BILLIE HOLIDAY: Camino de Perdición.

Entre las voces femeninas del jazz, la de Billie Holiday (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar y, por último, la muerte.

Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació el 7 de abril de 1915 en el gueto negro de Baltimore, y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos.

En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación.

Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.

También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores.

En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor y el maravilloso "Fine and Mellow" un hermoso blues. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 1946 la vio participar en un concierto en el teatro neoyorquino Town Hall y la aparición en una película junto a Louis Armstrong, titulada, "New Orleáns", interpretando el papel de una sirvienta.

Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Norman Granz la contrató para su sello discográfico y también la incluyó en las giras del JATP y en 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young.

Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba. Era el 17 de julio de 1959.

Larga Vida al Jazz.

COLEMAN HAWKINS: Cuerpo y Alma.

El hombre que inventó el saxo tenor y enseñó a tocar baladas al mundo del jazz, Coleman Randolph Hawkins, conocido también como Hawk o Bean, había nacido el 21 de noviembre de 1904 en el estado de Misuri.

Fue precisamente su madre, pianista aficionada, la que le inculcó su amor por la música y la que le regaló, al cumplir los nueve años, un saxofón en do (un instrumento que se popularizó antes que el saxo tenor gracias a que la cadena de grandes almacenes Sears Roebruck los vendía a bajo precio). En realidad toda su infancia transcurrió entre instrumentos musicales; piano, violonchelo, saxo.

A los 17 años comenzó a trabajar en teatros de variedades acompañando todo tipo de atracciones. En uno de esos teatros de segunda fila, la cantante Mamie Smith (muy popular en aquel momento) se fijó en él y le ofreció unirse a sus Jazz Hounds. Con Smith viajó por primera vez a Nueva York y también con ella grabó en 1922 su primer disco para la casa Okeh, especializada en race records (término utilizado para describir los discos destinados al público negro).

Cuando el contrato acabó, Hawk se quedó en Nueva York y entró en la orquesta de Fletcher Henderson, con el que actuaría a lo largo de los siguientes 12 años. En 1924 y durante doce meses, Hawkins compartió pupitre en esa orquesta con el joven Louis Armstrong. La big band de Henderson sufrió importantes altibajos económicos en esos años, lo que permitió a Coleman Hawkins colaborar y grabar esporádicamente con otras orquestas de tanto renombre, como los McKinney`s Cotton Pickers, en las que coincidió con otras luminarias de la época como Benny Goodman, Fats Waller, Eddie Condon, Glen Miller o Gene Krupa. Un aprendizaje que sólo puede calificarse como de auténtico lujo.

En 1934, cansado de la frenética vida neoyorquina, decide trasladarse a Europa enrolandose en la orquesta de baile del mediocre Jack Hilton, la misma que unos años antes, en 1929, había sido la primera orquesta internacional que interpretó sonidos jazzísticos (no de mucha calidad pero jazz al fin y al cabo) en un escenario español, durante la exposición internacional de Barcelona. Con Hylton, Hawkins recorrió las más importantes capitales del viejo continente, pero en la frontera alemana fue detenido por la policía hitleriana, que le impidió la entrada en el país debido al color de su piel.

Tras ese incidente, Hawkins se trasladó a París y, de la mano del Hot Club de Francia, pudo tocar y grabar con la flor y nata del jazz europeo, como el guitarrista Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grapelli.

Hawk vivió cinco años en Europa y sus planes eran seguir a caballo entre Holanda y París, pero el avance del nazismo truncó sus proyectos.

En julio de 1939 regresó definitivamente a EEUU y, a los pocos días de su llegada, participó en una jam session, posteriormente mitificada por la historia, en la Puss Johnson`s Tavern en la que, ante los atónitos ojos de Billie Holliday, destrozó musicalmente a Lester Young, que en su ausencia se había convertido en el saxofonista más cotizado del panorama. Tras este incidente, la grabación del incomparable “Body and Soul” lo catapultaría al estrellato.

Esa época de ascensión musical coincidió con los inicios del be-bop, y puede decirse que fue prácticamente el único músico salido de la escuela clásica que se acercó a los nuevos sonidos sin miedo pero sin perder nunca su propia personalidad. Hawkins contrató a Dizzy Gillespie y Don Byas para una de sus primeras big bands en 1944, y ese mismo año grabó en formación de cuarteto con Thelonious Monk en el piano. Más tarde, también uniría su saxo a conceptos musicales aparentemente más avanzados, como Miles Davies en 1947, John Coltrane en 1957 y Sonny Rollins en 1963.

Paralelamente a sus éxitos continuados en el campo musical, su vida privada se fue degradando progresivamente a lo largo de toda la década de 1960. Bebedor empedernido, cayó en el alcoholismo crónico, que le provocaba tremendas depresiones durante las cuales el saxofonista se negaba incluso a comer. Con la salud totalmente depauperada se enfrentó a su última gira en primavera de 1969 junto al trompetista Roy Eldridge.

Coleman Hawkins murió el 19 de mayo de 1969 en Nueva York.

Larga Vida al Jazz.

OSCAR PETERSON: El Piano y Yo.

Oscar Emmanuel Peterson nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal, Canadá.

Su infancia estuvo rodeada de música. Su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano y él se inicio en la trompeta a la edad de cinco años, hasta que una tuberculosis, detectada cuando tenía siete años, le aconsejó dejar los instrumentos de viento, y a partir de ahí estudió el piano de Teddy Wilson, su primera gran influencia. En 1939 su hermano mayor le convenció para que se presentara en un concurso para músicos aficionados que había convocado CBC (Canadian Broadcasting Corporation). Oscar venció sin discusión y dejó a todo el mundo sorprendido. El triunfo le sirvió, además, para conseguir un contrato para actuar semanalmente en la emisora de Montreal de esa cadena. El programa se radiaba todos los domingos con el nombre de “Fifteen Minutes`Piano Rambling”. El éxito local del programa hizo que la cadena decidiera incorporar el piano de Oscar en un reputado programa nacional, “The Happy Gang”.

En ese momento, y gracias al empuje de esos primeros éxitos radiofónicos, Oscar decidió dejar definitivamente la escuela para convertirse en músico de jazz de forma profesional.

Art Tatum, se cruzó en su camino y dada su memoria musical, pudo retener la complejidad de las piezas de Tatum y tener la capacidad de reproducirla con absoluta y notable fidelidad.

En 1944, se integró en la banda de Johnny Holmes, una de las mas celebres de Canadá. En 1949, mientras Norman Granz, viajaba en un taxi camino del aeropuerto de Montreal, le oyó casualmente y tras contactar con él le firmó un contrato para su famoso Jazz at the Philharmonic, un grupo itinerante que contaba sus actuaciones por todo el mundo por éxitos multitudinarios.

Oscar Peterson, debutó con el JATP, en el Carnegie Hall de New York en septiembre de 1949 y el público quedó fascinado por su asombrosa velocidad al piano. Fueron dos años a partir de ahi intensísimos con los que tuvo la oportunidad de tocar en todos los formatos y con todos los grandes músicos de jazz de la época. En 1951 formó su primer trío con el contrabajista, Ray Brown y el guitarrista, Irving Ashby, enseguida sustituido por Barney Kessel. El trío se ganó un espacio propio dentro de la organización de Norman Granz y un poco mas adelante, para acallar las criticas que sugerían que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra, contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal.

Oscar Peterson, fichó en 1964, por el sello MPS y de las prolongadas estancias que el pianista pasó en la mansión de su nuevo productor, Hans Georg Brunner-Shewer, salieron algunas sesiones memorables que parecían contagiadas de la exuberante serenidad de la Selva Negra alemana, en cuyo entorno se grabaron. Los cuatro volúmenes de la serie "Exclusively For My Friends", fueron especialmente importantes y muy en particular el álbum titulado: "My Favorite Instrument". En 1973, Peterson regresó con Norman Granz con quien volvió a grabar numerosísimas sesiones de estudio, conciertos en directo, participación en festivales, reuniones de "All Stars", en dúos, tríos, cuartetos etc.

Su abundantísima y excelente discografía llega hasta nuestros días, a pesar de que en 1993, sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa en su carrera, pero su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.

Oscar Peterson falleció el 23 de diciembre de 2007 en su residencia de Mississauga en Ontario (Canadá).

Larga Vida al Jazz.

JOHN COLTRANE: Arte y revolución.

John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte.Coltrane, comenzó a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Eddie "Cleanhead" Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. Entre 1952 y 1954 trabaja con varios músicos de sideman y no es hasta septiembre de 1955 cuando el saxofonista contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones.

Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue".

A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. Es en 1960 y lo forman el pianista, McCoy Tyner, el contrabajista, Steve Davis, sustituido luego por el definitivo, Jimmy Garrison, y el batería, Elvin Jones. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" y incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que desde los tiempos de Sidney Bechet y con la excepción de Steve Lacy, nadie lo había incorporado al jazz moderno.

Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenos a la tradición europea: el flamenco (Olé Coltrane), la música y ritmos africanos (Dahomey Dance, África) la música india (Aisha) etc. En muchas de estas obras aparece el saxo alto, clarinete bajo y flautista, Eric Dolphy, que permaneció en su cuarteto desde 1961 hasta marzo de 1962 y a partir de ahí da comienzo un nuevo proyecto con su firma para el sello Impulse! donde graba en directo desde el Village Vanguard de New York, una serie de conciertos absolutamente geniales. Parte otra vez hacia Europa en 1963 y al año siguiente graba un álbum (Crescent) que indica el desplazamiento espiritual en su música que llega luego con su álbum quizás más conocido por el gran publico: "A Love Supreme". Un nuevo giro a su música en 1965 con un concepto mas radical es inaugurada con el disco "Ascensión" que señala su definitiva adscripción al movimiento "freejazz".

John Coltrane, cambia a sus músicos en función de su nuevo sonido y su enfermedad le obliga a ralentizar sus grabaciones siendo lo mas destacable en sus últimos años otra actuación en el "Village Vanguard" y una gira por Japón. Las ultimas grabaciones de 1967 - incluidas las aparecidas tras su muerte - dan la impresión de que iban encaminadas en una dirección donde el protagonismo era la pureza del sonido pero su muerte en 1967 a consecuencia de una infección hepática le privó de alcanzar su sueño de visitar África.

Larga Vida al Jazz.

JIMMY SMITH: El genio y la bestia.

Jimmy Smith nació en la localidad de Norristown, próxima a Filadelfia, el 8 de diciembre de 1928; una región que es la cuna de numerosos organistas de jazz: Shirley Scott, Jimmy McGriff, Lou Bennett …

En el hogar de los Smith, la música era una pasión compartida. Sus padres fueron pianistas profesionales y el pequeño Jimmy se inició muy pronto en sus estudios de solfeo, piano y contrabajo, una combinación instrumental que influiría en su decisión de convertirse en organista: “Me gustaban los dos instrumentos, así que tocar el órgano fue la decisión más lógica dado que el órgano es un instrumento que tiene las dos cosas juntas, el piano (las teclas) y el contrabajo (los pedales).

Con nueve años ganó un concurso para pianistas aficionados. Un año más tarde probó su primer órgano: “Lo conseguí gracias a un prestamista que tenía uno en depósito. Estuve viviendo en su almacén durante un periodo de tiempo,entre seis meses y un año. Hacía como todo el mundo, tomaba mi almuerzo, iba a hacer mis cosas peroluelo regresaba y me sentaba en “la bestia”. Nadie me enseñó nada porque, cuando yo empecé, apenas había organistas de jazz, salvo dos: Milt Buckner y Wild Bill Davis”.

En 1942, formó con su padre un pequeño grupo que sirvió para aumentar su vocación de músico, no interrumpida ni siquiera por el servicio militar, obligación que cumplió en 1945. En la segunda mitad de los años cuarenta, profundizó sus conocimientos musicales matriculándose en la "Hamilton School of Music" donde dio clases de contrabajo. Debutó profesionalmente en 1952, con el grupo "Don Gardner and his Sonotone" donde ya tocaba simultáneamente el piano y el órgano. El paso definitivo al órgano lo dio tres años mas tarde, cuando en 1955, Jimmy Smith, formó su primer trío para tocar en el Café Bohemians de New York, logrando un gran éxito. Como era lógico esas actuaciones no pasaron desapercibidas para la critica especializada y en 1956, el prestigioso sello "Blue Note" lo añade a su nómina de músicos.

Jimmy Smith y la Blue Note mantuvieron desde entonces una relación profesional y musical absolutamente extraordinaria y sus discos fueron saliendo con una regularidad constante. Su debut en los estudios fue con el álbum: "New Sound, A New Star: Jimmy Smith at the Organ, Vol. 1", un disco que sería el espaldarazo definitivo a su carrera como organista y lo convertiría en el mas prestigioso instrumentista de órgano del jazz, comparable incluso, con lo que llegó a hacer Charlie Christian con la guitarra eléctrica. Su formula preferida siempre fue en trío o cuarteto y entre 1956 y 1963, Jimmy Smith grabó para Blue Note, la friolera de treinta y dos álbumes, lo que da idea tanto de la capacidad creativa del organista en esos años, como la calidad y amplitud de su repertorio.

Tras su extraordinaria etapa en "Blue Note", Jimmy Smith, que toca casi siempre rodeado de extraordinarios músicos, como Kenny Burrell, Stanley Turrentine y Philly Joe Jones, entre otros, da otro paso importantísimo en su carrera cuando decide fichar por el popular sello "Verve", donde también grabó entre 1962 y 1973, cerca de una treintena de discos, colocando varios de ellos en las listas de los mas votados del jazz. Al mismo tiempo, y de manera sistemática desde 1964, Jimmy Smith, gana por aplastante mayoría las votaciones de la prestigiosa publicación Down Beat en la sección de lectores y también la de críticos, como organista de jazz, categoría incluida en las votaciones a partir de ese año. La magnifica distribución internacional de Verve consiguió que el trabajo del organista se expandiera a los mercados europeos y japonés, en los que Smith se hizo rápidamente muy popular (sobre todo en Inglaterra) ayudado de sus actuaciones en directo y televisivas en las que quedaba bien patente su virtuoso y exhibicionista dominio del instrumento.

De la extraordinaria, amplísima y excelente discografía de Jimmy Smith, a lo largo de su carrera profesional es obligatorio destacar tres discos que por orden cronológico son imprescindibles: "Back at the Chicken Shack" (Blue Note, 1960); "Bashin': The Unpredictable Jimmy Smith" (Verve, 1962) y el grabado a dúo con el maestro de la guitarra, Wes Montgomery titulado: "Jimmy & Wes: The Dynamic Dúo" (Verve, 1966). Jimmy Smith, es una referencia fundamental del moderno órgano de jazz, ganando un gran prestigio entre la crítica especializada e influenciando definitivamente en la música popular afroamericana a través de una auténtica legión de seguidores.

Jimmy Smith, falleció el 8 de febrero de 2005.

Larga Vida al Jazz.

DIZZY GILLESPIE: Soplando el Jazz.

John Birks Gillespie nació el 21 de octubre de 1917 en Cheraw, Carolina del Norte, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge.

Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir "alocado"· Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke.

Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la atención de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del celebre club "Myntons Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que mas adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.

Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música de alto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y como no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical.

Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales mas reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca".

Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello "Debut". Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como embajador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.

Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz" formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió el 6 de enero en 1993 en Englewood, New Jersey, y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop"; "A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.

Larga Vida al Jazz.

SONNY ROLLINS: Siguiendo la Estela.

Theodore Walter "Sonny" Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en Nueva York, en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto, junto al trompetista, Fats Navarro, que dejó para la posteridad los álbumes; "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" ambos para Blue Note. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.

Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba Clifford Brown a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor Harold Land, y su permanencia con el baterista, duró año y medio.

Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso una herencia materna, y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los `50, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de John Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.

Decidió tomarse un respiro de un par de años, donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg, que une Manhattan con Brooklyn. A su regreso grabó para RCA, en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane, Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo, y Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).

Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya octogenario, Sonny Rollins, es sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.

Larga Vida al Jazz.