WILSON PICKETT: Mr. Soulman.

A quién no se le han ido los pies escuchando temas como; "Mustang Sally" , " In The Midnight Hour" o "Land of 1000 Dances". Pués seguramente los habreís escuchado de la mano de Wilson Pickett, aunque en 1991 se popularizaron mucho gracias a las versiones que hicieron The Commitments, los cuales dejaron el listón muy alto.

Wilson Pickett nació el18 de marzo de 1941 en Prattville, Alabama. Desde pequeño ya es habitual oirle cantar en iglesias, reuniones familiares y posteriormente en las calles de Detroit, donde se mudó a los 15 años. Su carrera musical empieza al final de la década de los ´50 con un grupo local de gospel, The Violinaires. En 1959 entra en el grupo local The Falcons, junto a Eddie Floyd y Sir Mack Rice, otros dos grandes del soul; con ellos alcanzaría gran popularidad, ya que consiguieron incluir algunos de sus temas en las listas, alcanzando el número 6 en 1962 con "I Found Love".

Sus primeros éxitos en solitaio los consiguió en 1963 con, "If You Need Me" y "It´s Too Late", grabados con el sello discográfico Double L Records.

En 1964 firma contrato con la poderosa Atlantic Records, grabando, "In The Midnight Hour" junto al guitarrista Steve Cropper, tema que rapidamente encabezaría las listas de ventas, marcando el inicio de una época de esplendor para Pickett. Durante la década de los ´60 cosecharía otros grandes éxitos como, "634-5789", compuesto entre Eddie Floyd y Steve Cropper, "Land of 1000 Dances" del mítico , Fats Domino, "Mustang Sally" escrita por Sir Mack Rice, o "Funky Broadway", estupenda revisitación del tema de los Dyke & The Blazers. Picket incluso hizo una estupenda versión junto a Duane Allman (de los Allman Brothers) de "Hey Jude" de los Beatles, y logró gran éxito con un clásico de los Archies, "Sugar Sugar".

La década de los ´70 da paso a nuevas generaciones y nuevos estilos, dejando un poco de lado a los pioneros. En 1971 graba el que sería su último éxito con Atlantic Records, "Don´t Knock My Love" que llegaría al número 1 de las listas.

A partir de ese momento, las grabaciones de Wilson no tuvieron gran repercusión, eso sí, no dejó de actuar en ningún momento, muchas veces con el denominado The Soul Clan, junto a Joe Tex, Ben E. King, Don Covay y Solomom Burke, en lo que sería un revival de aquellas estrellas de los ´60.

En 1993 fue condenado a prisión por atropellar a un anciano de 86 años. Wilson conducía en estado de embriaguez. También tuvo varias denuncias por posesión y consumo de drogas.

Wilson Pickett falleció el 19 de enero de 2006 a causa de un paro cardíaco.

Aqui os dejo los videos de "Land of 1000 Dances" y "In The Midnight Hour" para que los disfruteís y os traigan buenos recuerdos.

http://www.youtube.com/watch?v=Kk4Uwge4DzQ

http://www.youtube.com/watch?v=JHBCf5ioge0

Larga Vida al Soul.

LOUIS ARMSTRONG: La Trompeta de mi Abuelo.

Louis Armstrong nació el 4 de julio de 1900 en New Orleans, en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de la ciudad, su influencia musical estubo marcada por las grandes bandas de New Orleans que desfilan habitualmente por las calles de la ciudad (siempre se ha dicho que New Orleans fué la cuna del jazz). Su iniciación musical tuvo lugar en la banda de un reformatorio, en el cuál estubo recluido en varias ocasiones y donde aprendió a tocar la corneta.

En 1914 sale del reformatorio y empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde se encuentran todos los locales nocturnos de la ciudad y donde conoce al cornetista Joe King Oliver, quién se convierte en su mentor.

Durante un par de años estubo tocando en varias orquestas de New Orleans, incluidas esas que actuaban en los buques de vapor que recorrían el Mississippi.

En 1922 se incorpora a la - Creole Jazz Band -, considerada como la mejor banda de swing de los años ´20, banda que King Oliver había montado en Chicago, y es aquí donde empieza a incrementar su popularidad. Trás unas grabaciones, su personal estilo llega a los oidos de Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quién le contrata para que entre en su banda, y es aquí donde cambia la corneta por la trompeta para armonizar mejor con el resto de la banda.

Entre 1925 y 1928 crea los Hot Five y los Hot Seven. Es en esta etapa donde se puede apreciar el mejor sonido trompetistico de Louis Armstrong y donde grabaría varios éxitos como; "Potato Head Blues", "Muggles" (una referencia a la marihuana, la cuál tendía a consumir desde siempre) y "West End Blues", los cuales se convertirían en la base de todo el jazz que hoy conocemos.

La aparición en 1926 de "Heebie Jeebies" nos muestra un estilo vocal innovador, el "scatting", el cuál Louis Armstrong haría popular, se trataba de solos instrumentales cantando mediante sonidos o palabras sin ningún sentido, se dice, que Armstrong desarrollo esta técnica a partir de una actuación en la que se le cayeron las partituras, y como no... había que improvisar.

En 1932 visita Europa por primera vez, consiguiendo un éxito asombroso en París, vuelve en 1934 y Hollywood le ofrece la oportunidad de aparecer en varias películas de la época.

A mediados de los años ´40 forma los All Stars, banda con la cuál seguiría hasta el final de su carrera. Grabó innumerables discos, ofreció magnificos conciertos, y el mundo entero se enamoró de esa voz grave y rota que acompañaba a la sonrisa más auténtica del jazz.

En 1964, Armstrong desbancó a los Beatles de lo alto del top 100 de la revista Billboard con "Hello Dolly", que proporcionó al intérprete de 64 años un récord en EEUU, al ser el artista de mayor edad en conseguir un número uno. En 1968 copó las listas británicas durante un mes con "What a Wonderful World".

Louis Armstrong falleció dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el 6 de Julio de 1971.

Aquí os dejo un par de videos "What a Wonderful World" y "Hello Dolly".

http://www.youtube.com/watch?v=vnRqYMTpXHc

http://www.youtube.com/watch?v=kmfeKUNDDYs

Larga Vida al Jazz.

BESSIE SMITH: La Emperatriz del Blues.

Recopilando información sobre Bessie Smith, me he encontrado con un artículo publicado por el director de la revista Bluespain, el Sr. Ramón del Soto, la verdad es que me ha dejado fascinado, así que voy a reproducirlo en este rincón, espero no ser acusado de plajio, ya que indico cuál es el origen de la información,sólo quiero difundir esta información para poder llegar al máximo número de lectores posible. Creo que vale la pena conocer la huella que ha dejado Bessie Smith en la historia del blues.

La fecha de nacimiento de Bessie Smith es incierta, ni ella misma podía determinarla con claridad. Las partidas de nacimiento no eran muy habituales entre los negros de Chattanooga, Tennesse, entre 1895 y 1900; en todo caso sus primeros años transcurren en una situación de miseria económica. Aprendió a cantar escuchando a los músicos callejeros, con los que en busca de dinero, recorría las calles de su ciudad a la edad de siete años. En esas épocas sin escolarización, sin recursos económicos y con alimento escaso, Bessie destacó por una poderosa voz de contraalto y una extremada facilidad para hacer suyos todos los blues que cantaba. Esa cualidad se mantiene todavía, no importa el autor ni importa quién lo hizo antes, si Bessie lo cantó, es suyo.

Cuando contaba nueve años, una mujer negra y bien vestida se acercó a ella mientras estaba cantando en la calle; Ma Rainey era una de las conocidas cantantes de blues y una estrella en el circuito de la música para negros. Esa misma mañana había estado actuando en Chattanooga con la T.O.B.A. (Theater Owners Booking Association, que los negros preferían llamar "Tough On Black Asses" ; "Duro con los Culos Negros"). Ma Rainey no tuvo muchos problemas en convencer a la familia de Bessie para incorporarla a su gira, al fín y al cabo era una boca menos que alimentar. Se cuenta que Rainey enseñó a la joven los trucos del oficio, como cargar de fuerza y significado cada palabra; la manera de lograr que cada frase cuente tu propia historia. "Una canción es como una escalera que has subido muchas veces-solía decir-. Sólo tienes que poner el pié en el primer peldaño y dejar que tu alma cante". Estas primeras giras dieron a Bessie un aprendizaje excelente pero le aportaron muy poco dinero.

A los 17 años, en un pequeño club de Selma, Alabama; Frank Walker, el que sería su productor y consejero, escuchó cantar a Bessie Smith; "¿Has pensado en ir a Nueva York?"- le preguntó; "He pensado en muchas cosas, pero hacerlas es bastante más difícil" . Años más tarde, Walker la mandó llamar para una sesión de grabación con Columbia; Walker relataría el suceso como "la experiencia musical más importante de mi vida, nunca había oído nada como el aire tormentoso que aportaba a la música de su gente. Ella era el significado del blues".

Parece haber indicios de grabaciones anteriores; el propio Thomas Edison, inventor del fonógrafo, grabó una canción de Bessie en 1921, descartándola por no parecerle lo suficientemente comercial y algunas noticias de los periódicos locales de la época aportan datos de discos que nunca han sido encontrados, pero esa tarde de febrero de 1923, cuando los técnicos de Columbia grabaron "Down Hearted Blues", el mundo del jazz y del blues no volverían a ser el mismo. En un principio, sólo Walker y el pianista Clarence Williams creyeron en una joven promesa que llegó a Nueva York; "alta, gorda ymortalmente asustada", ella misma opinaba que su voz sería demasiado áspera para esa gente del norte". Seis meses más tarde había vendido 780.000 copias de su disco, salvando a la compañía de una casi segura bancarrota. Bessie Smith grabaría siempre en Nueva York, 160 canciones que constituyen todo un legado cultural.

Los años que vinieron luego fueron los de mayor esplendor que una artista negra había conocido jamás hasta entonces. Las ventas de sus discos y el éxito de sus giras le reportaron ingresos millonarios que fueron mal administrados. La bebida y una turbulenta vida sexual que incluía tanto a hombres como a mujeres se llevaron la mayor parte. Los músicos la adoraban, grabó con Louis Armstrong, Fletcher Henderson, James P. Johnson, Coleman Hawkins, Benny Goodman ... Se cuenta que en Chicago, el gran Bix Beiderbecke arrojó al suelo la paga de una semana para que no dejase de cantar. Jamás olvidó sus orígenes humildes y construyó un asilo para indigentes. Nunca quiso utilizar micrófonos y en una sola de sus sesiones de grabación utilizó batería, se cuenta que ella misma marcaba el tempo a los músicos, forzándoles a subirlo o bajarlo con un dominio total de la situación y la ventaja de una voz privilegiada.

Hacia 1929 volvieron los tiempos difíciles. Premonitoriamente grabó una versión de "Nobody Knows You When You´re Down and Out" . Los excesos de su carácter y su afición a la bebida habían creado una gran desconfianza entre los propietarios de locales y teatros que nunca podían asegurarse de que Bessie estuviese presente el día del concierto. Por otro lado, la depresión de la bolsa que afectó extraordinariamente al negocio discográfico, redujo sus ingresos; los gastos continuaron. Su carácter oscilaba por momentos entre la más absoluta vulnerabilidad y ternura a crisis de desesperada violencia cuando no podía conseguir lo que quería en un momento determinado, fuese alcohol, hombres o mujeres. Su generosidad era una constante; nadie que acudiese a ella solicitando ayuda, ficticia o real, volvía con los bolsillos vacíos: Walker, su productor consiguió que ahorrase lo suficiente para comprar una casa. Poco después se produjo el reemplazo en la producción de Walker por su marido; Jack Gee, un policía de Filadelfia más aficionado al dinero fácil que a los negocios artísticos, con el que mantuvo una relación en la que el amor y el odio se mezclaban a partes iguales. Aunque Jack figure como autor de algunas composiciones grabadas en esa época, su falta de conocimientos y de interés por la música, evidencian que estas atribuciones fueron un regalo más de Bessie. Las cosas empeoraron notablemente y Bessie volvió a actuar en pequeños clubs sureños. Su última grabación tuvo lugar el 24 de Noviembre de 1933.

Tanto en los discos de su última etapa como en la película de Dudley Murphy (en 1929 Dudley Murphy dirigió "St. Louis Blues" con Bessie Smith y la orquesta de Fletcher Henderson, un cortometraje que sería el único documento cinematográfico de la cantante), su voz ha ganado en profundidad y fuerza; más que nunca canta como siente, sin técnicas ni artificios. Los años de decadencia personal imprimen a su música una emotividad que no pueden dar en ningún conservatorio.

En la madrugada del domingo 26 de Septiembre de 1937, en una carretera local del estado de Mississippi, su automóvil se empotró en la trasera de un camión; su cuerpo quedó destrozado,con el brazo derecho prácticamente separado del tronco. A partir de aquí circulan varias versiones; según una, Bessie se desangró por que los hospitales más cercanos no admitían pacientes negros; otra dice que murió en la sala de espera de un hospital y la tercera afirma que murió en el hospital para negros G.T.Thomas, de Clarksdale, al poco tiempo de ingresar. De cualquier manera murió demasiado pronto.

Bessie Smith cambió el panorama musical que vino detrás de ella. El mundo del blues, tan dado a este tipo de sobrenombres, cuenta con una buena cantidad de "reinas" en su catálogo; pero el título de "Emperatriz" está reservado a una sola persona. Los ingresos que las grabaciones de Bessie y otras grandes del clasic blues aportaron a Columbia y otras discográficas, animaron a estas a interesarse por la música negra y abrieron la puerta a la siguiente generación en la cuál, pasada la época glamurosa de los espéctaculos de vaudeville, proliferarían los cantantes de blues rural en las grabaciones destinadas a un público de color. La mejor y más documentada biografía de Bessie Smith es la escrita por Chris Albertson en 1973. Columbia ha reeditado todas sus grabaciones y algunas tomas alternativas están disponibles en el sello británico Frog.

El jazz no sería lo mismo sin Billy Holiday, otra artista cuya vida presenta paralelismos con la de Bessie. La propia Billie se consideró siempre como una admiradora y discípula de su estilo. En la era del pop su influencia seguía vigente; otra vocalista de biografía azarosa; Janis Joplin dijo,- "Bessie me mostró el aire y me enseñó como llenarlo" - reconoció su deuda con la emperatriz cuando, en 1970, poco antes de su propia muerte compró la lápida que hasta entonces la tumba de Bessie no había tenido, y grabó en ella, "La Cantante de Blues Más Grande del Mundo Jamás Dejará de Cantar"

Aquí os dejo un enlace donde podreís ver una escena de la película "St. Louis Blues".. y otro con el tema "Nobody Knows You When You´re Down and Out"..

Deliciosos !!!

http://www.youtube.com/watch?v=8Who6fTHJ34

http://www.youtube.com/watch?v=6MzU8xM99Uo

Larga Vida al Blues...

JOHNNY WINTER: Un Albino en mi Ascensor.

Go, Gooo, Go, Johnny Go, Go, Gooo, Johnny be Good !!! La primera vez que escuché esta versión, me quedé impresionado, y aún más cuando vi la pinta que tenía el colega, quién era ese tipo tan raro que daba tanta caña con su guitarra?. Este texano albino, es quizás uno de los guitarristas más cañeros que ha pisado los escenarios, creando una mezcla explosiva de blues/rock.

Johnny Winter nació en Beaumont, Texas, el 23 de Febrero de 1944. Tuvo sus primeros contactos con la música a la edad de 4 años,tocando el clarinete, instrumento que manejó hasta los 8 años, cuando tuvo que dejarlo por problemas de ortodoncia provocados por el instrumento. Fué entonces cuando empezó a tocar el ukelele de su padre, hasta los 11 años, cuando este le convenció para que se dedicara a la guitarra. Mamando blues desde las emisoras de radio y los discos que poco a poco iba adquiriendo. A los 14 años formó su primera banda junto a su hermano Edgar, -Johnny and The Jammers- con la cuál se dedicó a buscar un hueco en el circuito blusero, recorriendo garitos en los cuales los blancos no eran muy bien recibidos, Winter nunca tuvo ningún problema, quizás por ser albino, y eso le hacía diferente. En esta época llegó a realizar algunas grabaciones a nivel regional.

No fué hasta 1968, gracias a un articulo publicado en la revista "Rolling Stone", que consiguiera un contrato en un club neoyorquino y la grabación de su primer disco oficial con el sello Columbia, "Johnny Winter" en 1969. En el festival de -Woodstock- de ese mismo año ya era un guitarrista venerado por su electrificante blues/rock.

En la década de los ´70, sus discos estaban más orientados al blues; En esta época sufrió una fuerte adicción a la heroina de la que saldría rapidamente; al final de la década produjo los 3 últimos discos de Muddy Waters.

Trás un paréntesis, en 1984 entra a formar parte de la plantilla de -Alligator Records-, con quienes grabaría 3 discos, obteniendo una nominación a los Grammy ,nominación que se repetiría en 1991 con el álbum "Let Me In" y en 1992 con "Hey, Where´s Your Brother?". Sin dejar las giras ni las actuaciones en clubs, no será hasta pasados 8 años, en 2004, que vuelve a los estudios de grabación para editar "I´m a Bluesman", con el que logró de nuevo una excelente crítica y otra nominación a los Grammy . Ultimamente, debido a problemas de salud, se ha visto obligado a realizar sus actuaciones sentado.

Aquí os dejo 3 enlaces de sus actuaciones, en las 2 primeras disfrutareís del propio estilo de Johnny Winter con "Messin´with the Kid" y "Walkin´by My Self", y la tercera es una colaboración con Muddy Waters, "Walking Thru the Park"

. A disfrutarlo !!!

http://www.youtube.com/watch?v=q9aFHQG7w5E

http://www.youtube.com/watch?v=ZyxsH1ybEuA

http://www.youtube.com/watch?v=-BHE8BHnjus

Larga Vida al Blues.

ROBERT JOHNSON: Trapicheando con el Diablo.

Robert Johnson es, sin duda, el más legendario de todos los bluesmen, y el que más ha influido en la carrera de músicos de la talla de; Eric Clapton, Ry Cooder, Jimi Hendrix, Muddy Waters o Keith Richards, por citar tan sólo unos ejemplos. Por esa razón creo que se merece un puesto de honor entre los precursores del Rock´n´Roll.
Se conoce muy poco de su vida, se sabe que nació en Memphis en 1911, y que a los 16 años empezó a trabajar en una plantación de algodón. Utilizó varios nombres, como; Robert Sax y Robert Spencer, hasta que su madre le confiesa el verdadero apellido de su padre, Johnson. Pronto aprende a tocar la guitarra y la armónica y se codea con los bluesmen más significativos de la época, Willie Brown, Charley Patton y sobre todo Son House, quién se convierte en una de sus mayores influencias.
El relato de su vida podría calificarse como un auténtico blues, su mujer fallece durante el parto de su hijo. De caracter amargado y violento pronto se convierte en alcohólico. Se gana la vida tocando en pequeños locales, en compañía muchas veces de Sonny Boy Williamson, Howlin´Wolf y Johnny Shinnes, quién dijo una vez; "Johnson era un tipo inquieto y aventurero, si veía pasar un tren, era incapaz de no subir a él, agarraba su guitarra, y sencillamente se colaba en el primer vagón que pasaba".
Ese carácter aventurero, unido a su afición de usar nombres falsos, hace muy dificil trazar con exactitud su biografía.
En su vida han sido más abundantes las leyendas, por ejemplo: Se dice que vendió su alma al diablo en un cruce de caminos de clarksdale (entre la 49 y la 61, vease foto superior), para así convertirse en un virtuoso de la guitarra.
Al parecer, en un principio se le daba bien tocar la armónica, aunque con la guitarra dejaba mucho que desear, y justo después de la muerte de su mujer en 1930, Johnson desapareció del mapa durante una buena temporada. De forma sorprendente apareció de nuevo junto a Willie Brown y Son House, comenzando a tocar la guitarra de forma asombrosa y maravillando con su slide a los grandes bluesmen. Son House decía que era increible el progreso técnico, la ligereza con que deslizaba sus dedos por las cuerdas y la profundidad emocional que había alcanzado en tan poco tiempo.
Entre 1936 y 1937 grabó los 29 temas de que se compone su discografía, tales como; "Sweet Home Chicago" , "Preachin´Blues" , "Come on My Kitchen" , "Ramblin on My Mind" , "Me and The Devil Blues" o "Crossroads" , que son el germen del blues actual.
La primera vez que Keith Richards escuchó una grabación de Robert Johnson, preguntó quién era el segundo guitarrista, el que acompañaba a Johnson, su sorpresa fué enorme al enterarse que Robert Johnson nunca tuvo ninguna colaboración en sus grabaciones.
La tragedia golpearía a Johnson cuando en el més de agosto de 1938, actuaba junto a "Honey Boy" Edwards en un local de Greenwood, Mississippi, y según cuenta la leyenda; Johnson se había ligado a una guapa joven que resultó que estaba casada. El cornudo marido terminó envenenando aquella noche el whisky de Robert. Ninguno de sus amigos podía pagar un médico, así que Johnson agonizó durante 3 dias hasta morir.
Los únicos documentos graficos que existen de Robert Johnson son 3 ó 4 fotografías.
Aquí os dejo un par de enlaces para poder escucharlo, tener en cuenta que son grabaciones de los años ´30, pero seguro que las asociaís con temas de nuestros días.

http://www.youtube.com/watch?v=Yd60nI4sa9A

http://www.youtube.com/watch?v=dkftesK2dck

Larga Vida al Blues.

ELLA FITZGERALD: Un Altar en el Olimpo.

Dejar qué me desaga en elogios hacia la diva más grande de la canción. Ella Fitzgerald, es sin duda la voz más polifacética y hermosa qué ha existido, lo afirma la história y yo no miento. Los momentos en qué escucho sus canciones, los considero simplemente mágicos, ya sea acompañada de grandes bandas, con los clásicos trios de jazz (contrabajo, batería y piano), en baladas, blues, bossa-nova o canciones de Navidad, su swing y su vitalidad los considero insuperables.

Ella Fitzgerald nació el 25 de Abril de 1917 en Newport New, Virginia, iniciando su carrera musical a los 16 años, cuando participó en un célebre concurso en el Theatre Apollo de Harlem, dejando atónitos a todos los asistentes, llevándose el primer prémio, y teniendo la suerte qué entre el público se encontraba Benny Carter, saxofonista y arreglista, gracias al cuál consigue entrar como cantante habitual en la orquesta del batería Chick Webb, hasta la muerte de este en 1939, momento en qué Ella toma las riendas de la big band y la convierte en "La Gran Orquesta de Ella Fitzgerald". Péro parece ser qué se sentía demasiado atada actuando y dirigiendo cada noche la misma orquesta, y en 1942 decide disolver la formación. Conoce a Louis Armstrong, con quién grabará unos discos, actúa con los más grandes instrumentistas del jazz por todo el mundo, y se la reconoce como "First Lady of Song" (Primera Dama de la Canción). Colabora en varias grabaciones con las orquestas de Duke Ellington y Count Basie, y con tríos jazzísticos como Oscar Peterson, Tommy Flanagan o Jimmy Rowles.

Visitó España varias veces, la última en 1983, en el Festival de Jazz de Vitoria, con 66 años demostró una maestría y un buen saber estar insuperables.

Ella Fitzgerald falleció el 15 de Junio de 1996 trás una larga enfermedad. Gracias a la documentación gráfica qué existe, podemos disfrutar de alguna de las actuaciones de esta diosa. Y como dijo Duke Ellington " Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría".

Entre su discografía cabe destacar:

- "Ella Fitzgerald and Duke Ellington - Song Book" (1957)

- "Ella in Roma" (1958) - Con Oscar Peterson.

- "Ella in Berlin" (1960) - Con una versión de "Mack the Knife" que corta la respiración.

- "Ella and Louis" (1956) - Junto a Louis Armstrong.

Aquí os dejo dos enlaces, el primero es la interpretación de "Mack the Knife" y el segundo "Cheek to Cheek" junto a Louis Armstrong. A disfrutarlo !!!

http://www.youtube.com/watch?v=hRyDB4RWJdw

http://www.youtube.com/watch?v=NBF67r1LnhE

Larga Vida al Jazz.

JOHN MAYALL: Blues Blanco, Corazón Negro.

Así es como definiría a este gran músico, maestro de maestros. John Mayall nació el 29 de Noviembre de 1933 en Macclesfield, un pequeño pueblo inglés cercano a Manchester.

Su infancia estuvo muy influenciada por el jazz y el blues de Chicago. A los 13 años se convirtió en autodidacta del piano de su vecino, de guitarras prestadas y de harmónicas de segunda mano.

No fué hasta 1963 cuando Mayall se dedicó a la música completa y profesionalmente, liderando los "Bluesbreakers" , una banda por la que han pasado grandes figuras del blues-rock, como Eric Clapton, recién salido de "The Yardbirds" , se unió a Mayall para posteriormente formar "Cream" , a Clapton le sustituyó Peter Green, que junto a John McVie y Mick Fleetwood formarian "Fleetwood Mac" , Andy Fraser, que más tarde formó "Free" y Mick Taylor que se unió a los " Rolling Stones" . Y como Eric Clapton afirmó: "John Mayall ha dirigido una escuela de músicos realmente increible".

John Mayall fué uno de los pilares fundamentales y pionero de lo que se denominó "Blues Boom Británico" de finales de los ´60, gracias a esto el blues atravesó fronteras y llegó a Europa, resurgiendo de una etapa que dejó casi en el olvido a los bluesmen en EEUU, ya que los jovenes negros no se identificaban con este estilo que había nacido durante la esclavitud de sus antepasados, y estaban en una época de lucha por la igualdad de derechos.

John Mayal obtuvo un disco de oro en 1969 por el álbum "The Turning Point".

En la década de los ´70 fué reverenciado por sus innovaciones jazz/blues/rock. También acompañó a los grandes del blues como, John Lee Hooker, T-Bone Walker y Sonny Boy Williamson en sus primeras giras por clubs ingleses.

En 1982, vuelve a formar los "Bluesbreakers" con Mick Taylor y John McVie para grabar un concierto titulado "Blues Alive" , junto a ellos tocaron, Albert King, Buddy Guy, Junior Wells, Etta James y Sippie Wallace, entre otros.

Su discografía cuenta con más de 50 álbums, entre los que quiero destacar:

- "Bluesbreakers with Eric Clapton" (1966)

- "Jazz Blues Fusion" (1972)

- "Blues for the Lost Days" (1997)

- "Padlock on the Blues" (1999)

- "70th Birthday Concert" (2003) - Un excelente directo, donde a sus 70 años, nos demuestra una gran vitalidad y enormes ganas de seguir manteniendo vivo el blues.

Aquí os dejo un par de videos de sus actuaciones, interprtando "Hideaway" , todo un himno, y "All Your Love"

, un clásico del blues, sin desperdicio.

http://www.youtube.com/watch?v=xwGL5LDb4u8

http://www.youtube.com/watch?v=nFh3hK6Cy9c

Larga Vida al Blues.

BB KING: Cada día tengo un Blues.

B.B.King es, posiblemente, uno de los más grandes del Blues, o por lo menos de los que más se lo ha currado. Nacido en Indianola, Mississippi, en 1925, se pasó la infancia recogiendo algodón en una plantación. Su primo, Bukka White (otro gran bluesman de la época) fué quién le enseñó tocar la guitarra. A los 25 años entró a trabajar como disc-jockey en la emisora de radio que Sonny Boy Williamson II tenía en Memphis, donde presentaba los nuevos discos de blues, y de paso, promocionaba su música. Su verdadero nombre es Riley Ben King, pero durante su etapa de disc-jockey se convirtió en Blues Boy (B.B.) King.
Decía que es uno de los que más se lo ha currado por qué lleva más de 60 años pisando escenarios, platos de TV, emisoras de radio etc..., ha llegado a dar más de 300 conciertos en un mismo año, y eso cuando contaba con 60 o 65 años de edad, decirme si eso no es currarselo, aúnque todo tiene su explicación: Parece ser que B.B.King ha sido bastante mujeriego, y tiene mucha familia que mantener, se le cuentan hasta 15 hijos.
"Lucille" es el nombre de la guitarra más famosa de B.B.King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas en la que se produjo una pelea entre dos hombres, a causa de la cuál se originó un incendio en el local que obligó a desalojarlo. B.B.King se dió cuenta de que se había dejado su guitarra y entró a rescatarla, estando a punto de perder la vida. Cuando se enteró que la pelea se había originado a causa de una mujer, le puso a su guitarra el nombre de esta "Lucille".
Gran compositor y vocalista, aúnque menos virtuoso con la guitarra,muchos de sus temas se han convertido en auténticos himnos del blues. Cabe destacar:
- "Three O´clock Blues" (1951)
- "Every Day I Have the Blues" (1955)
- "Sweet Little Angel" (1956)
- "Rock Me Baby" (1964)
Entre su extensa disografía voy a destacar aquellos álbums en los que han colaborado los grandes del blues y el rock:
- "Blues Summit" (1993) - Donde participan: Ruth Brown, Robert Cray, Albert Collins, Lowell Fulson, Buddy Guy, John Lee Hooker, Etta James, Koko Taylor, Irma Thomas, Joe Louis Walker y Katie webster. Todos ellos, destacadas figuras del blues.
- "Deuces Wild" (1997) - Con, Van Morrison, Tracy Chapman, Bonnie Raitt, Dr. John, Dionne Warwick, Paúl Carrack, Rolling Stones, Zucchero, Fleetwood Mac, Willie Nelson, etc...
- "Riding with the King" (2000) -Mano a mano con Eric Clapton. Un disco excepcional.
- "B.B.King & Friends" (2005) - Con, Van Morrison, Eric Clapton, Sheryll Crow, Mark Knopfler, Gloria Stefan, Roger Daltrey, Willie Nelson, Elton John, etc...

El 22 de Julio de 2004 colaboró con Raimundo Amador en la grabación del directo "Noches de Flamenco y Blues", del cuál os dejo un enlace para poder visionarlo.

http://www.youtube.com/watch?v=TgUGp8SwslI

Aquí os dejo otro enlace, donde podreís ver a B.B.King, Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmy Vaughan interpretando el tema "Rock Me Baby". No os lo perdaís !!!

http://www.youtube.com/watch?v=F4OXrmxDp44

Alabado sea el Blues.

ARETHA FRANKLIN: Te llevo en el Alma.

Quién no ha vibrado, bailado o sentido nostalgia alguna vez, escuchando a Aretha Franklin?. Desde luego, el título de Reina del Soúl se lo tiene más que merecido. Musicalmente, se inició de muy niña con el Gospel, llamada "La Música de Dios" , en contrapartida al Blues, que en los años ´30 y ´40 era conocida como "La Música del Diablo" , ya que sus letras eran provocadoras, e inducían a la lujuria y la mala vida, y una fusión de estos dos estilos fué lo que dió lugar al Soúl, "La Música con Alma". Como decía antes, todo el mundo ha disfrutado con su música, pero creo que al igual que yo, muchos de vosotros os habreís enamorado de la escena protagonizada junto a los Blues Brothers en "Granujas a Todo Ritmo", donde interpreta el tema "Think", a mi personalmente me robo el alma. 18 años más tarde pudimos verla de nuevo en "Blues Brothers 2000" , donde interpretó el tema "Respect", creo sinceramente que son imágenes que harán historia.

Aretha Franklin nació en Memphis el 25 de marzo de 1942 y creció en Detroit,pero su cuna y casa fue la iglesia Bautista de la que su padre era uno de los oradores más carismáticos, conocido como, "la voz del millón de dólares".Aretha comenzó a cantar en los sermones que ofrecía su padre, llamaba tanto la atención por su voz e interpretación que se convirtió en un fenómeno del gospel.

Con 14 años grabó su primer disco para el sello Checker; "The Gospel Soul of Aretha Franklin". Así empezaba una carrera que tomó forma cuando se mudó a Nueva York y firmó contrato con Columbia en 1960. Sin embargo, el sello no supo valorar el talento de Aretha, intentando convertirla en una cantante pop.

No fué, si no hasta que firmó con Atlantic Records y gracias al productor Jerry Wexler que se convirtió en la Aretha que todos conocemos.

La década de los ´60 fue la época más fuerte de su reinado, donde grabó éxitos como; "Respect", "Natural Woman", "Chain of Fools" o "Think".

Trás unos años grises, en 1980 tiene un relanzamiento al participar en la película "Blues Brothers", dándola a conocer a una nueva generación de jóvenes.

Posteriormente a este trabajo y trás firmar con Arista, produce dos nuevos discos, "Aretha" y "Love All The Hurt Away", con un gran éxito entre el público. A mediados de los ´80 colaboró con artistas como, Annie Lennox y George Michael, con los que se aupó en las listas de ventas. En 1987 obtuvo un Grammy como mejor cantante soul.

Su último trabajo, publicado en 2003, lleva el título de "So Damn Happy", y es un disco lleno de energía. Esta considerado por muchos como uno de los mejores en la carrera musical de Aretha Franklin.

Dentro de su larga discografía, me gustaría resaltar unos temas, que no siendo los más comerciales, son tan impactantes como estos.

- "On Our Way" y "Wholy Holy" , son dos temas Gospel con una marcha impresionante, vámos, de los que te hacen creer que Dios es negro, están incluidos en el álbum "Amazing Grace" editado en 1972.

- "Pullin´", "Money Won´t Change You", "The Weight" y "Come Back Baby". De estos últimos no tengo el título de los álbums en que estan incluidos, podeis escuchar alguna de ellas clickando en la carátula de Aretha Franklin que hay en la barra lateral. De todas maneras os dejo un enlace aquí abajo donde podreís ver una actuación de la Reina del Soúl en la entrega de los "Grammy" de 1980. Espero que os guste, al igual que espero vuestros comentarios.

Alabado sea el Soúl.

LA HERENCIA DEL BLUESMAN

Dicen que a rey muerto, rey puesto. "John Lee Hooker que estas en los cielos, santificado sea tu nombre". Trás su muerte en 2001, a la edad de 84 años, no ha dejado de verse su nombre en cualquier comentario de blues que se haga de valer, pero tampoco ha desaparecido de los escenarios, eso sí, bajo la figura de su hijo, John Lee Hooker Jr., dando un aire nuevo, y muy agradable a la evolución del blues, y si no, juzgarlo vosotros mismos con este videoclip, vale la pena. Dicen que incluso se ha echo un cómic de él, un bluesman que actúa en locales nocturnos y que lucha contra el crimen organizado.

Alabado sea el blues.

EN UN RINCON DE MI CABEZA.

Creo que siempre ha estado ahí, unas veces más oculto, otras más a flor de piel, me refiero, claro está, al Blues. Si no recuerdo mal, mi interés por este género despertó a principios de los años 80, provocado por los Blues Brothers, en su pelicula con el mismo título,(akí,"Granujas a todo ritmo") yo contaba apenas 17 ó 18 años, y hasta entonces sólo tenía oidos para el Hard Rock, con un seguimiento especial por la saga "Purple"(Deep Purple, Rainbow, Whitesnake, Ian Gillan Band), de lo cúal me siento muy orgulloso. Con Blues Brothers conocí nuevos estilos y me adentré en ellos. Hoy por Hoy, supongo que la edad también influye, creo que hay un momento para cada estilo de música. También he aprendido cuanto le debemos al blues, pilar fundamental de la música de nuestros días, y qué poco reconocimiento a tenido por ello. Con este rincón quiero dar un poco de tributo a la música negra que tanto nos ha aportado.