Hilton, la misma que unos años antes, en 1929, había sido la primera orquesta internacional que interpretó sonidos jazzísticos (no de mucha calidad pero jazz al fin y al cabo) en un escenario español, durante la exposición internacional de Barcelona. Con Hylton, Hawkins recorrió las más importantes capitales del viejo continente, pero en la frontera alemana fue detenido por la policía hitleriana, que le impidió la entrada en el país debido al color de su piel.
Tras ese incidente, Hawkins se trasladó a París y, de la mano del Hot Club de Francia, pudo tocar y grabar con la flor y nata del jazz europeo, como el guitarrista Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grapelli.
Hawk vivió cinco años en Europa y sus planes eran seguir a caballo entre Holanda y París, pero el avance del nazismo truncó sus proyectos.
En julio de 1939 regresó definitivamente a EEUU y, a los pocos días de su llegada, participó en una jam session, posteriormente mitificada por la historia, en la Puss Johnson`s Tavern en la que, ante los atónitos ojos de Billie Holliday, destrozó musicalmente a Lester Young, que en su ausencia se había convertido en el saxofonista más cotizado del panorama. Tras este incidente, la grabación del incomparable “Body and Soul” lo catapultaría al estrellato.
Esa época de ascensión musical coincidió con los inicios del be-bop, y puede decirse que fue prácticamente el único músico salido de la escuela clásica que se acercó a los nuevos sonidos sin miedo pero sin perder nunca su propia personalidad. Hawkins contrató a Dizzy Gillespie y Don Byas para una de sus primeras big bands en 1944, y ese mismo año grabó en formación de cuarteto con Thelonious Monk en el piano. Más tarde, también uniría su saxo a conceptos musicales aparentemente más avanzados, como Miles Davies en 1947, John Coltrane en 1957 y Sonny Rollins en 1963.
Paralelamente a sus éxitos continuados en el campo musical, su vida privada se fue degradando progresivamente a lo largo de toda la década de 1960. Bebedor empedernido, cayó en el alcoholismo crónico, que le provocaba tremendas depresiones durante las cuales el saxofonista se negaba incluso a comer. Con la salud totalmente depauperada se enfrentó a su última gira en primavera de 1969 junto al trompetista Roy Eldridge.
Coleman Hawkins murió el 19 de mayo de 1969 en Nueva York.
Nacido en Mississippi en 1893, su verdadero nombre era William Lee Conley Broonzy. Su primer instrumento fue el violín, antes de quedar atrapado por el sonido de la guitarra. Su labor musical y su trabajo en una granja de Arkansas quedaron interrumpidos ante la llamada a filas en 1918. Broonzy sirvió dos años en el ejercito, lo que hizo que Arkansas le pareciera un lugar poco atractivo después de conocer las ciudades de Europa. Probablemente llegó a Chicago con algo más de veinticinco años de edad, y allí perfeccionó su talento guitarrístico estudiando con Charlie Papa Jackson, que tocaba el banjo-guitarra de seis cuerdas en un arcaico estilo minstrel-ragtime. Broonzy debutó profesionalmente en 1926, “Down in The Basement Blues”, para la Paramount Records.
En 1930, grabó con los Famous Hokum Boys, un grupo del que era miembro el pianista Georgia Tom. A finales de los años 30 era el cantante de blues más popular de los Estados Unidos, gracias también, a sus grabaciones con los Memphis Five, un grupo que incluía, piano, trompeta y también saxo. Ocupa un lugar importantísimo en la historia del blues, de la que ha practicado todos los estilos, del más rural al más urbano y con una clara influencia country. Guitarrista veloz y saltarín, tocando estilo ragtime en la difícil clave de "DO". Acompañó a casi todos los grandes bluesmen de su generación y grabó centenares de títulos, compuestos por él en su mayoría, formó trío en sus grabaciones junto a Memphis Slim como pianista y Washboard Sam con su instrumento del que tomó nombre, el washboard (tabla de lavar la ropa, golpeada y rascada, con dedales colocados en los dedos de ambas manos).
Típico representante, al principio, del modernismo de Chicago, volverá gracias al blues revival de los años 50 y 60, a la formula solista de sus orígenes, aunque sus grabaciones ya no tenían el nivel vigoroso de sus Memphis Five ni el ragtime hokum que tocaba en los primeros tiempos de la Depresión. Lo mejor era su lado country, al que todavía era capaz de dar rienda suelta. Con su gira británica de 1951 logró difundir el blues tradicional entre el público europeo. Vivió varios años en Europa hasta su regreso a Chicago, ciudad convertida en la meca del rhythm and blues. Su autobiografía, Big Bill Blues, es un testimonio esencial. Cuando Broonzy murió en 1958, Memphis Minnie participó en un concierto conmemorativo, y eso que era una mujer dura, que incluso había golpeado a Broonzy en un concurso de cantantes de blues en los años 30.
Oscar Emmanuel Peterson nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal, Canadá.
Su infancia estuvo rodeada de música. Su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano y él se inicio en la trompeta a la edad de cinco años, hasta que una tuberculosis, detectada cuando tenía siete años, le aconsejó dejar los instrumentos de viento, y a partir de ahí estudió el piano de Teddy Wilson, su primera gran influencia. En 1939 su hermano mayor le convenció para que se presentara en un concurso para músicos aficionados que había convocado CBC (Canadian Broadcasting Corporation). Oscar venció sin discusión y dejó a todo el mundo sorprendido. El triunfo le sirvió, además, para conseguir un contrato para actuar semanalmente en la emisora de Montreal de esa cadena. El programa se radiaba todos los domingos con el nombre de “Fifteen Minutes`Piano Rambling”. El éxito local del programa hizo que la cadena decidiera incorporar el piano de Oscar en un reputado programa nacional, “The Happy Gang”.
En ese momento, y gracias al empuje de esos primeros éxitos radiofónicos, Oscar decidió dejar definitivamente la escuela para convertirse en músico de jazz de forma profesional.
Art Tatum, se cruzó en su camino y dada su memoria musical, pudo retener la complejidad de las piezas de Tatum y tener la capacidad de reproducirla con absoluta y notable fidelidad.
En 1944, se integró en la banda de Johnny Holmes, una de las mas celebres de Canadá. En 1949, mientras Norman Granz, viajaba en un taxi camino del aeropuerto de Montreal, le oyó casualmente y tras contactar con él le firmó un contrato para su famoso Jazz at the Philharmonic, un grupo itinerante que contaba sus actuaciones por todo el mundo por éxitos multitudinarios.
Oscar Peterson, debutó con el JATP, en el Carnegie Hall de New York en septiembre de 1949 y el público quedó fascinado por su asombrosa velocidad al piano. Fueron dos años a partir de ahi intensísimos con los que tuvo la oportunidad de tocar en todos los formatos y con todos los grandes músicos de jazz de la época. En 1951 formó su primer trío con el contrabajista, Ray Brown y el guitarrista, Irving Ashby, enseguida sustituido por Barney Kessel. El trío se ganó un espacio propio dentro de la organización de Norman Granz y un poco mas adelante, para acallar las criticas que sugerían que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra, contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal.
Oscar Peterson, fichó en 1964, por el sello MPS y de las prolongadas estancias que el pianista pasó en la mansión de su nuevo productor, Hans Georg Brunner-Shewer, salieron algunas sesiones memorables que parecían contagiadas de la exuberante serenidad de la Selva Negra alemana, en cuyo entorno se grabaron. Los cuatro volúmenes de la serie "Exclusively For My Friends", fueron especialmente importantes y muy en particular el álbum titulado: "My Favorite Instrument". En 1973, Peterson regresó con Norman Granz con quien volvió a grabar numerosísimas sesiones de estudio, conciertos en directo, participación en festivales, reuniones de "All Stars", en dúos, tríos, cuartetos etc.
Su abundantísima y excelente discografía llega hasta nuestros días, a pesar de que en 1993, sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa en su carrera, pero su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.
Oscar Peterson falleció el 23 de diciembre de 2007 en su residencia de Mississauga en Ontario (Canadá).
Nacido en Couchman, Texas, en 1897. Decidió abrirse camino en el mundo de la música, cogió su guitarra y ya estaba tocando en fiestas, picnics y en las calles cuando no era más que un adolescente. También viajó a Dallas, Waco y otros pueblos y ciudades más grandes, iniciando una forma de vida vagabunda que mantendría hasta su muerte. Era una existencia precaria, sobre todo para un hombre negro ciego. Fue el primer intérprete capaz de organizar el viejo relato del blues para convertirlo en material grabable, con la estructura y duración necesarias para la técnica de los años 20, en que se exigía un tiempo máximo de tres minutos. Llegó a grabar más de 80 títulos para el sello Paramount. Su ceguera de nacimiento no le impidió alternar la profesión de bluesman con la de luchador de feria. Llegó a convertirse en uno de los más famosos bluesman de los años 20, su voz emulaba los cantos de trabajo de sus antepasados, expresando las miserias que él mismo había vivido. Poseedor de un gran talento para crear letras conmovedoras y para tomar otras prestadas de la tradición popular. Dotado de un estilo guitarrístico poco habitual, a menudo utilizaba un cuchillo para que el instrumento sonara mejor. Los bluesmen del Mississippi le acusaron de romper el ritmo y de tocar una música que no era bailable, pero nada de esto disminuyó su popularidad. Sus discos se vendieron bien en el Delta, y actuaba a menudo allí y en Memphis. Ningún otro artista consiguió imitar su sonido, aunque muchos lo intentaron.
A finales de 1925, el propietario de una tienda de música descubrió a Jefferson tocando en las calles de Dallas y le envió a Chicago para grabar a principios del año siguiente. Sus primeros discos de blues, como muchos de los que vinieron a continuación, fueron éxitos inmediatos. Era el primer artista de blues sureño que se acompañaba a sí mismo que tuvo éxito comercial en discos, y su éxito se puede decir que abrió las puertas a todos los demás músicos que aparecieron en los años siguientes. Su éxito como artista discográfico le permitió vivir bien y abandonarse a las mujeres y la bebida, pero también siguió viajando entre su estado natal de Texas y el estudio de grabación de Chicago. Louis Armstrong reconoció cuanto le debía como cantante. Entre los temas que escribió destacan: "Black Snake Blues", "Pneumonia Blues" y "See That My Grave is Clean", (“Cuida de que mi tumba esté limpia”) en el que la muerte, un tema recurrente en el blues desde su mismo nacimiento, es contemplada desde una perspectiva insólita.
Tras solamente cuatro años de estrellato, le llegó el fin de forma inesperada y horrible, precisamente como él había temido que le sucediera. De regreso a casa, tras actuar en una fiesta en Chicago, en el invierno de 1929-1930 Jefferson, según parece, se equivocó de camino o se perdió y murió por congelación, solo, en la nieve.
Poca información he podido encontrar sobre esta cantante de color que no se encasillo dentro de ningún género, si no que triunfo, en mayor o menor medida, dentro del Rhythm&Blues, soul, jazz,country y pop.
Después de la 2ª Guerra Mundial, su familia se mudó a Los Angeles.
Antes de cumplir los 14 años había conseguido vender 400.000 copias con Johnny Otis.
Su primer éxito fue “Double Crossing Blues” en 1950 para Savoy Records. Ese mismo año grabó otros éxitos como “Mistrusting Blues”, cantado a dúo con Mel Walker, “Cupid Boogie” que se convertiría en un número uno, “Misery”, que llegó al número 9 de las listas Billboard de rhythm&blues, “Deceivin Blues”, alcanzó el número 4, y con “Faraway Blues” y “Wedding Boogie” alcanzó el número 6.
Ferviente admiradora de Dinah Washington y a menudo comparada con ella, a lo largo de su carrera grabó varios temas de la Washington pero jamás con intención de imitarla. Los detractores de Esther Phillips describen su voz como caústica, nasal (ignorantes de la vida). Al igual que su ídolo coqueteó con las drogas y el alcohol. Su carrera sufrió un parón debido a problemas personales y sólo recuperó su éxito tras una exitosa aparición con Johnny Otis en el Festival de Jazz de Monterrey, lo que la llevó a firmar de nuevo con Atlantic Records y a grabar de nuevo discos y curiosamente en directo. Recibió un merecido Grammy. Tras la muerte de Dinah, Esther se convirtió en la más grande cantante femenina de Blues de su tiempo. Murió en 1984 a la edad de 48 años en un hospital, tras un fallo renal.
Nacido el 17 de agosto de 1939 en Mayflower, Arkansas, en el seno de una gran familia (quince hermanos). De jovencillo, en los ocios dominicales que permite la recolección de algodón, adiestra sus cuerdas vocales en el grupo gospel familiar, The Southern Travellers. En 1951, los Allison al completo emigran rumbo al norte, a Chicago. Empieza a realizar una serie de trabajos callejeros (zapatero-limpiador, vendedor de periódicos). Su hermano mayor, Ollie, miembro de un combo musical, le acompaña a los clubs, infranqueables para un menor, durante los años 54-57. Asistiendo a la escuela pública del South-Side conoce a un hijo del mismísimo Muddy Waters, que le presenta a su flamante progenitor.
Mudanza al barrio más humilde de la Windy City, el West-Side, donde comienza realmente su carrera, tomando parte en grupos Doo-Woop (The Four Jivers), o como bajista de otro prometedor guitarrista, Jimmy Dawkins. En 1958, un maestro, Freddie King, le introduce en los secretos de la guitarra más hiriente. Un año después, trás el éxito en King-Federal del creador de "Hideaway", éste cede su banda chicaguense a su pupilo Luther, que tocará por toda el área del West y South hasta 1964. Como comentó en su día: "Freddie King quería tenerme a su lado, llamarme Freddie King Junior, pero yo, con 23 años, ya quería montarmelo por mi cuenta y no ser otro más del montón. Pasé épocas muy malas, pero al menos sacaba lo suficiente para salir adelante. Tocaba el Blues, el mío".
Se codea con maestros como Otis Rush (la mejor Blues Band del West-Side) y Magic Sam (remontando su carrera trás su excarcelación castrense), en innumerables jams que cincelaban su carrera y su técnica al estilo West-Side. Cuando la escena cabaretera comienza a ser inestable por la irrupción de la Soul Music, Luther forma su efímera Soul Band, The Tornadoes, y cambia su residencia a Peoria, Illinois, trabajando de día en factorías y practicando incansablemente en los clubs los fines de semana, hasta llegar a convertirse en un excelente intérprete de Soul Deep urbano.
Shakey Jake, el armonicista y tío carnal de Magic Sam, le introduce en los estudios Delmark para completar una miscelánea del West-Side Blues de la actualidad. Graba cuatro cortes el 8 de Marzo de 1967, dos a su nombre y el resto a cargo de su ex-bajista, Big Mojo, que integrarían aquel "Sweet Home Chicago" (Delmark) compartido con otros grandes nombres como Magic Sam o Louis Myers.
En Septiembre del 68, el fulgor de la Bay Area y el Blues Boom le atraen al paraíso californiano. Durante medio año participa como sideman de grandes maestros (Sunnyland Smith, Johnny Shines, Walter Horton), grabando junto a ellos y con el añadido de bluesrockers anglosajones (John Mayall, Mick Taylor) dos LPs enteros: "Further on up the road" (por Shakey Jake & The All Stars) y "Slim's Got His Thing Goin' On" (a cargo de Sunnyland Slim).
La escena sicodélica le acoge con relativa calidez. Comparte tablas con Johnny Winter y Carlos Santana en coliseos rock tipo Filmore West, e incluso traba amistad con un hermano del mismísimo Jimmi Hendrix, Spud, que tocaría el órgano en su blues band. Los ropajes psicodélicos, las camisolas o túnicas hippies y los tejanos floreados son el nuevo uniforme de Luther, que muchos consideran el Hendrix del blues eléctrico chicagüense y principal sucesor a su trono.
En 1969, graba su primer LP, "Love Me Mama" (Delmark Records), en el verano de ese mismo año se celebra la primera edición del Ann Arbor Blues Festival, al cual asiste compitiendo con Otis Rush, B.B. y Freddie King, Magic Sam, Buddy y Junior Wells ..., y durante los siguientes años su presencia en dicho festival es casi obligatoria. En el punto álgido de su carrera, en 1972, la Motown le contrata como el primer bluesmen que engrosa sus filas para el subsello Gordy.
El blues boom llega a su fín y las ventas ya no son tan elevadas, así que decide buscar nuevos caminos y entrar en el mercado europeo, siendo muy bien acogido por el público francés. En Diciembre de 1977, graba un LP en un solo día "Love Me Papa", que refleja un claro desarrollo de todos los estílos de blues. En 1979 graba dos directos "Live" y "Live in Paris". En 1980, graba un nuevo disco de estudio "Time", que no tiene muy buena acogida por la crítica francesa. En el 84 graba "Life is a bitch" para el sello Encore, un LP con notable influencia Hendrixiana, y una serie de directos grabados en el Quasimodo Club berlines durante la primavera del 89 y editados en 1992 por Mondo Records.
Más de uno le daba por acabado, es más con 60 años ya tenía a su heredero en la figura de su hijo Bernard Allison, a quien concedió la alternativa en un par de discos de marcado caríz blues-rockero a lo Stevie Ray Vaugahn.
Luther Allison falleció el 12 de agosto de 1997 en Madison, Wisconsin.
John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte.Coltrane, comenzó a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Eddie "Cleanhead" Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. Entre 1952 y 1954 trabaja con varios músicos de sideman y no es hasta septiembre de 1955 cuando el saxofonista contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones.
Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue".
A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. Es en 1960 y lo formanel pianista, McCoy Tyner, el contrabajista, Steve Davis, sustituido luego por el definitivo, Jimmy Garrison, y el batería, Elvin Jones. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" y incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que desde los tiempos de Sidney Bechet y con la excepción de Steve Lacy, nadie lo había incorporado al jazz moderno.
Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenosa la tradición europea: el flamenco (Olé Coltrane), la músicay ritmos africanos (Dahomey Dance, África) la música india (Aisha) etc. En muchas de estas obras aparece el saxo alto, clarinete bajo y flautista, Eric Dolphy, que permaneció en su cuarteto desde 1961 hasta marzo de 1962 y a partir de ahí da comienzo un nuevo proyecto con su firma para el sello Impulse! donde graba en directo desde el Village Vanguard de New York, una serie de conciertos absolutamente geniales. Parte otra vez hacia Europa en 1963 y al año siguiente graba un álbum (Crescent) que indica el desplazamiento espiritual en su música que llega luego con su álbum quizás más conocido por el gran publico: "A Love Supreme". Un nuevo giro a su música en 1965 con un concepto mas radical es inaugurada con el disco "Ascensión" que señala su definitiva adscripción al movimiento "freejazz".
John Coltrane, cambia a sus músicos en función de su nuevo sonido y su enfermedad le obliga a ralentizar sus grabaciones siendo lo mas destacable en sus últimos años otra actuación en el "Village Vanguard" y una gira por Japón. Las ultimas grabaciones de 1967 - incluidas las aparecidas tras su muerte - dan la impresiónde que iban encaminadas en una dirección donde el protagonismo era la pureza del sonido pero su muerte en 1967 a consecuencia de una infección hepática le privó de alcanzar su sueño de visitar África.
Nació en 1934 en Texas. Emigrado al West-Side chicagüense siendo un adolescente en Diciembre de 1950, King empapaba las cuerdas de su guitarra rural (Lightnin’ Hopkins y Muddy Waters fueron dos de sus ídolos infantiles) en la sapiencia urbana impartida por un trío de mentores reconocidos: Eddie Taylor (sideman y lead guitard de Jimmy Reed), Jimmy Rogers (socio de Muddy Waters) y Robert Lockwood (hijastro del mítico Robert Johnson y fino estilista de técnica jazzistica). Compatibilizaba empleos diurnos y extra musicales con la forja de un sonido más contemporáneo desarrollado a partir de unas directrices sureñas (técnica finger picking y variación de la textura sónica poniendo la palma de la mano sobre las pastillas del instrumento) e incorporando los fraseos largos y fluidos de T-Bone Walker y B.B.King, quienes dotaban a su banda de una perspectiva modernista similar a la de sus contemporáneos Otis Rush o Buddy Guy.
Sin embargo, Freddie King tuvo que hacer cola hasta ver prensado su nombre. Los dos sellos más importantes de la ciudad del viento, Cobra Records (guarida de los jovenes leones westsiders: Guy, Magic Sam, Rush) y Chess Records (atalaya del clásico blues del Delta urbanizado de Muddy Waters y Howlin’ Wolf), desestimaron editar las demos que allí grabó en 1958. Su oportunidad le llegó de la mano del pianista y A & R de King Records, Sonny Thompson, que le fichó en 1960 para el subsello Federal de la marca de Cincinatti. En siete años bajo contrato contó innumerables éxitos: al año de firmar alcanzó el Top 10 R&B en tres ocasiones y visitó con cuatro singles las listas pop del Billboard. Una formula repartida a partes iguales en medios tiempos y cortes bailables estructurados sobre progresiones de doce y ocho compases musicales, con breve intermedio para los fraseos solistas de su Gibson Les Paul hiperamplificada.
Acusado por muchos de ser un ladrón de ideas musicales ajenas, el instrumental “Hideaway”, paradigma de su sonido particular, se nutría del “Taylor’s Boogie” del slider Hound Dog Taylor tocado como Magic Sam, sobre el cual se añadían varios acordes sacados de “The Walk” (Jimmy McCracklin) y “Peter Gun Theme” (Duanne Eddy), con un resultado final bautizado en honor de un club blues, el Mel’s Hideaway Lounge. A pesar de eso, o precisamente por tal motivo, sus instrumentales etapa King Federal recopilan todos los trucos R&B que podían sacarse a una guitarra de blues eléctricoy urbano en la postguerra USA. Ahí reside su grandeza. Freddie King influenció a leyendas mayores y menores del rock (Eric Clapton, Johnny Winter, Mick Taylor, Peter Green, Lonnie Mack...), mientras vivió una vida tragicamente corta, falleciendo a los 42 años el 28 de Diciembre de 1976.
Joe Tex, uno de esos auténticos monstruos sagrados del soul, que a pesar de su fuerza, poder vocal y compositivo, han permanecido a lo largo del tiempo en un injusto segundo plano. Nació en un 8 de agosto del 1933 y falleció en el 13 de agosto del 1982, su verdadero nombre fue Joseph Arrington Jr., pero más adelante se lo cambio por Yusuf Hazziez. Fue uno de los más subvalorados cantantes soul de los `60 de Atlantic Records, aunque sus discos fueran más apreciables que los de la mayoría de sus compañeros. Al tejano hay que reconocerle diversos méritos: en 1965 grabó el primer disco de soul sureño que triunfó en las listas pop “Hold What You’ve Got”, número 5 en Billboard; en 1966, su “I Believe I’m Gonna Make It”, una imaginaria carta al hogar desde Vietnam, fue el primer gran hit asociado a esa guerra; y en 1967 su tema más popular, “Skinny Legs And All”, puro rapeado sobre riffs funky, sería todo un modelo para el desarrollo del hip hop. La marca de fábrica de Tex, dotado de una voz áspera, consistía en insertar “sermones” en medio de ritmos soul; por eso y por el uso de frases coloquiales del ghetto, es considerado una de las grandes influencias del rap.
Joe Tex, comenzó su deambular musical en los circuitos de R&B a mediados de los `50, con su poderosa y profunda voz rasgada, pero sin embargo no fue hasta mediados de los `60, justo cuando el R&B negro de antaño, se había difuminado en un poderoso nuevo estilo denominado Soul, cuando consiguió sus primeros éxitos, dentro del sello Dial, distribuido en aquellos días por la todopoderosa Atlántic Records, llegando a ser el primer intérprete de Soul sureño que entró en las listas de pop con su tema “Hold What Yo’ve Got”, top 5 en 1965, una sentida y cálida balada de escueta instrumentación, donde sobresale la profunda voz de Joe Tex, sus típicos y característicos fraseos que el llamaba rap y que en cierta medida él ayudó a alumbrar junto al genio de James Brown. En estos años de apogeo, Joe Tex llegó a gozar de un gran prestigio en la escena soul, prestigio que le permitió formar parte de aquel denominado Soul Clan de la Atlantic Records que formaron Wilson Picket, Solomon Burke, Don Covay y él mismo, a pesar de la calidad de sus miembros, no tuvo mucho éxito y desgraciadamente pronto cayó en el olvido.
Nació con el nombre de James A. Lane el 3 de Junio de 1924 en Rulesville, Mississippi. Durante los años 30 él y su familia vivían en la zona del Delta, y allí Jimmy formó a más de un grupo de músicos de armónica, instrumento que él ya tocaba cuando empezó a practicar con la guitarra.
Rogers conoció a Rice Miller (del que quedó gratamente impresionado) y a Howlin’ Wolf en Memphis, y ya tocaba con Sunnyland Slim en St. Louis antes de trasladarse a Chicago alrededor de 1945, donde empezó a tocar en Maxwell Street junto con otros músicos de su época, antes de entrar en la banda de Muddy Waters. En esa zona se encontraba la Bernard Abram’s Radio Record, bien conocida por todos los músicos del Mississippi que por allí deambulaban. Abram encuentra un abundante potencial musical en todos sus visitantes y decide realizar una sesión de acetatos en 1947, entre los que se podían encontrar algunos dúos de Walter y Rogers, dúos que el astuto Abram editó por separado potenciando el acompañamiento, en ambos, del guitarrista y cantante Othum Brown.
Jimmy Rogers fue una de las piezas clave en el desarrollo del blues eléctrico o blues de Chicago.
En Agosto de 1950, Jimmy hizo su primera grabación como solista en el sello Chess con el famoso “That’s All Right”, donde su estilo guitarrístico sin adornos y su perezosa voz sureña estaban soberbiamente apoyados por la armónica de Little Walter, aunque en realidad, era una versión muy disimulada del autentico compositor de este blues. Robert Lockwood.
Rogers abandonó la banda de waters en 1956 y fué reemplazado por Pat Hare. Aunque siguió grabando como solista, sin mucho éxito, y acompañado en algunas de sus grabaciones por Little Walter, como en “Can’t Keep from Worryng” de 1959.
Jimmy Rogers murió el 19 de noviembre de 1997, poco después de grabar “The Jimmy Rogers All-Stars”, un homenaje que le brindaron sus más fervientes admiradores, entre los que se encontraban; Eric Clapton, Lowell Fullson, Jeff Healey, Mick Jagger, Taj Mahal, Jimmy Page, Robert Plant, Keith Richards, etc.., un disco muy recomendado, con un excelente sonido y una seleccionada recopilación de auténtico blues de Chicago.
Ruth Brown nació con el nombre de Ruth Alston Weston el 12 de enero de 1928 en Portsmouth, Virginia, siendo la mayor de siete hermanos.
El padre de Ruth Brown trabajaba como estibador y dirigía el coro de la iglesia de su barrio, pero la joven Ruth prefería cantar en espectáculos de United Service Organizations (una institución que organizaba actividades para los militares) y en clubes nocturnos. En 1945, Brown huyó de su casa de Portsmouth con un trompetista, Jimmy Brown, con quien pronto se casaría, para cantar en bares y clubes. Posteriormente pasó un mes con la orquesta de Lucky Millinder, pero la despidieron por traer bebidas gratis a los miembros de la banda y la abandonaron a su suerte en Washington, D.C.
Blanche Calloway, la hermana de Cab Calloway, que también tenía un grupo musical, consiguió para Brown una actuación en un club nocturno de Washington llamado Crystal Caverns y pronto se convirtió en su representante. Willis Conover, un pinchadiscos de la ciudad, la vio actuar y la recomendó a Ahmet Ertegün y Herb Abramson, jefes de Atlantic Records. Sin embargo, Brown no pudo asistir a la prueba con la discográfica debido a un grave accidente de tráfico que la mantuvo hospitalizada nueve meses. En 1948, Ertegun y Abramson viajaron a Washington desde Nueva York para oírla cantar en el club. Aunque su repertorio consistía fundamentalmente en baladas muy conocidas, Ertegun la convenció para que se pasase al rhythm and blues. No obstante, las grabaciones que éste le produjo siempre conservaron su estilo "pop", con unos arreglos nítidos y frescos y con un ritmo basado en la voz, lejos de las habituales florituras de las cantantes de blues.
En 1949, Brown cantó "So Long", qué después se convertiría en un éxito. A éste le siguió "Teardrops from My Eyes" en 1950. Escrita por Rudy Toombs, fue la primera balada de gran éxito de Ruth Brown, convirtiéndola en una figura destacada dentro del R&B. Grabada para Atlantic Records en Nueva York en septiembre de 1950 y publicada en octubre, permaneció 11 semanas en la lista de éxitos de R&B de Billboard. Este éxito la hizo merecedora del apodo de "Miss Rhythm" y pocos meses después Ruth Brown ya era conocida como la reina del R&B.
Siguieron "I'll Wait for You" (1951), "I Know" (1951), "5-10-15 Hours" (1953), "(Mama) He Treats Your Daughter Mean" (1953), "Oh What a Dream" (1954), "Mambo Baby" (1954) y "Don't Deceive Me" (1960). También se la conoció como Little Miss Rhythm y La chica de la voz con lágrimas. En total, se mantuvo en las listas de éxitos de R&B durante 149 semanas, desde 1949 hasta 1955, con 16 álbumes de blues entre los diez mejores temas (incluidos 5 números uno), y se convirtió en la artista más popular de Atlantic, razón por la cual la discográfica recibió el apelativo de "The house that Ruth built" (la casa que construyó Ruth).
Durante los años 60, Brown se alejó de la vida pública para ocuparse de su hogar y de sus hijos, y no volvió a la música hasta que, en 1975, Redd Foxx se lo pidió encarecidamente. Luego vinieron una serie de actuaciones cómicas, como los papeles en la telecomedia “Hello, Larry” y en la película de John Waters “Hairspray”, interpretando a D.J. Motormouth Maybelle, así como un Premio Tony por su actuación en Broadway en el musical “Black and Blue” y un Grammy por su álbum “Blues on Broadway”, en el que interpretaba temas de ese musical.
En 1987 la lucha de Brown por los derechos de los músicos la llevaron a fundar la Rhythm and Blues Foundation. En 1989 se le concedió un Premio Pioneer por su labor en la fundación y en 1993 ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame como “La Reina Madre de Blues”.
Brown se convirtió en un icono para muchas mujeres negras durante las últimas generaciones, siendo además una destacada artista y fuente de inspiración para otras cantantes de blues como Bonnie Raitt. Brown grabó y cantó con el intérprete de rhythm and blues Charles Brown, también miembro del Rock and Roll Hall of Fame y participó en la gira de Raitt, "Road Tested", a finales de los 90. Su autobiografía de 1995, “Miss Rhythm”, ganó el Premio Gleason de periodismo musical.
En 2006, Hummer utilizó su canción "This Little Girl's Gone Rockin'" en uno de sus anuncios para H3.
Ruth Brown murió en un hospital cerca de Las Vegas, el 17 de noviembre de 2006, por complicaciones derivadas de un ataque al corazón y una apoplejía que sufrió tras una intervención quirúrgica en octubre de 2006.
Leadbelly, hijo de Wesley y Sally Ledbetter, nació con el nombre deHuddie William Ledbetter en una plantación próxima a Mooringsport, una población de Louisiana cercana a la frontera tejana, el 21 de enero de 1885 pero a los cinco años se trasladó a Leigh, Texas. Allá su tío le regaló su primer instrumento, un acordeón, a la vez que le enseñó a tocar la guitarra y la armónica.
Desde una edad temprana empezó a ganarse la vida como guitarrista ambulante, aun cuando ocasionalmente trabajó de jornalero; aprendió a cantar blues, canciones de trabajadores y otros temas folclóricos. También, prácticamente desde el primer momento en que inició su vida artística, se vio inmerso en constantes conflictos, básicamente de carácter pasional (a los veinte años ya había concebido al menos dos hijos y él mismo declaró que en su juventud se había llegado a acostar con ocho o diez mujeres por noche), así que al mismo tiempo que ganaba reputación como músico, se empezó a convertir en un conocido delincuente en el sur de los Estados Unidos, hasta el punto de que pasaría diversas etapas en cárceles de Texas y Louisiana.
Se sabe que estuvo una temporada en una prisión de Texas condenado por una agresión, pero en 1916 se escapó. En 1918, volvía a estar recluido en una penitenciaria, también en Texas, cumpliendo una condena de 20 años por asesinato. Sin embargo, en 1925 obtuvo la libertad (la leyenda diría que lo consiguió cantando para el gobernador Pat Neff, que visitaba la prisión y al cual impresionó con una canción en la que suplicaba perdón; la realidad parece ser que su indulto fue debido a su buena conducta).
Entonces volvió a Louisiana, pero hacia 1930 volvía a estar en prisión, esta vez acusado de intento de asesinato. Pero todo cambió cuando, en 1933, visitaron la prisión los folkloristas John y Alan Lomax con la intención de grabar música folk negra para la Library Of The Congress. Los Lomax quedaron totalmente seducidos con Leadbelly y, con un equipo de grabación portátil, en la misma cárcel le grabaron otro tema suplicando perdón que los Lomax hicieron escuchar al gobernador de Lousiana, O. K. Allen (cabe decir que en la otra cara de la placa donde quedó grabado, Leadbelly quiso que le grabaran su conocido “Goodnight, Irene”) y, según parece, esta vez sí que a causa de esta petición de gracia tan peculiar, Leadbelly consiguió la libertad.
Al salir de la prisión (a principios de 1934), Leadbelly acababa de cumplir 49 años. John Lomax lo contrató como su chófer y ayudante, llevándolo en coche a otras prisiones en busca de canciones folk y dando conciertos en los campus de las universidades. De hecho, parece ser que Leadbelly fue el primer negro en dar un concierto para blancos. Sin embargo, rompería con Lomax unos años más adelante debido a que las grabaciones que habían realizado no tuvieron la repercusión que se esperaba (se calcula que grabó más de doscientas piezas hasta el año 1942) y, también, al fuerte carácter de ambos.
En diciembre de 1934, Leadbelly fija su residencia en Nueva York de donde ya no se movería con excepción de un período de tres años en los que residió en California. Un año después se casó con Martha Promise y empezó a grabar temas para sellos como RCA Victor o Capitol Records. Esto, junto con actuaciones radiofónicas cada vez más frecuentes, le dio fama (pero no fortuna) y entró a formar parte de las formaciones The Almanaque Singers y People's Songs, agrupaciones de cantantes folk (entre ellos Sony Terry, Pete Seeger, Brownie McGhee, Woody Guthrie y Josh White) que apoyaban con sus canciones y recitales las reivindicaciones obreras, dando continuidad a la tradición de Joe Hill y otros trovadores anarcosindicalistas.
Por lo visto, dominaba varios instrumentos: piano, violín, acordeón, guitarra y armónica, pero normalmente sus grabaciones se basan en su voz, una guitarra de doce cuerdas y su línea de 'walkin bass' sobre la armonía. Tenía tan controlada esta fórmula que compuso innumerables canciones del mismo modo y todas muy originales. Por ello es considerado uno de los pilares del blues-folk norteamericano.
En 1939 volvió a ingresar en prisión acusado de asalto y estuvo recluido hasta 1940. En 1944 se trasladó a California donde residió hasta 1947.
En 1949 hizo una gira por Francia siendo el primer artista de su estilo que dio un concierto en Europa. Sin embargo, antes de acabar la gira, cayó enfermo y se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica (enfermedad de Lou Gehrig ). Después de suspender la gira, volvió a los Estados Unidos y murió en Nueva York el 6 de diciembre de aquel mismo año a los 64 años de edad. Fue enterrado en el cementerio de la iglesia baptista de Shiloh (condado de Caddo Parish), a 8 millas al oeste de Blanchard, Luisiana.
En 1976 vio la luz una película realizada por Gordon Parks y protagonizada por Roger E. Mosley que lleva por título Leadbelly y que narra su vida hasta su salida de prisión a principios de 1934.
