RUTH BROWN: Little Miss Rythm.

Ruth Brown nació con el nombre de Ruth Alston Weston el 12 de enero de 1928 en Portsmouth, Virginia, siendo la mayor de siete hermanos.

El padre de Ruth Brown trabajaba como estibador y dirigía el coro de la iglesia de su barrio, pero la joven Ruth prefería cantar en espectáculos de United Service Organizations (una institución que organizaba actividades para los militares) y en clubes nocturnos. En 1945, Brown huyó de su casa de Portsmouth con un trompetista, Jimmy Brown, con quien pronto se casaría, para cantar en bares y clubes. Posteriormente pasó un mes con la orquesta de Lucky Millinder, pero la despidieron por traer bebidas gratis a los miembros de la banda y la abandonaron a su suerte en Washington, D.C.

Blanche Calloway, la hermana de Cab Calloway, que también tenía un grupo musical, consiguió para Brown una actuación en un club nocturno de Washington llamado Crystal Caverns y pronto se convirtió en su representante. Willis Conover, un pinchadiscos de la ciudad, la vio actuar y la recomendó a Ahmet Ertegün y Herb Abramson, jefes de Atlantic Records. Sin embargo, Brown no pudo asistir a la prueba con la discográfica debido a un grave accidente de tráfico que la mantuvo hospitalizada nueve meses. En 1948, Ertegun y Abramson viajaron a Washington desde Nueva York para oírla cantar en el club. Aunque su repertorio consistía fundamentalmente en baladas muy conocidas, Ertegun la convenció para que se pasase al rhythm and blues. No obstante, las grabaciones que éste le produjo siempre conservaron su estilo "pop", con unos arreglos nítidos y frescos y con un ritmo basado en la voz, lejos de las habituales florituras de las cantantes de blues.

En 1949, Brown cantó "So Long", qué después se convertiría en un éxito. A éste le siguió "Teardrops from My Eyes" en 1950. Escrita por Rudy Toombs, fue la primera balada de gran éxito de Ruth Brown, convirtiéndola en una figura destacada dentro del R&B. Grabada para Atlantic Records en Nueva York en septiembre de 1950 y publicada en octubre, permaneció 11 semanas en la lista de éxitos de R&B de Billboard. Este éxito la hizo merecedora del apodo de "Miss Rhythm" y pocos meses después Ruth Brown ya era conocida como la reina del R&B.

Siguieron "I'll Wait for You" (1951), "I Know" (1951), "5-10-15 Hours" (1953), "(Mama) He Treats Your Daughter Mean" (1953), "Oh What a Dream" (1954), "Mambo Baby" (1954) y "Don't Deceive Me" (1960). También se la conoció como Little Miss Rhythm y La chica de la voz con lágrimas. En total, se mantuvo en las listas de éxitos de R&B durante 149 semanas, desde 1949 hasta 1955, con 16 álbumes de blues entre los diez mejores temas (incluidos 5 números uno), y se convirtió en la artista más popular de Atlantic, razón por la cual la discográfica recibió el apelativo de "The house that Ruth built" (la casa que construyó Ruth).

Durante los años 60, Brown se alejó de la vida pública para ocuparse de su hogar y de sus hijos, y no volvió a la música hasta que, en 1975, Redd Foxx se lo pidió encarecidamente. Luego vinieron una serie de actuaciones cómicas, como los papeles en la telecomedia “Hello, Larry” y en la película de John Waters “Hairspray”, interpretando a D.J. Motormouth Maybelle, así como un Premio Tony por su actuación en Broadway en el musical “Black and Blue” y un Grammy por su álbum “Blues on Broadway”, en el que interpretaba temas de ese musical.

En 1987 la lucha de Brown por los derechos de los músicos la llevaron a fundar la Rhythm and Blues Foundation. En 1989 se le concedió un Premio Pioneer por su labor en la fundación y en 1993 ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame como “La Reina Madre de Blues”.

Brown se convirtió en un icono para muchas mujeres negras durante las últimas generaciones, siendo además una destacada artista y fuente de inspiración para otras cantantes de blues como Bonnie Raitt. Brown grabó y cantó con el intérprete de rhythm and blues Charles Brown, también miembro del Rock and Roll Hall of Fame y participó en la gira de Raitt, "Road Tested", a finales de los 90. Su autobiografía de 1995, “Miss Rhythm”, ganó el Premio Gleason de periodismo musical.

En 2006, Hummer utilizó su canción "This Little Girl's Gone Rockin'" en uno de sus anuncios para H3.

Ruth Brown murió en un hospital cerca de Las Vegas, el 17 de noviembre de 2006, por complicaciones derivadas de un ataque al corazón y una apoplejía que sufrió tras una intervención quirúrgica en octubre de 2006.

Larga Vida al Rythm&Blues.

LEADBELLY: El Blues del Perdón.

Leadbelly, hijo de Wesley y Sally Ledbetter, nació con el nombre de Huddie William Ledbetter en una plantación próxima a Mooringsport, una población de Louisiana cercana a la frontera tejana, el 21 de enero de 1885 pero a los cinco años se trasladó a Leigh, Texas. Allá su tío le regaló su primer instrumento, un acordeón, a la vez que le enseñó a tocar la guitarra y la armónica.

Desde una edad temprana empezó a ganarse la vida como guitarrista ambulante, aun cuando ocasionalmente trabajó de jornalero; aprendió a cantar blues, canciones de trabajadores y otros temas folclóricos. También, prácticamente desde el primer momento en que inició su vida artística, se vio inmerso en constantes conflictos, básicamente de carácter pasional (a los veinte años ya había concebido al menos dos hijos y él mismo declaró que en su juventud se había llegado a acostar con ocho o diez mujeres por noche), así que al mismo tiempo que ganaba reputación como músico, se empezó a convertir en un conocido delincuente en el sur de los Estados Unidos, hasta el punto de que pasaría diversas etapas en cárceles de Texas y Louisiana.

Se sabe que estuvo una temporada en una prisión de Texas condenado por una agresión, pero en 1916 se escapó. En 1918, volvía a estar recluido en una penitenciaria, también en Texas, cumpliendo una condena de 20 años por asesinato. Sin embargo, en 1925 obtuvo la libertad (la leyenda diría que lo consiguió cantando para el gobernador Pat Neff, que visitaba la prisión y al cual impresionó con una canción en la que suplicaba perdón; la realidad parece ser que su indulto fue debido a su buena conducta).

Entonces volvió a Louisiana, pero hacia 1930 volvía a estar en prisión, esta vez acusado de intento de asesinato. Pero todo cambió cuando, en 1933, visitaron la prisión los folkloristas John y Alan Lomax con la intención de grabar música folk negra para la Library Of The Congress. Los Lomax quedaron totalmente seducidos con Leadbelly y, con un equipo de grabación portátil, en la misma cárcel le grabaron otro tema suplicando perdón que los Lomax hicieron escuchar al gobernador de Lousiana, O. K. Allen (cabe decir que en la otra cara de la placa donde quedó grabado, Leadbelly quiso que le grabaran su conocido “Goodnight, Irene”) y, según parece, esta vez sí que a causa de esta petición de gracia tan peculiar, Leadbelly consiguió la libertad.

Al salir de la prisión (a principios de 1934), Leadbelly acababa de cumplir 49 años. John Lomax lo contrató como su chófer y ayudante, llevándolo en coche a otras prisiones en busca de canciones folk y dando conciertos en los campus de las universidades. De hecho, parece ser que Leadbelly fue el primer negro en dar un concierto para blancos. Sin embargo, rompería con Lomax unos años más adelante debido a que las grabaciones que habían realizado no tuvieron la repercusión que se esperaba (se calcula que grabó más de doscientas piezas hasta el año 1942) y, también, al fuerte carácter de ambos.

En diciembre de 1934, Leadbelly fija su residencia en Nueva York de donde ya no se movería con excepción de un período de tres años en los que residió en California. Un año después se casó con Martha Promise y empezó a grabar temas para sellos como RCA Victor o Capitol Records. Esto, junto con actuaciones radiofónicas cada vez más frecuentes, le dio fama (pero no fortuna) y entró a formar parte de las formaciones The Almanaque Singers y People's Songs, agrupaciones de cantantes folk (entre ellos Sony Terry, Pete Seeger, Brownie McGhee, Woody Guthrie y Josh White) que apoyaban con sus canciones y recitales las reivindicaciones obreras, dando continuidad a la tradición de Joe Hill y otros trovadores anarcosindicalistas.

Por lo visto, dominaba varios instrumentos: piano, violín, acordeón, guitarra y armónica, pero normalmente sus grabaciones se basan en su voz, una guitarra de doce cuerdas y su línea de 'walkin bass' sobre la armonía. Tenía tan controlada esta fórmula que compuso innumerables canciones del mismo modo y todas muy originales. Por ello es considerado uno de los pilares del blues-folk norteamericano.

En 1939 volvió a ingresar en prisión acusado de asalto y estuvo recluido hasta 1940. En 1944 se trasladó a California donde residió hasta 1947.

En 1949 hizo una gira por Francia siendo el primer artista de su estilo que dio un concierto en Europa. Sin embargo, antes de acabar la gira, cayó enfermo y se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica (enfermedad de Lou Gehrig ). Después de suspender la gira, volvió a los Estados Unidos y murió en Nueva York el 6 de diciembre de aquel mismo año a los 64 años de edad. Fue enterrado en el cementerio de la iglesia baptista de Shiloh (condado de Caddo Parish), a 8 millas al oeste de Blanchard, Luisiana.

En 1976 vio la luz una película realizada por Gordon Parks y protagonizada por Roger E. Mosley que lleva por título Leadbelly y que narra su vida hasta su salida de prisión a principios de 1934.

Larga Vida al Blues.

JIMMY SMITH: El genio y la bestia.

Jimmy Smith nació en la localidad de Norristown, próxima a Filadelfia, el 8 de diciembre de 1928; una región que es la cuna de numerosos organistas de jazz: Shirley Scott, Jimmy McGriff, Lou Bennett …

En el hogar de los Smith, la música era una pasión compartida. Sus padres fueron pianistas profesionales y el pequeño Jimmy se inició muy pronto en sus estudios de solfeo, piano y contrabajo, una combinación instrumental que influiría en su decisión de convertirse en organista: “Me gustaban los dos instrumentos, así que tocar el órgano fue la decisión más lógica dado que el órgano es un instrumento que tiene las dos cosas juntas, el piano (las teclas) y el contrabajo (los pedales).

Con nueve años ganó un concurso para pianistas aficionados. Un año más tarde probó su primer órgano: “Lo conseguí gracias a un prestamista que tenía uno en depósito. Estuve viviendo en su almacén durante un periodo de tiempo,entre seis meses y un año. Hacía como todo el mundo, tomaba mi almuerzo, iba a hacer mis cosas peroluelo regresaba y me sentaba en “la bestia”. Nadie me enseñó nada porque, cuando yo empecé, apenas había organistas de jazz, salvo dos: Milt Buckner y Wild Bill Davis”.

En 1942, formó con su padre un pequeño grupo que sirvió para aumentar su vocación de músico, no interrumpida ni siquiera por el servicio militar, obligación que cumplió en 1945. En la segunda mitad de los años cuarenta, profundizó sus conocimientos musicales matriculándose en la "Hamilton School of Music" donde dio clases de contrabajo. Debutó profesionalmente en 1952, con el grupo "Don Gardner and his Sonotone" donde ya tocaba simultáneamente el piano y el órgano. El paso definitivo al órgano lo dio tres años mas tarde, cuando en 1955, Jimmy Smith, formó su primer trío para tocar en el Café Bohemians de New York, logrando un gran éxito. Como era lógico esas actuaciones no pasaron desapercibidas para la critica especializada y en 1956, el prestigioso sello "Blue Note" lo añade a su nómina de músicos.

Jimmy Smith y la Blue Note mantuvieron desde entonces una relación profesional y musical absolutamente extraordinaria y sus discos fueron saliendo con una regularidad constante. Su debut en los estudios fue con el álbum: "New Sound, A New Star: Jimmy Smith at the Organ, Vol. 1", un disco que sería el espaldarazo definitivo a su carrera como organista y lo convertiría en el mas prestigioso instrumentista de órgano del jazz, comparable incluso, con lo que llegó a hacer Charlie Christian con la guitarra eléctrica. Su formula preferida siempre fue en trío o cuarteto y entre 1956 y 1963, Jimmy Smith grabó para Blue Note, la friolera de treinta y dos álbumes, lo que da idea tanto de la capacidad creativa del organista en esos años, como la calidad y amplitud de su repertorio.

Tras su extraordinaria etapa en "Blue Note", Jimmy Smith, que toca casi siempre rodeado de extraordinarios músicos, como Kenny Burrell, Stanley Turrentine y Philly Joe Jones, entre otros, da otro paso importantísimo en su carrera cuando decide fichar por el popular sello "Verve", donde también grabó entre 1962 y 1973, cerca de una treintena de discos, colocando varios de ellos en las listas de los mas votados del jazz. Al mismo tiempo, y de manera sistemática desde 1964, Jimmy Smith, gana por aplastante mayoría las votaciones de la prestigiosa publicación Down Beat en la sección de lectores y también la de críticos, como organista de jazz, categoría incluida en las votaciones a partir de ese año. La magnifica distribución internacional de Verve consiguió que el trabajo del organista se expandiera a los mercados europeos y japonés, en los que Smith se hizo rápidamente muy popular (sobre todo en Inglaterra) ayudado de sus actuaciones en directo y televisivas en las que quedaba bien patente su virtuoso y exhibicionista dominio del instrumento.

De la extraordinaria, amplísima y excelente discografía de Jimmy Smith, a lo largo de su carrera profesional es obligatorio destacar tres discos que por orden cronológico son imprescindibles: "Back at the Chicken Shack" (Blue Note, 1960); "Bashin': The Unpredictable Jimmy Smith" (Verve, 1962) y el grabado a dúo con el maestro de la guitarra, Wes Montgomery titulado: "Jimmy & Wes: The Dynamic Dúo" (Verve, 1966). Jimmy Smith, es una referencia fundamental del moderno órgano de jazz, ganando un gran prestigio entre la crítica especializada e influenciando definitivamente en la música popular afroamericana a través de una auténtica legión de seguidores.

Jimmy Smith, falleció el 8 de febrero de 2005.

Larga Vida al Jazz.

BO DIDLEY. Entre Blues y Rock`n`Roll

Nació el 30 de Diciembre de 1928 en Mc Comb, Mississippi, su verdadero nombre es Ellas Bates. A muy temprana edad se traslada a Chicago y se cría en casa de una prima de su madre (Gussie Mc Daniel), de la que pronto acaba adoptando el apellido. Sin embargo pasará a la historia como Bo Diddley, apodo con el que fué bautizado durante una breve etapa como boxeador.

Aunque determinados historiadores han asegurado que el joven Mc Daniels siempre quiso volver al campo donde nació, y que nunca se adaptó a la vida en la gran ciudad, lo cierto es que, desde sus años escolares, el músico era ya un experto guitarrista callejero. En 1951, se había convertido en una de las atracciones fijas en varios clubes de la ciudad. En Junio de 1955 es contratado por el sello Chess Records, que inmediatamente lanza, a través de su filial Checker, su primer single, titulado sencillamente “Bo Diddley”. El disco se dispara hasta el segundo puesto de las listas blues, aunque no obtiene ninguna resonancia en los mercados ‘blancos’. El 20 de noviembre de 1955, se convierte en el primer afroamericano en aparece en el show de Ed Sullivan y sus discos empiezan a ser editados en Inglaterra, pero su música (demasiado racial y primitiva) no consigue traspasar las todavía rígidas barreras raciales. Diddley se convierte, pues, en un ídolo exclusivamente para los aficionados al más puro Rhythm&Blues.

La influencia de este francés negro, como a él mismo le gustaba definirse, en la música contemporánea de Europa y América ha sido más que notable. Tanto músicos como grupos han realizado con frecuencia versiones de sus propias canciones. Caben destacar The Animals, que grabaron "The Story of Bo Diddley", The Who y The Yardbirds que grabaron "I'm a Man" y The Woolies y George Thorogood que alcanzarían un éxito con "Who Do You Love", tema que también sería utilizado por la banda Quicksilver Messenger Service y que era uno de los favoritos en los conciertos de The Doors.

Además de las muchas canciones que compuso para sí mismo, en 1956 escribió "Love Is Strange" para Mickey y Sylvia bajo seudónimo, una canción considerada como pionera de la música pop, que en 2004, fue incluida en el "Grammy Hall of Fame" como una de las grabaciones con significación histórica. La revista Rolling Stone lo nombró como uno de sus temas immortals en el artículo The 50 Greatest Artists of All Time (Los 50 artistas más grandes del todo el tiempo).

"Road Runner" de Bo Diddley también fue grabado con frecuencia, incluyendo a The Who en uno de sus conciertos y a Brownsville Station en uno de sus discos. El tema "Mannish Boy" de Muddy Waters era una adaptación del tema Diddley "I'm a Man". El grupo The Jesus and Mary Chain también realizó una grabación titulada, "Bo Diddley is Jesus" como tributo a su persona. Ronnie Hawkins interpretó "Hey Bo Diddley", "Bo Diddley" y "Who Do You Love" durante muchas de sus sesiones de grabación, incluidas las realizadas con su banda, The Hawks, más tarde conocida como The Band.

En 1963 inicia su primera gira por Inglaterra, junto a los Everly Brothers y los Rolling Stones. La banda de Mick Jagger, en señal de respeto al que consideran uno de sus maestros, se niega a tocar, en esa gira, ninguno de los temas de su repertorio que habitualmente tocan en directo. En 1964 graba, junto a Chuck Berry, el LP “Two Great Guitars”. Cuatro años después, participa en el disco “Super Blues Band” con Muddy Waters y Little Walter. Durante las últimas décadas, jamás a parado de grabar y actuar en directo, sobre todo gracias a la admiración que le han tenido los posteriores dioses del Olimpo Rock. En 1969 fué uno de los artistas invitados en el mítico Toronto Rock and Roll Revival Concert en el que también participaron, entre otros, John Lennon, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Chuck Berry, y en 1987 fué uno de los músicos invitados por el rolling Stone, Ronnie Wood, en uno de sus discos en solitario. Sin embargo, Bo Diddley (a diferencia de otros músicos de color como Fats Domino o Little Richard) nunca a logrado hacerse con un gran público. Es una figura mítica, adorada por una minoría de ‘connaisseurs’, y más conocida por la estrafalaria forma de sus guitarras (cuadradas, y hasta forradas con piel de leopardo) que por su genial contribución al estallido del Rock&Roll.

Diddley murió el 2 de junio de 2008 a los 79 años. El año 2007 sufrió una serie de ataques cerebrales y cardíacos que lo dejaron muy debilitado. Falleció en su casa de Archer (Florida).

Larga Vida al Rock.

ETTA JAMES: Mistery Lady

James Etta Hawkins nació el 25 de enero de 1938 en Los Angeles, California. Pocas cantantes de R & B han aguantado momentos tan trágicos como los de Etta con tanta solidez y encima lo cuentan. En su autobiografía, “Rage to Survive”, narra su pasado (inclusive numerosas adiciones a las drogas) con gran número de sórdidos detalles.

Pero sus problemas personales rara vez han afectado su carrera como cantante. James ha pasado por todos los estilos, acoplándose a los gustos de la época en todo momento, R & B y doo wop a mediados de los `50, soul en los `60 y todas sus evoluciones hasta nuestros días (incluyendo el disco de 1994 “Mystery Lady” donde rinde tributo al jazz y a uno de sus idolos, Billie Holiday). La voz de Etta James ha ido profundizándose con los años, pero sigue transmitiendo sentimientos de pasión y esas gotas de dolor que solo Etta es capaz de interpretar.

James Etta Hawkins fue una niña prodigio desde sus inicios en el gospel. Cantaba en su iglesia bautista de Los Ángeles con tan solo 5 años de edad bajo la tutela del profesor James Earle Hines. Se traslada a San Francisco en 1950, y pronto se junta con otras chicas para formar un grupo. Con tan solo 14 años, Johnny Otis, lider de su propia banda, escucha al trío, quedando impresionado con la voz de Etta.

En contra de los deseos de su madre, la joven cantante embarca hacia Los Angeles para grabar "Roll with Me Henry" con la banda de Otis y el vocalista Richard Berry en 1954 para Modern Records. Otis decide en invertir en Etta para formar un grupo paralelo al suyo bajo el nombre de The Peaches (que también era el apodo de Etta). "Roll with Me Henry" debe renombrarse con el título de "The Wallflower" cuando algunos presentadores de radio se opusieron a pincharlo debido a las connotaciones un tanto picaras del título, pero eso no impidió que llegara a la cima de las listas de R & B en 1955.

The Peaches se disolvieron poco después, pero Etta James siguió con Modern Records durante el resto de la década (a menudo con la ayuda del saxofonista Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" tuvo también una buena acogida en 1955, pero sus siguientes trabajos "W-O-M-A-N" y "Tough Lover" (un cambio hacia el sonido rocker de Nueva Orleans con Lee Allen en el saxo) fueron sendos fracasos, lo que le llevo a replantearse su carrera.

James aterrizó en Chicago's Chess Records en 1960, firmando con su sucursal Argo. Inmediatamente, su carrera se ve relanzada; no sólo hizo un par de dúos con su por aquel entonces novio (el lider de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino temas propios (empezando con la balada melancólica "All I Could Do Was Cry") volviendo a colocarse en las listas de R & B. Leonard Chess vio a James como una elegante baladista, que fusionaba el pop con el potente crossover, con lo que decide ayudarla orquestando con exuberantes violines; "At Last" y "Trust in Me" en 1961. Pero el lado más áspero de James no se quedó en el olvido, el tema gospel "Something's Got a Hold On Me" de 1962 o su disco en directo de 1963 “Etta James Rocks The House”.

James viaja a los estudios de Rick May, Fame, en Muscle Shoals en 1967 en donde tiene un nuevo renacimiento con uno de sus clásicos. "Tell Mama” era una tremenda balada de puro soul sureño, que contrastaba con baladas más frias y viscerales como, "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta James permanecó en el sello hasta 1975, tiempo en el que estuvo experimentando con sonidos más rockeros.

Fueron unos años de vacas flacas, tanto personal como profesionalmente, para “Peaches” James. Pero en 1988 firma con el sello Island y “Seven Year Itch” la vuelve a reafirmar como una de las damas del soul sureño. Sus últimos álbumes han tocado un poquito todos los terrenos, en 1990 “Sticking to My Guns” era un disco de R & B contemporáneo; en 1992 Jerry Wexler produce “The Right Time” para el sello Elektra siendo un disco muy soul; indaga en los sonidos del jazz e incluso graba un disco navideño “Etta James Christmas “ en 1998.

Larga Vida al Rythm&Blues