Nacido en Mississippi en 1893, su verdadero nombre era William Lee Conley Broonzy. Su primer instrumento fue el violín, antes de quedar atrapado por el sonido de la guitarra. Su labor musical y su trabajo en una granja de Arkansas quedaron interrumpidos ante la llamada a filas en 1918. Broonzy sirvió dos años en el ejercito, lo que hizo que Arkansas le pareciera un lugar poco atractivo después de conocer las ciudades de Europa. Probablemente llegó a Chicago con algo más de veinticinco años de edad, y allí perfeccionó su talento guitarrístico estudiando con Charlie Papa Jackson, que tocaba el banjo-guitarra de seis cuerdas en un arcaico estilo minstrel-ragtime. Broonzy debutó profesionalmente en 1926, “Down in The Basement Blues”, para la Paramount Records.
En 1930, grabó con los Famous Hokum Boys, un grupo del que era miembro el pianista Georgia Tom. A finales de los años 30 era el cantante de blues más popular de los Estados Unidos, gracias también, a sus grabaciones con los Memphis Five, un grupo que incluía, piano, trompeta y también saxo. Ocupa un lugar importantísimo en la historia del blues, de la que ha practicado todos los estilos, del más rural al más urbano y con una clara influencia country. Guitarrista veloz y saltarín, tocando estilo ragtime en la difícil clave de "DO". Acompañó a casi todos los grandes bluesmen de su generación y grabó centenares de títulos, compuestos por él en su mayoría, formó trío en sus grabaciones junto a Memphis Slim como pianista y Washboard Sam con su instrumento del que tomó nombre, el washboard (tabla de lavar la ropa, golpeada y rascada, con dedales colocados en los dedos de ambas manos).
Típico representante, al principio, del modernismo de Chicago, volverá gracias al blues revival de los años 50 y 60, a la formula solista de sus orígenes, aunque sus grabaciones ya no tenían el nivel vigoroso de sus Memphis Five ni el ragtime hokum que tocaba en los primeros tiempos de la Depresión. Lo mejor era su lado country, al que todavía era capaz de dar rienda suelta. Con su gira británica de 1951 logró difundir el blues tradicional entre el público europeo. Vivió varios años en Europa hasta su regreso a Chicago, ciudad convertida en la meca del rhythm and blues. Su autobiografía, Big Bill Blues, es un testimonio esencial. Cuando Broonzy murió en 1958, Memphis Minnie participó en un concierto conmemorativo, y eso que era una mujer dura, que incluso había golpeado a Broonzy en un concurso de cantantes de blues en los años 30.
Oscar Emmanuel Peterson nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal, Canadá.
Su infancia estuvo rodeada de música. Su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano y él se inicio en la trompeta a la edad de cinco años, hasta que una tuberculosis, detectada cuando tenía siete años, le aconsejó dejar los instrumentos de viento, y a partir de ahí estudió el piano de Teddy Wilson, su primera gran influencia. En 1939 su hermano mayor le convenció para que se presentara en un concurso para músicos aficionados que había convocado CBC (Canadian Broadcasting Corporation). Oscar venció sin discusión y dejó a todo el mundo sorprendido. El triunfo le sirvió, además, para conseguir un contrato para actuar semanalmente en la emisora de Montreal de esa cadena. El programa se radiaba todos los domingos con el nombre de “Fifteen Minutes`Piano Rambling”. El éxito local del programa hizo que la cadena decidiera incorporar el piano de Oscar en un reputado programa nacional, “The Happy Gang”.
En ese momento, y gracias al empuje de esos primeros éxitos radiofónicos, Oscar decidió dejar definitivamente la escuela para convertirse en músico de jazz de forma profesional.
Art Tatum, se cruzó en su camino y dada su memoria musical, pudo retener la complejidad de las piezas de Tatum y tener la capacidad de reproducirla con absoluta y notable fidelidad.
En 1944, se integró en la banda de Johnny Holmes, una de las mas celebres de Canadá. En 1949, mientras Norman Granz, viajaba en un taxi camino del aeropuerto de Montreal, le oyó casualmente y tras contactar con él le firmó un contrato para su famoso Jazz at the Philharmonic, un grupo itinerante que contaba sus actuaciones por todo el mundo por éxitos multitudinarios.
Oscar Peterson, debutó con el JATP, en el Carnegie Hall de New York en septiembre de 1949 y el público quedó fascinado por su asombrosa velocidad al piano. Fueron dos años a partir de ahi intensísimos con los que tuvo la oportunidad de tocar en todos los formatos y con todos los grandes músicos de jazz de la época. En 1951 formó su primer trío con el contrabajista, Ray Brown y el guitarrista, Irving Ashby, enseguida sustituido por Barney Kessel. El trío se ganó un espacio propio dentro de la organización de Norman Granz y un poco mas adelante, para acallar las criticas que sugerían que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra, contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal.
Oscar Peterson, fichó en 1964, por el sello MPS y de las prolongadas estancias que el pianista pasó en la mansión de su nuevo productor, Hans Georg Brunner-Shewer, salieron algunas sesiones memorables que parecían contagiadas de la exuberante serenidad de la Selva Negra alemana, en cuyo entorno se grabaron. Los cuatro volúmenes de la serie "Exclusively For My Friends", fueron especialmente importantes y muy en particular el álbum titulado: "My Favorite Instrument". En 1973, Peterson regresó con Norman Granz con quien volvió a grabar numerosísimas sesiones de estudio, conciertos en directo, participación en festivales, reuniones de "All Stars", en dúos, tríos, cuartetos etc.
Su abundantísima y excelente discografía llega hasta nuestros días, a pesar de que en 1993, sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa en su carrera, pero su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.
Oscar Peterson falleció el 23 de diciembre de 2007 en su residencia de Mississauga en Ontario (Canadá).
Nacido en Couchman, Texas, en 1897. Decidió abrirse camino en el mundo de la música, cogió su guitarra y ya estaba tocando en fiestas, picnics y en las calles cuando no era más que un adolescente. También viajó a Dallas, Waco y otros pueblos y ciudades más grandes, iniciando una forma de vida vagabunda que mantendría hasta su muerte. Era una existencia precaria, sobre todo para un hombre negro ciego. Fue el primer intérprete capaz de organizar el viejo relato del blues para convertirlo en material grabable, con la estructura y duración necesarias para la técnica de los años 20, en que se exigía un tiempo máximo de tres minutos. Llegó a grabar más de 80 títulos para el sello Paramount. Su ceguera de nacimiento no le impidió alternar la profesión de bluesman con la de luchador de feria. Llegó a convertirse en uno de los más famosos bluesman de los años 20, su voz emulaba los cantos de trabajo de sus antepasados, expresando las miserias que él mismo había vivido. Poseedor de un gran talento para crear letras conmovedoras y para tomar otras prestadas de la tradición popular. Dotado de un estilo guitarrístico poco habitual, a menudo utilizaba un cuchillo para que el instrumento sonara mejor. Los bluesmen del Mississippi le acusaron de romper el ritmo y de tocar una música que no era bailable, pero nada de esto disminuyó su popularidad. Sus discos se vendieron bien en el Delta, y actuaba a menudo allí y en Memphis. Ningún otro artista consiguió imitar su sonido, aunque muchos lo intentaron.
A finales de 1925, el propietario de una tienda de música descubrió a Jefferson tocando en las calles de Dallas y le envió a Chicago para grabar a principios del año siguiente. Sus primeros discos de blues, como muchos de los que vinieron a continuación, fueron éxitos inmediatos. Era el primer artista de blues sureño que se acompañaba a sí mismo que tuvo éxito comercial en discos, y su éxito se puede decir que abrió las puertas a todos los demás músicos que aparecieron en los años siguientes. Su éxito como artista discográfico le permitió vivir bien y abandonarse a las mujeres y la bebida, pero también siguió viajando entre su estado natal de Texas y el estudio de grabación de Chicago. Louis Armstrong reconoció cuanto le debía como cantante. Entre los temas que escribió destacan: "Black Snake Blues", "Pneumonia Blues" y "See That My Grave is Clean", (“Cuida de que mi tumba esté limpia”) en el que la muerte, un tema recurrente en el blues desde su mismo nacimiento, es contemplada desde una perspectiva insólita.
Tras solamente cuatro años de estrellato, le llegó el fin de forma inesperada y horrible, precisamente como él había temido que le sucediera. De regreso a casa, tras actuar en una fiesta en Chicago, en el invierno de 1929-1930 Jefferson, según parece, se equivocó de camino o se perdió y murió por congelación, solo, en la nieve.
Poca información he podido encontrar sobre esta cantante de color que no se encasillo dentro de ningún género, si no que triunfo, en mayor o menor medida, dentro del Rhythm&Blues, soul, jazz,country y pop.
Después de la 2ª Guerra Mundial, su familia se mudó a Los Angeles.
Antes de cumplir los 14 años había conseguido vender 400.000 copias con Johnny Otis.
Su primer éxito fue “Double Crossing Blues” en 1950 para Savoy Records. Ese mismo año grabó otros éxitos como “Mistrusting Blues”, cantado a dúo con Mel Walker, “Cupid Boogie” que se convertiría en un número uno, “Misery”, que llegó al número 9 de las listas Billboard de rhythm&blues, “Deceivin Blues”, alcanzó el número 4, y con “Faraway Blues” y “Wedding Boogie” alcanzó el número 6.
Ferviente admiradora de Dinah Washington y a menudo comparada con ella, a lo largo de su carrera grabó varios temas de la Washington pero jamás con intención de imitarla. Los detractores de Esther Phillips describen su voz como caústica, nasal (ignorantes de la vida). Al igual que su ídolo coqueteó con las drogas y el alcohol. Su carrera sufrió un parón debido a problemas personales y sólo recuperó su éxito tras una exitosa aparición con Johnny Otis en el Festival de Jazz de Monterrey, lo que la llevó a firmar de nuevo con Atlantic Records y a grabar de nuevo discos y curiosamente en directo. Recibió un merecido Grammy. Tras la muerte de Dinah, Esther se convirtió en la más grande cantante femenina de Blues de su tiempo. Murió en 1984 a la edad de 48 años en un hospital, tras un fallo renal.
Nacido el 17 de agosto de 1939 en Mayflower, Arkansas, en el seno de una gran familia (quince hermanos). De jovencillo, en los ocios dominicales que permite la recolección de algodón, adiestra sus cuerdas vocales en el grupo gospel familiar, The Southern Travellers. En 1951, los Allison al completo emigran rumbo al norte, a Chicago. Empieza a realizar una serie de trabajos callejeros (zapatero-limpiador, vendedor de periódicos). Su hermano mayor, Ollie, miembro de un combo musical, le acompaña a los clubs, infranqueables para un menor, durante los años 54-57. Asistiendo a la escuela pública del South-Side conoce a un hijo del mismísimo Muddy Waters, que le presenta a su flamante progenitor.
Mudanza al barrio más humilde de la Windy City, el West-Side, donde comienza realmente su carrera, tomando parte en grupos Doo-Woop (The Four Jivers), o como bajista de otro prometedor guitarrista, Jimmy Dawkins. En 1958, un maestro, Freddie King, le introduce en los secretos de la guitarra más hiriente. Un año después, trás el éxito en King-Federal del creador de "Hideaway", éste cede su banda chicaguense a su pupilo Luther, que tocará por toda el área del West y South hasta 1964. Como comentó en su día: "Freddie King quería tenerme a su lado, llamarme Freddie King Junior, pero yo, con 23 años, ya quería montarmelo por mi cuenta y no ser otro más del montón. Pasé épocas muy malas, pero al menos sacaba lo suficiente para salir adelante. Tocaba el Blues, el mío".
Se codea con maestros como Otis Rush (la mejor Blues Band del West-Side) y Magic Sam (remontando su carrera trás su excarcelación castrense), en innumerables jams que cincelaban su carrera y su técnica al estilo West-Side. Cuando la escena cabaretera comienza a ser inestable por la irrupción de la Soul Music, Luther forma su efímera Soul Band, The Tornadoes, y cambia su residencia a Peoria, Illinois, trabajando de día en factorías y practicando incansablemente en los clubs los fines de semana, hasta llegar a convertirse en un excelente intérprete de Soul Deep urbano.
Shakey Jake, el armonicista y tío carnal de Magic Sam, le introduce en los estudios Delmark para completar una miscelánea del West-Side Blues de la actualidad. Graba cuatro cortes el 8 de Marzo de 1967, dos a su nombre y el resto a cargo de su ex-bajista, Big Mojo, que integrarían aquel "Sweet Home Chicago" (Delmark) compartido con otros grandes nombres como Magic Sam o Louis Myers.
En Septiembre del 68, el fulgor de la Bay Area y el Blues Boom le atraen al paraíso californiano. Durante medio año participa como sideman de grandes maestros (Sunnyland Smith, Johnny Shines, Walter Horton), grabando junto a ellos y con el añadido de bluesrockers anglosajones (John Mayall, Mick Taylor) dos LPs enteros: "Further on up the road" (por Shakey Jake & The All Stars) y "Slim's Got His Thing Goin' On" (a cargo de Sunnyland Slim).
La escena sicodélica le acoge con relativa calidez. Comparte tablas con Johnny Winter y Carlos Santana en coliseos rock tipo Filmore West, e incluso traba amistad con un hermano del mismísimo Jimmi Hendrix, Spud, que tocaría el órgano en su blues band. Los ropajes psicodélicos, las camisolas o túnicas hippies y los tejanos floreados son el nuevo uniforme de Luther, que muchos consideran el Hendrix del blues eléctrico chicagüense y principal sucesor a su trono.
En 1969, graba su primer LP, "Love Me Mama" (Delmark Records), en el verano de ese mismo año se celebra la primera edición del Ann Arbor Blues Festival, al cual asiste compitiendo con Otis Rush, B.B. y Freddie King, Magic Sam, Buddy y Junior Wells ..., y durante los siguientes años su presencia en dicho festival es casi obligatoria. En el punto álgido de su carrera, en 1972, la Motown le contrata como el primer bluesmen que engrosa sus filas para el subsello Gordy.
El blues boom llega a su fín y las ventas ya no son tan elevadas, así que decide buscar nuevos caminos y entrar en el mercado europeo, siendo muy bien acogido por el público francés. En Diciembre de 1977, graba un LP en un solo día "Love Me Papa", que refleja un claro desarrollo de todos los estílos de blues. En 1979 graba dos directos "Live" y "Live in Paris". En 1980, graba un nuevo disco de estudio "Time", que no tiene muy buena acogida por la crítica francesa. En el 84 graba "Life is a bitch" para el sello Encore, un LP con notable influencia Hendrixiana, y una serie de directos grabados en el Quasimodo Club berlines durante la primavera del 89 y editados en 1992 por Mondo Records.
Más de uno le daba por acabado, es más con 60 años ya tenía a su heredero en la figura de su hijo Bernard Allison, a quien concedió la alternativa en un par de discos de marcado caríz blues-rockero a lo Stevie Ray Vaugahn.
Luther Allison falleció el 12 de agosto de 1997 en Madison, Wisconsin.
