IKE TURNER: Azotes de Rythm&Blues.

Aunque se le señala como el primer compositor de rock and roll, lo cierto es que Ike Turner es recordado como un agresor doméstico que se comportó como una fiera con su ex esposa Tina Turner, de la que abusó física y psicológicamente.

Esta reputación tiene antecedentes en su paso por la prisión por el uso de drogas y su comportamiento violento con su ex esposa, documentado en la película sobre la vida de Tina Turner.

La imagen que sólo se construyó, sólo ha servido para esconder su aporte a la música como compositor, intérprete y cabeza de grupo. A principios de los años `50 como pianista ayudó a crear el sonido del rock and roll, además de crear su propio sonido en la guitarra con la barra del trémolo como una parte importante de su estética.

Aunque como músico y compositor no habría podido llegar tan alto como Tina, como director de banda logró ensambles redondos y presentaciones que aún hoy son recordadas como unas de las mejores de la historia del R&B, gracias a la disciplina estricta y a la presencia de Tina en el escenario.

Ike Winster Turner (durante años creyó llamarse igual que su padre hasta que descubrió su verdadero nombre mientras solicitaba su pasaporte). Nació el 5 de noviembre de 1931 en Clarcksdale Mississippi, en el corazón del sur segregacionista norteamericano. Hijo de Beatrice Cushenberry y de Izear Luster Turner (asesinado a golpes por una enardecida horda de blancos) desarrolló un carácter duro desde niño como un medio de defensa frente a un ambiente altamente hostil.

Su relación con la audiencia empezó cuando tenía 8 años, mientras trabajaba como operador del ascensor del Hotel Alcázar de la ciudad de Clarksdale. “Había conseguido un trabajo como el operador del ascensor del Alcázar y la estación de radio quedaba en el segundo piso. Era excitante, ¡una estación de radio! Yo corría al segundo piso y miraba a través de la ventana al tipo que hacía girar los discos. Él me vio, me dijo que entrara y me enseñó a sostener un disco. Me senté allí y sostuve el disco hasta que terminó el que estaba sonando, entonces giré una perilla y el que yo sostenía empezó a sonar. Cuando me di cuenta él se iba a buscar un café a la vereda de enfrente mientras yo me quedaba allí solo. Tenía ocho años y ese fue el inicio de mi relación con la música.

Aprendió a tocar el piano al estilo boogie-woogie con Pinetop Perkins, mientras en la radio lo convertían en programador y empezaba a tocar desde blues hasta western.

Su primera banda la formó estando en la secundaria y a finales de los años 40 tenía un grupo llamado los “Kings of Rhythm” que en 1951 viajó a Memphis a grabar en el estudio Sun de Sam Phillips, en donde Elvis Presley grabaría sus primeros discos. El sencillo que salió de esa sesión, cuya autoría aún se encuentra en disputa, “Rocket 88”, es considerado la primera canción en la historia del rock and roll. Jackie Breston, el saxo del grupo, hizo la voz por lo que el grupo fue rebautizado como Jackie Berstein & His Delta Cats y no con su nombre original. Igualmente el tema subió directamente a la cima de la lista del R&B.

Brenston dejó la formación para iniciar una carrera en solitario que no tuvo éxito, en tanto Turner y su banda se convirtieron en grupo de apoyo en todo Memphis tocando para músicos y bandas de blues como Howlin' Wolf, Elmore James, Otis Rush, Robert Nighthawk, Buddy Guy y Sonny Boy Williamson II, además de muchísimos artistas que grababan en el estudio Sun.

A inicios de los años `50 Ike Turner cambió del piano a la guitarra y también empezó a buscar talentos para el sello de los hermanos Bihari: Modern Records, en donde ayudó a artistas como BB King.

Promediando la década de los cincuenta, Turner se mudó con los Kings of Rythm al este de San Luis en donde se convirtieron en la sensación del circuito local de R&B. La mudanza incluyó la reincorporación de Brenston en 1955, aunque siguieron trabajando como grupo de sesión y apoyo en grabaciones y presentaciones de otros artistas.

Ocasionalmente, Ike Turner grabó discos bajo sus propios sellos grabadores (Flair, RPM y Federal), aunque bajo los seudónimos de Icky Renrut y Lover Boy.

En el caso de los Kings of Rythm trabajó bajo un esquema de revista en sus presentaciones en vivo usando una amplia variedad de vocalistas, una de las cuales era la cantante adolescente Anna Mae Bullock a quien conoció en 1956. Ella se unió a la presentación y luego se mudó a la casa de Turner , después de quedar embarazada de este. Pronto Turner y ella iniciaron su propia relación que terminó en su matrimonio en 1958.

Rebautizada como Tina, la nueva esposa de Turner tuvo su primera oportunidad de ser la voz principal en 1959 interpretando “A Fool in Love” para el sello Sue. El tema salió al aire en 1960 y fue un éxito instantáneo llegando al número 2 de la lista R&B.

En ese momento Turner se dio cuenta que había encontrado una nueva estrella y que eso implicaba reconceptualizar su proyecto musical. Tina sería el centro del acto por lo que la banda debería reacomodarse para darle apoyo a una única cantante. El Ike & Tina Turner Revue se armó rápidamente y produjo inmediatamente sencillos que estuvieron entre las 10 principales de la lista R&B. "I Idolize You," "It's Gonna Work Out Fine," "Poor Fool," y "Tra La La La La" fueron una seguidilla de éxitos que dominaron el R&B norteamericano durante 1962. Salvo "It's Gonna Work Out Fine", los temas fueron escritos por Ike Turner.

En ese mismo año lanzaron un disco instrumental llamado “Dance With Ike & Tina Turner & Their Kings of Rhythm Band” en el que se mostraba el trabajo impecable e impredecible de Turner en la guitarra.

Ike & Tina rápidamente se convirtieron en una máquina de trabajo, aumentaron su popularidad y empezaron a grabar para muchísimos sellos grabadores independientes. Sin embargo, las composiciones de Ike Turner empezaron a convertirse en comunes, lo que gradualmente llevó a que su presencia en las listas empezara a declinar.

Simultáneamente, el convertirse en el centro de atención llevó a Turner a probar la cocaína de la que desarrolló una fuerte adicción que sumada a su personalidad y carácter impulsivo lo convirtieron en una persona explosiva. De acuerdo con la auto biografía de Tina, Ike se volvió violento llegando a pegarle y a quemarla con cigarrillos o café caliente si se comportaba de una manera que a él no le parecía.

Aunque Turner negó la seriedad de las acusaciones de Tina, su reputación de persona difícil nunca le ayudó a probar lo contrario. Una muestra de ello fue el acuerdo al que llegó Turner con Phil Spector cuando en 1966 decidieron que el legendario productor preparara el regreso de Tina a las listas. El arreglo implicaba que Spector grabaría a Tina, Ike recibiría todo el crédito e ingresos producto de las grabaciones, pero no podría entrar al estudio ni intervenir en la mezcla final de las cintas. El resultado fue “River Deep – Mountain High” uno de los temas más emblemáticos de la era del rock y en el que Ike no tuvo nada que ver. Como era de esperar la situación no le cayó nada bien.

En 1969 Ike y Tina fueron invitados como teloneros de los Rolling Stones. El hecho le hizo ver a Ike que el concepto de la revista musical que venía manejando estaba acabado y que necesitaba reinventarlo para conectarse con una audiencia blanca a través de una mezcla de rock y soul. En consecuencia, Turner incluyó interpretaciones de éxitos de rock and roll como “Come Together” de los Beatles, “I want to Take You Higher” y “Proud Mary” de Creedence, lo que los volvió a poner en las listas. De hecho “Proud Mary” de 1971 fue su primer éxito en las listas pop, llegando a la casilla número 5, además de ganar un Grammy.

Sin embargo, la conducta de Turner fuera del escenario seguía siendo agresiva y perjudicial para el acto. En 1973 “Nutbush City Limits” se convirtió en un punto de giro en la carrera musical de ambos. Fue su último éxito como pareja y fue la primera composición de Tina en llegar a la cima. En 1975 Tina, cansada del maltrato físico y psicológico que la tuvieron en el hospital, lo abandonó en medio de la gira de 1975. Se dice además, que Ike le fue infiel a Tina en varias ocasiones.

El divorcio de la pareja se consumó a finales de 1978, separación de la cual Ike nunca se recuperó completamente. Del divorcio obtuvo todas las propiedades obtenidas durante el matrimonio, Tina solo se quedó con su nombre.

Durante un tiempo dejó las giras y se concentró en dirigir “Bolic”, su propio estudio de grabación. Pero la costumbre de vivir en la carretera se impuso y volvió a armar una banda que no logró estar a la altura de los éxitos pasados. Además, su adicción a la cocaína le llevó a drenar sus finanzas y su estudio se quemó en 1982. A la vez fue arrestado varias veces por violaciones a la ley relacionadas con la droga, lo que le impidió ir a la ceremonia en la que él y Tina fueron admitidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1991, aunque Tina aceptó el honor en nombre de ambos.

Cuando el libro autobiográfico de Tina fue llevado a la pantalla grande en 1993, Ike renunció a todos sus derechos para darle a los cineastas toda la libertad dramática que necesitaran.

Después de salir de prisión logró dejar su adicción a las drogas y se volvió a casar. Intentó volver al mundo del espectáculo, marchando de gira con Joe Louis Walker. Allí se dio cuenta que su estilo seguía en demanda y volvió a formar los Kings of Rhythm. En 2001 puso a la venta un nuevo disco llamado “Here and Now” que le valió una nominación al Grammy por mejor álbum de blues tradicional, además de recibir otros reconocimentos. Algo similar sucedió con su último disco “Risin' with the Blues” de 2006.

En 2001 fue incluido en el paseo de la Fama de San Luis.

Ike Turner falleció de un enfisema el 12 de diciembre de 2007 a los 76 años en su casa de San Marcos en California.

Larga Vida a Tina Turner.

ALBERT KING: Nacido Bajo un Mal Signo.

Considerado uno de los Tres Reyes del Blues a la guitarra (junto a B.B.King y Freddie King), su altura de más de 1.90 metros y sus 118 kilos de peso le valieron el sobrenombre de The Velvet Bulldozer (la excavadora de terciopelo).

Nació como Albert Nelson en Indianola, Mississippi, en 1923. Trabajó duramente toda su juventud recogiendo algodón en las plantaciones en las que su familia y sus doce hermanos eran contratados. Después de una breve estancia en el pueblo de Osceola, Arkansas, en donde el joven King alternaba su trabajo con el coro de la iglesia, se instala en St. Louis, pero su caracter totalmente rural le motiva a volver a Osceola en donde llega a formar parte de un grupo musical llamado “In The Groove Boys”.

A principios de los años 50, se empieza a mover hacia el norte del país, consiguiendo tocar con Jimmy Reed en Gary, Indiana, hasta que en 1953 empieza a grabar sus primeros discos para el sello Parrot de Chicago, en los que dejaba traslucir que sus influencias musicales se decantaban al cincuenta por ciento entre Elmore James y Robert Nighthawk. Como los discos no tuvieron ninguna repercusión, Albert tuvo que volverse a Osceola en donde permaneció un par de años, hasta que se instala definitivamente en St. Louis cuando estaba formando parte de un circuito de giras. El y Little Milton Campbell hicieron una serie de excitantes e innovadores discos para el sello Bobbin desde mediados de los años 50 hasta comienzos de los 60, cuando el sonido que dominaba en St. Louis y alrededores era un pesado “jump” acompañado por los muchos decibelios que producían las guitarras, o lo que es lo mismo, el sonido de Ike Turner y sus Kings of Rhythm.

Allí, en St. Louis, perfeccionó su estilo, recreando en este una mezcla de lo que más le gustaba de la técnica de B.B.King y de las formas de tocar de Elmore, Nighthawk y Willie Johnson.

En el año 1962, Albert recibe el espaldarazo musical con el tema “Don’t Throw Your Love on Me so Strong”, un blues a medio tiempo que marca definitivamente el que sería el sello musical de este artista. En 1966, King graba para el sello Stax de Memphis algunos blues del Delta como “Crosscut Saw”, “Laundromat Blues” y “Born Under a Bad Sign”, con bases instrumentales que corrieron a cargo de la entonces muy prestigiosa banda de soul Booker T. and the M.G.’s, alcanzando esos títulos los primeros puestos en las listas de R&B. Estas canciones y otras más fueron recopiladas por el sello Stax en un LP llamado “Born Under a Bad Sign”, publicado en 1968, convirtiendose en el álbum más significativo de los 60. Albert King se erigió, independientemente de B.B.King, como uno de los mejores estilistas a la guitarra del blues moderno.

King influyó a muchos guitarristas de Blues como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield, Gary Moore, y Stevie Ray Vaughan. El solo de guitarra de Eric Clapton en el éxito de Cream, “Strange Brew” ( del álbum “Disraeli Gears”) es una emulación del solo de King en su éxito con Stax, “Oh, Pretty Woman”.

En 1983 Albert King grabó junto a Stevie Ray Vaughan uno de los éxitos de ambos músicos “In sesion”. Unos años después Albert daría un concierto junto a BB King y otros artistas como Robert Cray, Etta James, Junior Wells. En 1988 Albert acudirá como invitado junto a Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean a un especial “BB King and Friends”.

En 1998 Albert King y BB King, “Big brother of blues” como llamaba BB king cariñosamente a Albert, actuaron juntos en el Japan Blues Carnival de 1989.

Una de las últimas contribuciones de King sería en 1990 con el guitarrista Gary Moore en el álbum “Still Got the Blues”, con una nueva versión de “Oh, Pretty Woman”. Esta contribución conllevó a que King apareciera como invitado en los conciertos de una gira europea de Moore, junto a Albert Collins.

King falleció de un ataque cardíaco el 21 de diciembre de 1992, en Memphis, Tennessee. Su nombre está incluido en el Paseo de la Fama de St. Louis.

Larga Vida al Blues.

NINA SIMONE: La Gata sobre el Tejado.

Eunice Kathleen Waymon más conocida como Nina Simone ó "High Priestess of Soul” (Gran Sacerdotisa del Soúl), nació el 21 de febrero de 1933 en Carolina del Norte.

Como otros cantantes afroamericanos, encontró en Marian Anderson una fuente de inspiración, y empezó cantando en su iglesia local, mostrando al mismo tiempo un gran talento con el piano, que empezó a tocar ya con cuatro años. Cuando debutó públicamente en un recital de piano a los diez años, sus padres, que se habían sentado en la primera fila, fueron obligados a moverse para que otros asistentes blancos ocuparan sus lugares. Este tipo de condiciones de vida la motivarían más adelante a involucrarse en el Movimiento por los Derechos Civiles.

A los diecisiete años, Simone se mudó a Filadelfia, en el estado de Pensilvania, donde dio clases de piano y acompañó a varios cantantes. Gracias al apoyo de varios patrocinadores, entre ellos su antiguo profesor de música, pudo estudiar piano en la prestigiosa Escuela de Música Juilliard en la ciudad de Nueva York, pero la falta de recursos le impidió alcanzar su sueño de convertirse en el primer pianista negro de concierto de los Estados Unidos. Más tarde se presentó a una prueba para estudiar piano en el Instituto Curtis, pero fue rechazada. Simone estaba convencida de que se la rechazó por ser negra. De Nueva York su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca, pero fue rechazada también por el color de su piel.

Entonces, Simone se acercó al blues y al jazz, tras empezar a trabajar en un club nocturno de Atlantic City para ayudar económicamente a su familia.

El nombre artístico de Nina Simone lo adoptó en 1954 para que su madre no se enterase de que estaba actuando en un club nocturno, Nina (procedente en español de la palabra niña) era el alias que le había dado un novio y Simone lo tomó de la actriz francesa Simone Signoret de la que era admiradora.

Se dio a conocer a un público más amplio gracias a su interpretación de la canción “I Love You Porgy” de George Gershwin, que se convertiría en su único éxito del Top 40 de Estados Unidos. Después vendría el sencillo “My Baby Just Cares for Me” (que sería un éxito en los 80 en Inglaterra al ser usado en un anuncio comercial del perfume Chanel No. 5).

Durante los 60, Simone estuvo involucrada en el Movimiento por los Derechos Civiles y grabó algunas canciones políticas, incluyendo “To Be Young”, “Gifted and Black” (interpretada después por Aretha Franklin y Donny Hathaway), “Blacklash Blues”, “Mississippi Goddam” (en respuesta al asesinato de Medgar Evers y al ataque terrorista a la iglesia de Birmingham, Alabama, en 1963, por parte de supremacistas blancos y que se saldó con la muerte de cuatro niñas negras), “I Wish I Knew How it Would Feel to be Free” y “Pirate Jenny”, de Kurt Weill, situada en un hotel del sur.

En 1961, Simone grabó una versión de la canción tradicional “House of the Rising Sun”, que también grabarían después Bob Dylan y The Animals. Otras canciones que la hicieron famosa fueron “I Put a Spell on You”, “Here Comes the Sun” de Los Beatles, “Four Women”, “I shall be released”, y “Aint got no (I got life)”. La versatilidad de Nina como artista es evidente en toda su música, que frecuentemente tenía una simpleza equivalente a la trova. En un mismo concierto, iba de los temas tipo religioso (gospel) al blues y al jazz, de temas como “For All We Know”, números de estilo europeo clásico y figuras de contrapunto.

1968 trae consigo el LP en vivo “Nuff Said”, que contiene grabaciones en honor a Martin Luther King (asesinado por aquella época).

En 1968 el tema “Sinnerman” de Simone apareció en la película de Norman Jewison “The Thomas Crown Affair”, lo que llevó su música a audiencias mayores. La nueva versión de la película rodada en 1999 con Pierce Brosnan y Rene Russo volvió a incluir a Simone. Otras películas han utilizado “Sinnerman” en su banda sonora, como “Inland Empire” de David Lynch y “Cellular” de David R. Ellis en 2004.

En septiembre de 1970, Simone abandonó Estados Unidos en dirección a Barbados, tras desacuerdos con agentes, compañías discográficas y con la Agencia de impuestos norteamericana (Internal Revenue Service), que ella atribuía al racismo de la sociedad estadounidense. Regresó en 1978, donde era buscada por evasión de impuestos (se había negado a pagarlos durante varios años como protesta a la Guerra de Vietnam), por lo que volvió a Barbados, donde mantuvo una relación sentimental con el primer ministro Errol Barrow. En los 80 cantaba regularmente en el club de jazz Ronnie Scott de Londres. La cantante y amiga de Nina, Miriam Makeba, la convenció para ir a vivir a Liberia. Posteriormente residió en Suiza y Holanda antes de establecerse en Aix-en-Provence en el sur de Francia en el año 1992.

En 1992 apareció la autobiografía de Nina Simone titulada “I Put a Spell on You”. En 1995, Simone supuestamente le disparó al hijo de su vecino con una pistola de aire comprimido pues sus risas no la dejaban concentrarse.

Sus acompañantes habituales durante esta época fueron Lepoldo Fleming (percusión), Tony Jones (bajo), Paul Robinson (batería), Xavier Collados (teclado) y su director musical Al Schackman (guitarra).

Nina fue una de las estrellas de festivales como el Nice Jazz Festival de 1997 y el Thessalonica Jazz Festival en 1998.

En el Guinness Blues Festival en Dublín en 1999 su hija, Lisa Celeste, actuó como "Simone", cantando a dúo con su madre algunos temas.

Simone cantó con el cantante español Raphael y participó en dos obras de teatro de Disney, cantando los temas principales de Aida y Nala en “El rey león”.

El 24 de julio de 1998 Nina Simone fue la invitada especial en la fiesta del 80 cumpleaños de Nelson Mandela. El 7 de octubre de 1999 recibió un premio a sus logros artísticos de toda una vida en Dublín.

En 2000 recibió el título de Honorary Citizenship de Atlanta, el Diamond Award for Excellence in Music de la Association of African American Music de Filadelfia y el Honorable Musketeer Award de la Compagnie des Mousquetaires d'Armagnac de Francia.

En el 2009 incorporaron la canción "Pirate Jenny (Live)", para el soundtrack de la pelicula “Watchmen”.

Murió en Carry-le-Rouet en 2003, tras varios años de lucha contra el cáncer.

Me gustaría dedicar un tema muy especial que, al igual que pasa con los buenos amigos, son aquellos con los que no contactas muy a menudo, pero cada encuentro que tienes con ellos te llena de buenos recuerdos. Va para ti, Peggy, seguro que es el tema que esperabas.

Larga Vida al Jazz.

MARVIN GAYE: En el nombre del padre.

Marvin Pentz Gaye, Jr. (la e final la añadió él, tal como hizo Sam Cooke) nació en Washington DC, donde su padre era un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), una congregación conservadora cristiana con elementos del pentecostalismo y judaísmo ortodoxo que exigía el cumplimiento de unos códigos de conducta estrictos y no celebraba ninguna festividad. Marvin comenzó a cantar en el coro de la iglesia, un lugar, sobre el que años más tarde diría «aprendí la alegría de la música»; sin embargo, en casa, debía soportar el fundamentalismo moral y los ataques de ira de su padre. Durante aquellos años, aprendió a tocar el piano y la batería, viéndose obligado a abandonar el atletismo por la intransigencia de su padre.

Sin más salida que la música, a los 15 años formó su primer grupo, DC Tones. Tras un breve paréntesis en las fuerzas aéreas, de donde fue expulsado por indisciplina, ingresó en el grupo de doo wop The Rainbows, y posteriormente en The Marquees, grabando un sencillo apadrinado por Bo Diddley que no tuvo éxito. Poco después, se unió a The Moonglows, grupo liderado por Harvey Fuqua y, por aquél entonces, uno de los mejores grupos de doo wop. “Mama Loocie” (1959, Chess Records) fue el primer sencillo publicado con The Moonglows.

Tras varios trabajos y giras, Harvey Fuqua disolvió el grupo y se trasladó a Detroit en busca de mayores oportunidades, llevándose a Gaye. Allí, fundó un sello discográfico y contrajo matrimonio con Gwen Berry, que regentaba otro pequeño sello; ambos se fusionaron poco más tarde en el sello Tri Phi Records e incorporaron a su catálogo a Marvin Gaye, que se había casado con Anna Berry, hermana mayor de Gwen, en 1961. Posteriormente, Berry Gordy, hermano de Anna y Gwen y propietario del sello Tammi, luego Tamla Motown, absorbió la compañía Tri Phi (vamos, que todo quedó en familia)

En Motown, donde realizaría una brillante carrera, Gaye comenzó acompañando a la batería, entre otros grupos, a Smokey Robinson & the Miracles, y haciendo acompañamientos vocales y tocando el piano en grabaciones de otros artistas. En agosto de 1961, debutó como solista con “The Soulful Moods Of Marvin Gaye” sin demasiado éxito. Desviándose del camino de las baladas convencionales compuso con William Stevenson y George Gordy, "That Stubborn Kinda' Fellow" (1963), del que se publicó el sencillo que da título al álbum, "Hitch Hike" y "Pride and Joy", sus primeros éxitos en Motown, a los que seguiría el álbum "How Sweet It Is" (To Be Loved By You) (1964) y los sencillos "I'll Be Doggone" y "Ain't That Peculiar" (1965). En 1964 inició sus duetos con Mary Wells, la estrella femenina de la Motown, con quien grabó, ese mismo año, “Together”, y un par de canciones que tuvieron alguna popularidad. Posteriormente grabó con Kim Weston, "Take Two" (1967), pero sus mejores duetos fueron sin duda con Tammi Terrell, con la que consiguió recrear a los ojos del público el romance perfecto hasta el punto de que circularon insistentes rumores acerca de las relaciones entre ambos, que fueron, eso sí, grandes amigos. Con ella obtuvo grandes éxitos como "Ain't No Mountain High Enough" y "Your Precious Love" en 1967 y "Ain't Nothing Like the Real Thing" y "You're All I Need to Get By" en 1968. La fantasía terminó bruscamente después de que el verano de 1967, Tammi Terrel se desmayara en el escenario en los brazos de Gaye por un tumor cerebral no diagnosticado que acabaría con su vida tres años más tarde; «siento que, de alguna manera, he muerto con ella» diría Gaye tiempo después.

Al año siguiente explotó en solitario las listas con "I Heard It Through the Grapevine" (1968) colocándose en el número uno de las listas de R&B y pop y logrando vender más de 4 millones de copias del sencillo; el mayor éxito de ventas de Motown en la década de los 60. Sin embargo, a partir de este momento Gaye comienza a distanciarse en el ámbito artístico de los productores de la Motown y siguiendo la tendencia que se manifiesta en la música popular de aquellos años de incorporar a las letras temáticas sociales y políticas, graba en 1971 el que a la postre será considerado su mejor álbum, "What's Going On", con elementos del jazz y la música clásica y en el que aborda la protección del medio ambiente, la corrupción política, el abuso de las drogas y la guerra de Vietnam inspirado por su hermano Frankie Gay que acababa de regresar del frente, y que es calificado por algunos como el mejor álbum soul de la historia. En 1973 graba "Let's Get It On", un álbum impregnado de sensualidad que tiene buena acogida entre el público y el mismo año graba con Diana Ross "Marvin & Diana". Ya en solitario y al tiempo que termina su matrimonio publica "I Want You". Tras su divorcio de Anna Gordy, es condenado en 1976 por un tribunal por el impago de la pensión alimenticia, viéndose obligado a trabajar en un nuevo disco; el resultado es "Here, My Dear" un álbum tan personal que Anna Gordy considera incluso la posibilidad de demandarle por invadir su privacidad.

Tras diversos reveses profesionales y un nuevo fracaso matrimonial, Gaye se traslada a Hawaii y finalmente, por problemas de impuestos, recala en Europa en 1981, donde sacará a la luz "In Our Lifetime", un complicado e intimista disco que pondrá fin a su relación con Motown. Tras firmar con Columbia Records en 1982 compuso "Midnight Love" al tiempo que intentaba sobreponerse de su adicción a la cocaína. Una de sus canciones, "Sexual Healing", es una de las más famosas de Gaye. A pesar del resurgir de su carrera y su reencuentro con la fama, se hundió aún más en las drogas de las que intentó aislarse buscando refugio en casa de sus padres. Sin embargo, durante el tiempo que pasó allí en varias ocasiones intentó suicidarse después de mantener agrias discusiones con su padre. Finalmente, el 1 de abril de 1984, la víspera de su 45 cumpleaños, en el transcurso de una de esas discusiones su padre lo mató de un disparo, hecho que sería calificado como «homicidio justificable», con un arma que el propio Marvin le había dado cuatro meses antes. Su padre falleció en 1998 de un ataque al corazón.

En 1987, Gaye ocupó su lugar en el Salón de la Fama del Rock and Roll. No fue éste, sin embargo, el único homenaje a su figura; en vida, en 1983, el grupo británico Spandau Ballet grabó el sencillo "True" dedicado a Gaye y al «sonido Motown», un año después de su muerte The Commodores recogía el fallecimiento de Gaye en "Night Shift" y en 1999 el mundo del R&B rendía honores al «Príncipe de Motown» en el álbum "Marvin Is 60".

Larga Vida al Soul.

MILES DAVIS: Innovando el Jazz.

Miles Dewey Davis III nació el 26 de mayo de 1926 en Alton, Santa Mónica. Davis era hijo de un dentista, Dr. Miles Dewey Davis, Jr., y de una profesora de música, Cleota Mae (Henry) Davis; crece por tanto, en una familia negra de clase media en East St. Louis, en Illinois, al haberse trasladado allí la familia tras su nacimiento. Empezó a interesarse por la música durante su infancia y hacia los doce años empezó a recibir clases de trompeta. Mientras cursaba el instituto, empezó a conseguir trabajos tocando en varios locales y a los 16 ya tocaba fuera de la ciudad durante los fines de semana. A los 17, se unió a los Eddie Randle's Blue Devils, una banda regional de San Luis.

Su primer éxito musical se produjo en 1944 cuando, tras graduarse, pudo tocar con la banda de Billy Eckstine que estaba de gira por la ciudad y que contaba entre sus músicos con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, artífices del emergente estilo bebop, caracterizado por su rapidez en la interpretación, solos inventivos y variaciones rítmicas muy dinámicas. El joven Davis, que venía de un estilo completamente diferente, tubo de amoldarse a la novedad. Lo hizo abandonando el medio oeste para asistir a las clases del Institute of Musical Art en Nueva York en septiembre de 1944.

Se puso a tocar muy pronto en distintos clubes junto con Charlie Parker y hacia 1945 abandonó sus estudios académicos para dedicarse por entero a su carrera como músico de jazz, en principio uniéndose a la formación de Benny Carter y haciendo sus primeras grabaciones como acompañante. Tocó de nuevo con Eckstine durante 1946-1947 y se convirtió en miembro del grupo de Parker durante 1947-1948, haciendo su grabación de debut como líder de una formación en una sesión de 1947 en la que también participarían Parker, el pianista John Lewis, el bajo Nelson Boyd y el batería Max Roach. Fue un hecho aislado y Davis pasaría la mayor parte de su tiempo tocando como respaldo de Parker. Sin embargo, durante el verano de 1948, Davis organizó un grupo con nueve músicos con una inusual sección de viento. Además de su trompeta, había un saxo alto, un saxo barítono, un trombón, un corno francés y una tuba.

Este noneto, basándose en los arreglos de Gil Evans y otros, tocó durante dos semanas en el Royal Roost de Nueva York en septiembre de 1948. Consiguen un contrato con Capitol Records y el grupo entra en un estudio en enero de 1949 para grabar la primera de las tres sesiones de las que surgieron 12 temas que, en principio, no llamarían excesivamente la atención. El relajado sonido del grupo, sin embargo, repercutió en los músicos que tocaban en él, entre los que estaban Kai Winding, Lee Konitz, Gerry Mulligan, John Lewis, J. J. Johnson y Kenny Clarke, y tuvo una enorme influencia en el desarrollo del cool en la costa oeste. En febrero de 1957, Capitol editó los 12 temas en un LP llamado “Birth of the Cool”.

En 1949 Davis lideraría una nueva formación con el pianista Tadd Dameron. En mayo de ese año se acercarían a París para participar en el Paris Jazz Festival.

A comienzos de los años cincuenta la carrera musical de Davis se vio afectada por su adicción a la heroína, realizando unas interpretaciones y grabaciones poco elaboradas. Pero ya en enero de 1951 inició una larga serie de grabaciones para el sello Prestige que se convirtieron en su obra más relevante durante muchos años. A mediados de la década consiguió deshabituarse de la droga y causó enorme impresión tocando "'Round Midnight" en el Newport Jazz Festival en julio de 1955, interpretación que le valdría un contrato con Columbia Records.

El contrato le permitía mantener un grupo permanente y así fue como organizó un quinteto formado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el bajo Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones. Su primera grabación, “Round About Midnight”, la realizarían en octubre de 1955. Al tiempo, debió completar los cinco discos que le faltaban por grabar para Prestige, entre lo que se encuentran los muy elogiados “Cookin`”,” Workin`”,” Relaxin`” y “Steamin`”. En mayo de 1957, solo tres meses después de la edición por parte de Capitol de “Birth of the Cool”, Davis se unió otra vez al arreglista Gil Evans para su segundo disco con Columbia, “Miles Ahead”. Tocando en esta ocasión el fliscorno, Davis se puso en 1958 al frente de una big band para llevar más lejos el concepto musical de “Birth of the Cool” y añadir alusiones clásicas.

En diciembre de 1957, Davis regresó a París, donde improvisó la música para la película “L'Ascenseur pour l'Echafaud. Jazz Track”, un disco que contenía esta música, le hizo conseguir en 1960 una nominación para los Grammy como mejor interpretación de jazz.

Crea luego el Miles Davis Sextet al contratar al saxofonista Cannonball Adderley. Graban “Milestones” en abril de 1958. Inmediatamente después, Red Garland es reemplazado al piano por Bill Evans y Jimmy Cobb sustituye a Philly Joe Jones en la batería. En julio, Davis vuelve a colaborar con Gil Evans y una orquesta en un disco de música para “Porgy and Bess”. De vuelta con su sexteto, Davis comienza a experimentar con la música modal, basando sus improvisaciones en escalas antes que en cambios de acordes. Llega así a su nueva grabación, “Kind of Blue”, de marzo y abril de 1959, disco que se convertiría en un mito del jazz moderno y en el más popular de toda su carrera, con unas ventas superiores a los dos millones de copias. Graban junto a Davis: John Coltrane, Bill Evans, Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb y Cannonball Adderley. En nuevas sesiones de noviembre de 1959 y marzo de 1960, Davis seguiría de nuevo colaborando con Gil Evans, grabando “Sketches of Spain”, que contiene música española tradicional y composiciones originales bajo los modelos de ese estilo. Consiguen nominaciones y un premio en los Grammy.

John Coltrane, sin embargo, había decidido formar su propio cuarteto, lo que significaba que Davis debía buscar un nuevo saxofonista para su quinteto. Si bien Coltrane siguió tocando con Miles en las giras, en las grabaciones el trompetista utilizó diversos saxofonistas: Sonny Stitt, George Coleman, Hank Mobley, pero el encuentro con Wayne Shorter significaría la formación de su segundo quinteto clásico, y al mismo tiempo un nuevo giro a su música. A finales de 1964 establece el quinteto con el que le conoceríamos durante el breve pero prolífico tiempo que sigue hasta 1968 formado por Wayne Shorter en saxo tenor, director musical y compositor, Ron Carter en contrabajo, Herbie Hancock en piano y el joven Tony Williams en batería. Todos y cada uno de ellos aportaron algo nuevo a la sonoridad de Miles Davis instalando en su quinteto una estética a medio camino entre el modalismo hardbop experimentado hacía esa época por el propio Miles y la vanguardia free tan en boga en músicos como Ornette Coleman. La grabación de los siguientes discos de Columbia con la producción del visionario Teo Macero coloca en su discografía títulos como “E.S.P.”, “Miles Smiles” o “Nefertirti”. Pero el impulso musical de este quinteto sería tal que prontamente la banda tomo una nueva dirección. Davis admiraba a músicos como Jimi Hendrix o Sly and the Family Stone y quizás envidiaba como esos "músicos negros" podían llenar estadios y vender millones de discos. La búsqueda de Davis no fue en vano, “Filles de Killimanjaro” y -sobre todo- “In a Silent Way” permitieron una vez más que Miles Davis fuera la vanguardia de un nuevo jazz, el jazz rock.

Miles Davis había cambiado a Ron Carter por el inglés Dave Holland, con él llegó el guitarrista John McLaughlin, y se unió Chick Corea como segundo teclista y también el austríaco Joe Zawinul. Con esta banda se graba “In a Silent Way” y luego “Bitches Brew”, elepés que vendrían a cambiar definitivamente la escena del jazz y dominaría toda la escena de la década de los setenta. Por esos combos pasaron músicos como Bennie Maupin, Keith Jarrett, George Benson, Billy Cobham, Jack de Johnette, etc. El Jazz Rock motivó posteriormente que todos estos músicos -salvo Jarrett, que optó por caminos acaso mucho más personales- experimentaran con la fusión del jazz y el rock con distinto éxito.

Herbie Hancock formó los Headhunters con Bennie Maupin, Shorter y Zawinul formaron Weather Report con Jaco Pastorius; McLaughlin, la Mahavishnu Orchestra con Jean Luc Ponty, Jerry Goodman, Rick Laird, Jan Hammer y Cobham; Chick Corea forma la banda Return to Forever con Stanley Clarke, entre muchos otros; Dreams de los hermanos Randy y Michael Brecker, etcétera.

La falta de nuevas ideas, su afición a las drogas y un aparatoso accidente apartaron a Davis de la escena musical durante un largo periodo. Volvió al candelero en la década de los 80 con grabaciones como “Decoy”, “Aura”, “The Man with the Horn” o “Tutu” en las que se deja llevar por las nuevas tendencias. Los ritmos funk y el inicio prematuro del acid jazz marcan sus últimos trabajos.

Por mientras, desde principios de los ochenta, la corriente principal del jazz haría renacer el bop en manos y boca de un nuevo heredero en la tradición trompetística: Wynton Marsalis.

Davis fallece tempranamente en 1991 y tras él queda un enorme legado de incesante búsqueda y el récord de haber sido quizás la mayor escuela del jazz contemporáneo.

Larga Vida al Jazz.