BB King se refirió a Green como "el único hombre que me llegó a hacer sudar". Aunque el fraseo de Green no era tan rápido o repentino como el de sus colegas bluesbrakers, Eric Clapton y Mick Taylor, estaba marcado por un distintivo vibrato y autonomía de estilo.
Peter Allen Greenbaum nació el 29 de octubre de 1946 en Bethal Green,Londres.
Green se inició como solista en la banda de Peter Barden, Peter Barden's Looners en 1966. Tras una breve estancia de tres meses tuvo la oportunidad de sustituir a Eric Clapton en la John Mayall & The Bluesbreakers para tres conciertos. Tras la marcha definitiva de Clapton un poco más tarde, fue contratado a tiempo completo.
Dado que Clapton gozaba de muy buena reputación, Green tuvo una fuerte presión para llenar el vacío dejado por la marcha de Eric. Pero los escépticos fans enseguida se convencieron del exclusivo estilo melancólico de Green. En 1967 Green decidió formar su propia banda de blues, Fleetwood Mac el nombre provenía de la sección rítmica de la banda: Mick Fleetwood y John McVie, y fue originalmente nombrada como Peter Green's Fleetwood Mac.
En los finales de la década de 1970 la banda copó las listas con álbumes principalmente pop/rock, pero inicialmente fue una banda ligada al blues/rock tocando clásicos del blues y nuevo material junto con los Bluesbreakers de John Mayall. Green fue el líder del grupo durante el periodo inicial de éxito a finales de la década de 1960 e inicios de la de 1970, cuando sus éxitos incluyeron “Oh Well, Man of the World” y “Albatross”. El escribió la canción “Black Magic Woman” que popularizaría Santana.
Tras la publicación de “Albatross” y su consiguiente fama, Green luchó espiritualmente contra el éxito alcanzado por la banda. Durante la gira por Europa y tras un concierto en Munich, Alemania, tuvo durante tres días un empacho de LSD. En sus propias palabras: "tuvo un viaje y nunca regresó".
La personalidad de Green cambió radicalmente tras ello, empezó a vestir un tabardo, se dejó crecer la barba y un lució un crucifijo en su pecho. El uso del LSD pudo contribuir a su enfermedad mental: esquizofrenia. Abandonó Fleetwood Mac en 1970 declarando el dinero como maldito y dándose a la caridad. Grabó un extremadamente experimental y nada comercial álbum “The End of the Game” (El Final del Juego) y su carrera se diluyó en una sucesión de trabajos menores.
Green tuvo una breve reunión con Fleetwood Mac cuando Jeremy Spencer dejó el grupo (voló a U.S.A. para ayudarles a completar la gira) y fue también el invitado en su álbum de 1973 "El Pingüino" en el tema “Night Watch”.
Green fue internado con problemas psicológicos y sometido a terapia electroconvulsivaa mediados de la década de 1970. Muchas fuentes explican así su periodo letárgico y convulso de esa época. En 1977 fue arrestado por amenazar con un rifle a su asesor Clifford Davis, pero las circunstancias exactas son objeto de mucha especulación. Tras dicho incidente fue internado en una institución psiquiátrica en Londres.Urgido por sus amigos para continuar tocando, resurgió a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 con una serie de álbumes que incluyen “In the Skies”, “Little Dreamer” y “White Sky”. Aunque de calidad irregular, éstos discos contenían guiños del inigualable estilo del blues de Green. Fue también invitado anónimo del “Brown Eyes” de Tusk, contibuyó en “Rattlesnake Shake” y “Super Brains” del álbum en solitario de Mick Fleetwood “The Visitor”.
1990 vio el retorno de Green en la forma de Peter Green, Splinter Group con la asistencia de colegas, incluyendo el mismísimo Cozy Powell. Esta formación publicó nueve discos entre 1997 y 2003.
Se canceló una gira y la grabación del nuevo disco de estudio en los inicios de 2004 cuando Green dejó la banda y se fue a Suecia. En breve se uniría a The British Blues All Stars, pero también se cancelaría su tour del 2005. Las razones pudieron ser una planeada reunión de los originales Fleetwood Mac anunciada por Mick Fleetwood el 14 de marzo de 1980.
Nacido el 22 de Agosto de 1917 en Clarksdale, Mississippi y aprende a tocar la guitarra con su padrastro, un músico llamado Will Moore, quién a los doce años le regala su primera guitarra. A mediados de la década de los treinta se muda a Detroit, donde trabaja en la industria del automóvil y, por las noches, actúa en diversos clubs de la zona. Pronto se convierte en uno de los músicos más populares de la ciudad. Su primera guitarra eléctrica fue un regalo del mismísimo T-Bone Walker.
En Octubre de 1948, Modern Records edita “Boogie Chillun”. El tema se convierte en un gran éxito, de alcance nacional, en el género que en aquel momento se conoce como música racial. En Diciembre del mismo año, aunque sigue bajo contrato con la Modern, Hooker edita su segundo disco con King Records, “Black Man Blues”. Para evitarse problemas legales, utiliza un sobrenombre al que recurrirá habitualmente en los años posteriores; el disco es atribuido a un tal Texas Slim. Entre 1949 y 1954, graba un total de 70 singles, en 21 compañías distintas, usando diez seudónimos diferentes, como Johnny Lee o Delta John.
En 1952 empieza a trabajar como disc-jockey en Detroit, y en 1955, después de firmar por Vee-Jay Records, su carrera se estabiliza. En 1956 graba “Dimples” (con los años se convertirá en una de sus piezas más conocidas), y en 1962 realiza una gira por Europa, junto a un grupo de músicos de blues de primera fila. En Julio de ese año lanza “Boom Boom”, la única de sus canciones que logrará colocarse en las listas pop durante décadas.
A mediados de los 60, la invasión británica relanza su carrera. Grupos como los Beatles o los Rolling Stones basan buena parte de sus repertorios en clásicos del blues (admirados en Inglaterra pero desconocidos en EEUU). Eso despierta el interés por su música. De la noche a la mañana, se convierte en una figura reclamada a ambos lados del Atlántico y aparece en los principales programas de televisión. Entre 1966 y 1974 graba para ABC Records. En 1974 le contrata la Atlantic. En 1980, aparece, junto a Ray Charles y otras figuras del R&B, en el film “The Blues Brothers”.
Tras un período de relativo olvido, regresó a la escena musical con discos muy bien recibidos por la crítica y por el público (The Healer, 1990; Mr. Lucky, 1991; Boom, boom, 1992). En 1990 realizó la banda sonora para la película “Labios ardientes”, de Dennis Hopper. Hooker fue considerado el principal eslabón de unión del blues actual con sus sombríos orígenes en el delta del río Mississipi.
En 1988 graba “The Healer” junto a Carlos Santana, Robert Cray y George Thorogood. Sorprendentemente, a los 71 años su figura alcanza proporciones legendarias y se convierte en un ídolo de masas entre las generaciones más jóvenes, que hasta el momento nunca habían oído hablar de él.
En su último concierto, días antes de su fallecimiento, ocurrido el 21 de junio de 2001, tuvo a la audiencia rendida a sus pies. Le gustaba el contacto con el público y, a pesar de su avanzada edad, no dejó de actuar hasta el final. Sus temas: "I'm in the mood", (1951) y sobre todo: “Boom Boom”, (1962), marcaron la historia del blues en la segunda mitad del siglo XX.
Solomon Burke nació el 21 de marzo de 1940 en Filadelfia, Pensilvania. Es un músico pionero del soul y del country y miembro del prestigioso museo Rock and Roll Hall of Fame. Empezó su vida adulta como predicador en Filadelfia, y muy pronto pasó a realizar un show radiofónico gospel. En la década de los 60 firmó un contrato musical con Atlantic Records y empezó a dedicarse a la música de carácter más secular. Su primer éxito fue "Just Out Of Reach Of My Open Arms", una versión de una canción country. Aunque obtuvo gran aceptación en el círculo artístico y entre los críticos, alcanzando algunos éxitos en los géneros de rythm & blues y de pop, Burke nunca consiguió llegar a las grandes masas tal y como hicieron Sam Cooke y Otis Redding. Su mayor éxito fue una versión de "Proud Mary", de Creedence Clearwater Revival. Tal vez otra de sus canciones más conocidas es "Cry to Me", usada en la famosa escena del baile de seducción en la película “Dirty Dancing”.
En 1964 escribió y grabó "Everybody Needs Somebody To Love", su apuesta más prominente en el soul duradero. Además de la inmediata versión de los Rolling Stones, esta canción fue también adaptada por Wilson Pickett, y casi una década y media después, en 1980, fue utilizada en la banda sonora de la película “The Blues Brothers”.
Su carrera resucitó de algún modo en 2002, con la publicación de “Don't Give Up On Me”, donde interpreta las composiciones escritas especialmente para el álbum de algunos de los mejores artistas mundiales, como Bob Dylan, Brian Wilson, Van Morrison, Elvis Costello y Tom Waits.
Burke ha realizado diversas colaboraciones tanto en la pequeña como en la gran pantalla, y sus giras llegan a colgar el cartel de "no hay entradas", como ocurrió en el Royal Albert Hall de Londres durante su gira a Reino Unido.
Burke es padre de 21 hijos (14 hijas y 7 hijos), tiene 84 nietos y 17 biznietos. Algunos de sus hijos y nietos se dedican profesionalmente en diferentes campos de la industria musical, aunque ninguno ha conseguido el renombre de su patriarca.
En septiembre de 2006, Burke volvió a sus raíces country con la publicación de un álbum de 14 canciones bajo el nombre de "Nashville", producido por Buddy Miller. Algunas de las voces invitadas incluyen a Emmylou Harris, Dolly Parton, Patty Griffin, Gillian Welch y Patty Loveless.
Nació el 1 de octubre de 1932 en Leonas, Texas. Guitarrista tejano, primo de Lightnin´ Hopkins, mereció el apodo de “Iceman” (hombre de hielo) a causa de su personal técnica con la guitarra, de la cual extraía un sonido “helado”. Otra característica de Collins, eran los cien metros de cable que llevaba en la guitarra para poder moverse libremente por los escenarios y entre el público si las circunstancias lo permitían.
Ya su primer single, en 1958, fue un instrumental titulado “The Freeze” (la congelación), al que siguieron otros como “Frosty” (Encharcado) o “Ice Blues” (Blues helado), siempre para pequeños sellos tejanos y siempre con algún síntoma de congelación en el título. Más tarde, cuando dejó de grabar unicamente instrumentales, se solía definir así mismo como “el guitarrista que intenta cantar”, consciente de sus limitaciones vocales.
En 1969 se trasladó a Los Angeles, tras firmar un contrato con Imperial, discográfica con la que editó tres álbumes de funk-blues, más destinados al público de música soul (el estilo favorito de la juventud negra de los años 60) que a los fans del blues.Su carrera no despegó realmente hasta 1977, año en que firmó con Alligator. Sus tres primeros álbumes para este sello fueron nominados para los Grammy (galardón que finalmente obtendría con “Showdown!”, álbum compartido con Robert Cray y Johnny Copeland). Con ello, Collins fue consolidando su papel como mascarón de proa del sello. Durante el revival del blues en los años 80, Collins fue una de las mayores estrellas, llegando a tomar parte en el macrofestival “Live Aid”, televisado en directo para casi todo el mundo, invitado por su admirador George Thorogood. En 1991, después de cinco años sin grabar un álbum, fichó para el sello Point Blank, pero esta última fase de su carrera se vió truncada por un cancer. Albert Collins murió el 24 de Noviembre de 1993 en Las vegas, Nevada.
Collins será recordado no sólo por la cantidad y calidad de la música blues que interpretó a lo largo de su carrera, sino también por sus legendarias actuaciones en directo, en las que a menudo descendía del escenario y se mezclaba con la audiencia mientras continuaba tocando. Esta práctica está documentada en un cameo no acreditado de Collins, en la película “Adventures in Babysitting”. Collins le asegura a Elisabeth Shue que “nadie abandona este lugar sin cantar el blues”, obligándola a ella y a los niños que la acompañan a improvisar una canción antes de escapar.
Otra anécdota hilarante que ilusta la forma de actuar de Collins está recogida en el documental “Antones: Austin Home of the Blues”. Collins abandona el edificio, con la guitarra todavía enchufada y tocando. Minutos después, regresa al escenario, y un repartidor de pizzas viene y le entrega a Collins la pizza que había solicitado cuando abandonó el edificio. Collins había ido a Milto´s Pizza & Pasta a lo largo de una avenida contigua y había hecho el pedido mientras continuaba tocando.
Diana Ross, hija de un miembro de raza blanca del ejército de Estados Unidos y una docente negra de Bessemer, Alabama, nació en Detroit, Michigan en 1944. Después, la familia se instaló durante un breve período en Alabama debido a que su madre estaba enferma.
La familia regresó a Detroit cuando Diana tenía 14 años de edad. Ross aspiró en su adolescencia convertirse en diseñadora de modas, por lo que se inscribió en el Cass Technical High School.
En 1959, con 15 años, se unió a sus vecinas Mary Wilson, Florence Ballard, y Betty McGlown para formar el cuarteto vocal conocido como The Primettes, quienes actuaban como teloneras de The Primes, más tarde llamados The Temptations.
En 1961 firmaron un contrato con la discográfica Motown Records, y Betty McGlown fue reemplazada por Barbara Martin. El grupo fue relanzado bajo el nombre de The Supremes. En 1962 Barbara abandonó el cuarteto, convirtiéndolo en un trío. El delegado de la discográfica, Berry Gordy, convirtió a Diana en la líder del conjunto musical. Entre agosto de 1964 y mayo de 1967, el trío consiguió que diez de sus sencillos llegaran al puesto #1 del Billboard Hot 100. Después, Gorby sustituyó a Florence Ballard por la vocalista de Patti LaBelle and the Bluebelles, Cindy Birdsong. Pronto, rebautizó al grupo como Diana Ross and the Supremes, para darle protagonismo tanto a la voz principal como al conjunto. Él ya lo había hecho con otras agrupaciones como Smokey Robinson & The Miracles, antes llamados The Miracles, y Martha Reeves & The Vandellas, antes conocidos como The Vels, por las mismas razones.
The Supremes, bajo el liderazgo de Diana Ross, consiguió doce grandes éxitos en EEUU, entre los que destacan "Where Did Our Love Go", "Baby Love", y "You Can’t Hurry Love". Así, se convirtieron en el segundo conjunto musical más exitoso de la década de 1960, después de The Beatles. En 1969, Diana decidió abandonar el grupo. Actuó por última vez como miembro del trío en enero de 1970 y su vacante fue cubierta por diversas cantantes.
En mayo de 1970, con el apoyo de los productores musicales Nickolas Ashford y Valerie Simpson, lanzó su primer disco en solitario, titulado “Diana Ross”. El primer sencillo de esta producción fue la canción gospel "Reach Out and Touch (Somebody's Hand)", la cual alcanzó la posición #20 del Billboard Hot 100. El segundo single fue un cover del tema "Ain't No Mountain High Enough", tuvo un éxito internacional, y este sería el primero lanzado en solitario en alcanzar el puesto #1 de las listas pop. Por "Ain't No Mountain High Enough" fue nominada al Premio Grammy por mejor vocalista pop.
En 1971, Motown lanzó un segundo álbum de Diana llamado “Everything Is Everything”.El primer sencillo del mismo, "I'm Still Waiting", fue todo un éxito, en especial en el Reino Unido, donde alcanzó el puesto #1 de las listas de popularidades. Varios meses después lanzó su tercer disco en solitario titulado “Surrender”. Ese mismo año tuvo su propio programa especial para la televisión, llamado “Diana!”. En él aparecieron como invitados The Jackson 5, Bill Cosby y Danny Thomas. A finales del mismo año, Motown anunció que produciría una película biográfica protagonizada por Ross, en la que retrataría a la cantante Billie Holiday.
En octubre de 1972 se estrenó, con un gran éxito, “Lady Sings the Blues”. Por su interpretación fue nominada al Óscar por mejor actriz, pero perdió contra su amiga Liza Minelli por su actuación en "Cabaret".Además, ganó el Globo de Oro como la nueva estrella del año y fue nominada como mejor actriz de drama. La banda sonora de la película llegó al puesto #1 del Billboard 200, y se mantuvo allí durante dos semanas consecutivas. La misma vendió en los primeros ocho días de su publicación alrededor de 300.000 copias.
En 1972, después de rodar “Lady Sings the Blues”, Ross grabó un álbum de jazz titulado “Blue”. Al año siguiente, publicó “Touch Me in the Morning”. El sencillo homónimo fue su segundo en alcanzar el puesto #1 de las listas de EEUU. A finales de 1973, la cantante lanzó un exitoso álbum junto a Marvin Gaye, llamado “Diana & Marvin”. De él se desprendieron los sencillos "My Mistake (Was to Love You)", que se situó en el Top 20 de EEUU, y "You Are Everything", que se situó en el Top 5 de Reino Unido.
En 1975, protagonizó la película “Mahogany”, junto a Billy Dee Williams . El director era Tony Richardson, pero luego fue sustituido por Berry Gordy. Con este último Diana no tuvo una buena relación, por lo que abandonó el rodaje antes de que culminara. El filme fue un éxito comercial, pero no recibió buenas críticas. De la banda sonora se desprendieron los singles "Do You Know Where You're Going To", que llegó al #1 de las listas pop, y el tema de música disco "Love Hangover". El éxito de estos sencillos ayudaron a la publicación del álbum “Diana Ross” (1976). En 1977 ganó el Premio Tony por el especial musical “An Evening with Diana Ross”, que luego fue televisado por la cadena NBC. En ese mismo año, Motown adquirió los derechos de la popular obra de Broadway “The Wiz” para poder llevarla a la pantalla grande. Diana interpretó el rol de Dorothy, y compartió escena con Lena Horne, Richard Pryor, Nipsey Russell, Ted Ross, y su amigo Michael Jackson. La película se estrenó en octubre de 1978, recibiendo críticas malas y fracasando en la taquilla. Sin embargo, la banda sonora de la misma, producida por Quincy Jones, vendió más de 850.000 copias. Esta sería la última producción cinematográfica de Motown.
Ross colaboró en la banda sonora de la película “Endless Love”, grabando el sencillo homónimo junto al cantautor Lionel Ritchie. Cuando esta canción llegó al puesto #1 de las listas de popularidades, Diana se convirtió en la primera cantante femenina en conseguir seis singles número uno en el Billboard Hot 100. Cuando su contrato de veinte años con Motown venció, firmó un contrato de $20 milllones de dólares con la disquera RCA Records.
Con RCA grabó varios sencillos exitosos como "Muscles" (1982), tema musical compuesto por Michael Jackson y nominado al Grammy, "So Close" (1983), "Pieces of Ice" (1983), "All of You" (1984), el cual llegó al puesto #1 de la lista dance, "Swept Away" (1984), "Missing You" (1985), "Eaten Alive" (1985), "Chain Reaction", el cual alcanzó la posición #1 de las listas de Reino Unido, y "We Are The World", que fue un éxito en todo el mundo. La canción "All of You" la interpretó a dúo junto a Julio Iglesias, que contribuyó a catapultar a Julio al éxito en el mercado anglosajón.
En 1989, Diana regresó a Motown. En 1993 publicó el disco “Christmas in Vienna”, que recogía un concierto de sabor navideño ofrecido por Diana con Plácido Domingo y José Carreras. En 1994, retomó su carrera de actriz al protagonizar el telefilme de la cadena ABC, “Out of Darkness”. Por su interpretación recibió su tercera nominación al Globo de Oro.En 1996 realizó una actuación especial en el Super Bowl XXX. En 1999, como solista, ella fue ubicada en el puesto 38 en la lista de VH1 “The 100 Greatest Women in Rock and Roll” mientras que The Supremes se colocaron en el número 6. En el mismo año, co-protagonizó otra película de televisión para la ABC, llamada “Double Platinum”, donde interpretó a una cantante que abandonó a su hija para concentrarse en su carrera.
En el nuevo milenio, volvió a reunir a las antiguas Supremes para actuar por EEUU. Sólo se realizaron 8 actuaciones debido al escaso éxito de las mismas. Ha participado como invitada en grabaciones de otros músicos y en varios programas de televisión.
Diana se sintió destrozada cuando supo que Michael había muerto.El 2 de julio de 2009 fue revelada la intención postuma de Michael Jackson de que la señora Diana Ross tuviera la custodia de sus hijos en caso que su madre de 79 años muriera o se viera impedida de ejerecerla.
John Birks Gillespie nació el 21 de octubre de 1917 en Cheraw, Carolina del Norte, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su aficiónpor el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge.
Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir "alocado"· Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke.
Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la atención de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del celebre club "Myntons Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que mas adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.
Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música dealto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y como no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical.
Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales mas reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca".
Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello "Debut". Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como embajador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.
Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz" formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 uninteresante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió el 6 de enero en 1993 en Englewood, New Jersey, y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop";"A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.
Nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle, Washington. Sus primeras influencias vinieron de Muddy Waters, B.B.King, Guitar Slim y Chuck Berry. Después de un tiempo en el ejército, entre 1959 y 1961, trabajó con el nombre de Jimmy James, convirtiéndose en un respetado acompañante, tocando detrás de artistas de soul y R&B como Little Richard, King Curtis y los Isley Brothers. En 1964 se trasladó a Nueva York y formó su propia banda, Jimmy James and Blue Flames, con la que tocaba sobre todo versiones de Jimmy Reed, Memphis Slim, Muddy Waters y Robert Johnson. Sobreviviendo a duras penas en la escena folk-blues del Greenwich Village, Hendrix llegó a ser un habitual del Café What. Durante un corto tiempo, tocó con el cantante y guitarrista de blues John Hammond, antes de ser abordado por Chas Chandler, el antiguo bajista de la banda inglesa de blues-rock, The Animals. Chandler invitó a Hendrix a trasladarse a Londres y formar un nuevo grupo, del que él sería el manager. Hendrix aceptó la oferta, marchó a Londres en 1966 y formó la Jimi Hendrix Experience con el batería Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding.
El álbum de debut de la Experience, “Are You Experienced ?”, incluía varios clásicos de Hendrix, como “Purple Haze”, “Manic Depresion” y “Foxy Lady”. Con este álbum, Hendrix presentó al mundo del rock su aterradora destreza con la guitarra, y procedió a redefinir los estándares a partir de los cuales los guitarristas serían juzgados.
Su legendaria actuación en el Monterey Pop Festival en 1967, en la cual quemó su guitarra en un orgiástico clímax, no hizo más que incrementar el aura que les rodeaba a él y a su banda.
“Are You Experienced ?”, fue una obra inicial que todavía figura como uno de los más grandes álbumes de debut en la historia del rock. En sus dos lanzamientos de 1968, “Axis: Bold as Love” y “Electric Ladyland”, continuó con su investigación de la psicodelia y la estratosfera sónica, sin dejar de mantener su relación con la base de blues.
La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
En 1969 disolvió la Experience. Después de tocar en el Festival de Woodstock formó la Band of Gypsies, con su viejo compañero de armas y bajista Billy Cox y el ex-batería de Electric Flag, Buddy Miles.
Hendrix había construido su propio estudio de grabación, Electric Ladyland, en el Greenwich Village, y grabó regularmente durante 1970. Siguiendo la dirección del jazz, tocó con los guitarristas John McLaughlin y Larry Coryell, planeando además, grabar con el trompetista Miles Davis. Después de actuar en el Festival de la Isla de Wight, a finales del verano de 1970, Hendrix fue a Londres. Allí, el 18 de Septiembre, murió mientras dormía, ahogado en su propio vómito, después de haber ingerido una fuerte dosis de barbitúricos.
A pesar de que Jimi Hendrix será recordado como el más innovador y revolucionario guitarrista de rock, tenía los instintos naturales de un bluesman y, de hecho, construyó gran parte de su repertorio inicial a partir del blues.
En directo, Hendrix tocaba abundante blues y sus actuaciones estaban casi siempre llenas de extensas improvisaciones, basadas en desarrollos de acordes de blues, como se escucha en joyas como, “Red House” y “California Night”.
Parte de lo que Hendrix hizo con los efectos volumen y distorsión, fue ampliar los estilos de los guitarristas de blues, Pat Hare y Guitar Slim. Con sus estridentes solos, Hendrix rompió en pedazos las tradiciones del rock y el blues, marcando la longitud y la capacidad en la que los solos debían ser ejecutados.
Derribó las barreras entre el rock y el blues de manera que sus ideas guitarrísticas fluían libremente de un idioma a otro. Su influencia puede oírse en el estilo de guitarra de Magic Sam, Buddy Guy y, más recientemente en Stevie Ray Vaughan.
Jimi Hendrix murió a la edad de 27 años y, fue incluido en el Rock&Roll Hall of Fame en 1992.
Sam Cooke es uno de los pioneros de la música soul y una de las grandes influencias del pop, el rhythm and blues y el neo soul.
Algunos lo consideran “Rey del Soul” (título que comparte con Otis Redding), por el hecho de que tuviera casi la treintena de hits entre 1957 y 1965. Es uno de los padres del soul.
Fue el primer cantante negro en fundar su propia discográfica, siendo también un gran activista dentro del Movimiento por los Derechos Civiles. A su vez fue uno de los cantantes de su época con una mayor audiencia blanca.
Sam Cooke nació el 31 de enero en Clarksdale ,Mississippi, siendo uno de los ocho hijos de Annie Mae y el Reverendo Charles Cook, el cual era ministro de la iglesia evangélica. En 1933 toda la familia se trasladó hasta Chicago.
En su infancia comenzó su carrera musical dentro de un cuarteto junto a sus hermanos, llamado The Singing Children, pasando más tarde, ya en su juventud, a formar parte del grupo de gospel Highway QCs. En 1950, con tan sólo 19 años, entró como miembro de The Soul Stirrers, ganando gran fama dentro de las audiencias del gospel.
Su primer éxito dentro de la música popular llegó con “Lovable” en 1956, editado bajo el alias de Dale Cooke, para no perder así audiencia gospel, pues este público era reticente que los cantantes interpretasen música profana. Pero el alias no logró esconder la distintiva voz de Cooke. Art Rupe, uno de los máximos dirigentes de Specialty Records, discográfica con la que grababan The Soul Stirrers, le incitó para que comenzara a grabar música secular bajó su nombre. En un principio Art Rupe quería hacer para Sam un sonido similar al de otros artistas del sello, como Little Richard. Pero esta idea cambió cuando un día Rupe entró a los estudios y escuchó a Cooke haciendo una versión propia de un tema de Gershwin. Art Rupe no estaba en sintonía con la música que Sam y su productor Bumps Blackwell querían hacer, por lo que se marcharon de la discográfica; firmando en 1957 con Keen Records. Su primera grabación fue “You send me”, que se mantuvo durante seis semanas en el número uno de Billboard de R&B, y durante tres en el de pop.
Con el gran éxito cosechado y la fama ganada gracias al escribir sus propios temas, algo no muy usual en un cantante de R&B de su época, pudo continuar su éxito en los '60, incluso llegando a fundar su propia discográfica, SAR Records, en la cual pronto comenzaron a grabar The Simms Twins, The Valentinos, Bobby Womack y Johnnie Taylor. Más tarde creó una empresa de managers, y abandonó su discográfica para firmar con RCA Victor. Uno de sus primeros éxitos dentro de este sello fue “Chain Gang”, el cual rozó el segundo puesto de las listas de pop. A este le siguieron hits como “Sad Mood”, “Bring it on Home to Me” (con Lou Rawls en los coros), “Another Saturday Night” y “Twistin the Night Away”. En 1963 grabó el álbum “Night beat” con un aire que se decinaba en cierta forma hacia el blues. En este tiempo ya había dado a la música muchos temas indispensables dentro del género.
Cooke murió con 33 años en unas extrañas circunstancias el 11 de diciembre de 1964 en Los Ángeles (California). A pesar de que el caso está aún sin aclarar una hipótesis es que el marido de una mujer de la que era amante le pegó varios tiros a la salida de un hotel.
Otra hipótesis es que Bertha Franklin (dueña del Hacienda Motel) le disparó para protegerse a sí misma. Fue absuelta pues se tomó como homicidio justificado. Sam Cooke fue enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale, California.
Tras su muerte surgieron grabaciones como “A Change is Gonna Come”, una de las primeras canciones protesta, y la cual está considerada como una de sus mejores composiciones.
Tras la muerte de Cooke, su viuda Barbara Cooke, se casó con Bobby Womack, y más tarde su hijastra Linda lo haría con el hermano de este, Cecil Womack.
En 1986 pasó a ser miembro del Salón de la Fama del Rock, siendo así ratificado como uno de los músicos más influeyentes de la música moderna.
La estrella Rod Stewart siempre afirmó que Cooke influyó muchísimo en su música y en su persona, es más, lo homenajeó en 1995 con la canción "Sam, Muddy & Ottis".
Theodore Walter "Sonny" Rollinsnació el 7 de septiembre de 1930 en Nueva York, en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado porLouis Jordan, por aquel entonces muy popular.Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientesboopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantanteBabs Gonzales,con el selloCapitoly con el trombonista,Jay Jay JohnsonparaSavoy.Ese mismo año de 1948, el pianista,Bud Powell,le elegía para formar parte de un quinteto, junto al trompetista,FatsNavarro, que dejó para la posteridad los álbumes;"Bouncing With Bud"y"Dance of the Infidels"ambos paraBlue Note. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casaPrestigie, bajo el liderazgo deMiles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.
Con una progresiva maduración artística e instrumental,Sonny Rollins,grabaría en 1953 y 1954 al lado deThe Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, ArtFarmery especialmente, conMiles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado,Charlie Parker.En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como :"Óleo", "Airegin" y "Doxy".Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el bateríaMax Roach,que actuaba con un quinteto en el que estabaClifford Browna la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenorHarold Land, y su permanencia con el baterista, duró año y medio.
Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera:"Saxophone Colossus"(Prestige,1956)conTommy Flanaganal piano,Doug Watkinsal bajo yMax Roacha la batería. En ese disco está el tema:"St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por elcalipsouna herencia materna, y la obra maestra,"Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra conSonny Rollinsde jazzman deThelonious Monken el disco"Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba"Way Out West"(Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la"FreedomSuite"(Riverside, 1958).A pesar de su extraordinario éxito en los `50, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición deOrnette Colemany la eclosión deJohn Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.
Decidió tomarse un respiro de un par de años, donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino deWilliamsburg,que une Manhattan con Brooklyn. A su regreso grabó paraRCA,en enero de 1962, otro de sus grandes discos:"TheBridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue:Jim Halla la guitarra,Bob Cranshaw,al contrabajo yBen Rileya la batería. Al año siguiente graba con el maestroColemanHawkins,otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película"Alfie"protagonizada porMichael Cainey al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane, Elvin Jonesa la batería,Jimmy Garrisonal contrabajo, y Freddie Hubbarda la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz:"Broadway Run Down"(Impulse, 1966).
Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico.Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes.Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya octogenario,Sonny Rollins, es sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.
